El Período de Entreguerras (1919-1939)

El Movimiento Moderno (1919-1939)

Francia

Muebles de tubo de acero, paralelos a la vanguardia. Diseñadores clave: Le Corbusier y Charlotte Perriand. En la frontera y con rasgos, a veces, *Art Déco*. Destaca Eileen Grey (irlandesa en París).

Escandinavia

Diseños racionalistas pero con tendencia orgánica. Uso de madera contrachapada y curvada, generalmente de abedul. Diseñador clave: Alvar Aalto.

El Art Déco

Centros de máximo interés: Manhattan y París.

El término *Art Déco*, acuñado en los años sesenta, se refiere a un estilo que abarcó el período de los “locos años veinte” y la depresión económica de 1930. El *Art Déco* representó muchas cosas para mucha gente. Era el estilo del charlestón y las fábricas (ejemplo: Calefactor eléctrico de Christian Barman), del lujo de los trasatlánticos y de los rascacielos, el fantástico mundo de Hollywood y el mundo real de Harlem Renaissance.

El *Art Déco* afectó a todas las formas de diseño, desde las bellas artes y las artes decorativas hasta la moda, el cine, la fotografía, los medios de transporte y el diseño industrial. Era moderno y abarcaba todo. Se inspiró en la tradición y al mismo tiempo celebró la mecanización del mundo moderno. En muchas ocasiones profundamente nacionalista, se extendió como el fuego salvaje a lo largo del mundo, dominando los perfiles de ciudades como Nueva York o Shanghái.

Abrazó ambos movimientos: el de las artes decorativas y el de la producción industrial, creando tanto trabajos exclusivos de gran valor artístico como nuevos productos con materiales asequibles. El *Art Déco* reflejó la pluralidad del mundo contemporáneo. Al contrario que su coetáneo el funcionalismo, el modernismo respondió a las necesidades más humanas de placer y escape, celebrando lo efímero. El *Art Déco* triunfó creando un estilo de masas muy adaptable, dio libertad a la imaginación y celebró la fantasía del miedo y el deseo de la gente de todo el mundo.

Manifestaciones del Art Déco

• Pintura: Muy geométrica. Ejemplo: *Joven vestida de verde* (1930). Estilo de la mayoría de la gente.
• Diseño Gráfico: Cassandre. Uso de perspectiva y geometrización.
• Interiorismo: Râteau (francés).
• Mueblista: Ruhlmann. Temas clásicos.

Segunda Mitad del Siglo XX (1945-2000)

Streamlining y Styling (Años 40 y 50) en Estados Unidos

El diseño en Estados Unidos se caracterizó por:

• Profesionalización del diseñador.
• Grandes estudios. La industria acepta la figura del diseñador.
• Líneas aerodinámicas, formas redondeadas o de burbuja.
• Colores vivos y metalizados.
• Introducción de plásticos.
• Diseñador clave: Raymond Loewy.

El Diseño Industrial y la Productividad: De Ford a General Motors

A principios del siglo XX, en Estados Unidos, la cuestión de la productividad industrial era considerada como parte integrante del proceso productivo, entendido como un sistema de relaciones causales entre la organización científica del trabajo en la fábrica y la configuración formal del producto. Ford, quien estudió la relación entre la cadena de montaje en función del modelo Ford «T», antepuso la funcionalidad y la eficacia del producto en proveer el servicio para el que estaba pensado, a la belleza y la estética.

Asimismo, Ford combinó la producción en series largas de productos estandarizados con la línea de montaje, generando bienes de consumo de larga durabilidad, que permanecerían por períodos prolongados en el mercado. Ford estaba a favor de creaciones de productos que llegaran a ser modelos universales, apropiadamente estudiados y concebidos, y en contra de generar cambios superfluos con el fin de inducir a los consumidores a cambiar de automóvil cada año.

El modelo de producción fordista perdió cierta hegemonía luego de la crisis del ’30. Ya en los años ’20, General Motors, que buscaba incansablemente aumentar su productividad, ganaba mercado al producir modelos más atractivos, variados y costosos que resultaron preferidos por el público.

En Estados Unidos, luego de la crisis, la industria norteamericana comenzó a producir muchos modelos de poca duración (por ejemplo, en la producción de automóviles y electrodomésticos), y se empezó a privilegiar más los aspectos estéticos y formales que los funcionales. Es en este país donde la profesión de diseñador industrial se reconoció oficialmente por primera vez.

El Nacimiento del Styling

Así nació el movimiento *Styling*, modalidad del diseño industrial que buscaba generar productos visualmente atractivos, prestándole menor atención a la calidad y a la función y fomentando su obsolescencia artificial, de manera de generar mayores ventas y, por ende, mayor nivel de empleo.

La crisis de 1929 llevó a prestigiosos diseñadores industriales a colaborar en forma intensiva y pragmática con la industria y en estrecha vinculación con el *marketing* (disciplina que surge en ese período). El diseñador debía trabajar en armonía con la industria y se lo concebía capaz de agregar valor al producto a través de la estética, aunque seguía siendo un asesor externo a la empresa.

De esta manera, se pasó de una estrategia competitiva de precios a una de promoción del producto y surgieron los primeros pasos hacia la diferenciación de producto como instrumento fundamental de la competencia de las grandes empresas en los mercados, que tomaría más fuerza en la segunda posguerra.

Por el contrario, en la Alemania de principios de siglo se presentó un enfoque no sistemático del proceso de producción, que se identifica particularmente por la propensión a aislar la forma del producto, lo cual explica el debate posterior acerca del aspecto exterior de los objetos de uso (T. Maldonado, 1993). A principios del siglo XX, surgió una fuerte oposición a la ornamentación excesiva de los objetos, por considerar que esta generaba costos elevados y malgasto de recursos con el solo fin de que la clase alta ostentase riqueza mediante su adquisición.