El Impresionismo: Orígenes y Características

El Impresionismo, surgido alrededor de 1860, representó una ruptura drástica con la pintura académica tradicional. En la época, la pintura tradicional priorizaba el dibujo sobre el color, al que se consideraba engañoso.

Contexto y Rechazo Académico

Las academias de arte clasificaban la pintura en dos categorías:

• Pintura de primer orden: Temas históricos, religiosos, mitológicos, etc.
• Pintura de orden menor: Temas considerados inferiores y a menudo rechazados por las academias oficiales, como paisajes, bodegones o escenas de la vida cotidiana.

El Impresionismo, en contraste, priorizó la pincelada sobre el dibujo y se centró en temáticas naturales y escenas de la vida cotidiana, lo que provocó el rechazo de sus obras en los círculos académicos.

Principales Exponentes del Impresionismo

Los principales exponentes de este movimiento fueron Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Edgar Degas, Alfred Sisley, Camille Pissarro y, en algunas de sus obras, Édouard Manet.

Estos artistas, que se conocieron en las academias Suisse y Gleyre, no exponían en los salones oficiales. Finalmente, se unieron para formar una sociedad y exponer sus obras de manera conjunta.

En su primera exposición (1874), se presentó la obra Impresión, sol naciente de Monet, a la que fueron invitados los críticos de la época. La última exposición del grupo tuvo lugar en 1886.

Características Clave del Impresionismo

1. Pintura al aire libre (Plein Air): Representaban el paisaje en diferentes momentos del día, creando lo que se conoce como ‘series’. Claude Monet fue el gran maestro de esta técnica. Utilizaban colores artificiales que les permitían pintar con rapidez. El grupo solía reunirse en los bosques de Fontainebleau, un lugar ya frecuentado por los pintores de la Escuela de Barbizon.
2. Representación fidedigna: Buscaban capturar la realidad del paisaje de forma objetiva, casi como una fotografía, sin idealizaciones.
3. Pincelada suelta y pastosa: Caracterizada por trazos cortos, visibles y no precisos, que daban una textura particular a la obra.
4. Paleta prismática: Empleaban los colores del arcoíris, rechazando el uso de negros y pardos para las sombras, que se creaban con mezclas de colores complementarios.

Maestros del Impresionismo y su Legado

Édouard Manet: El Precursor Moderno

Édouard Manet nació en París en el seno de una familia burguesa; su padre era funcionario del Ministerio de Justicia. Desde su etapa escolar, Manet mostró un gran interés por el arte, aunque su familia no lo aprobaba inicialmente. Tras dos intentos fallidos de ingresar en la Escuela Naval, su familia finalmente accedió a que estudiara arte.

Cursó estudios en la Escuela de Bellas Artes de París y, durante su formación con Thomas Couture, copió obras de diversos géneros, centrándose en el Renacimiento y en maestros como Velázquez, Rubens y Tiziano.

Completó su formación viajando por Italia, Holanda, Alemania y Austria, donde continuó copiando a los grandes maestros. También visitó España, quedando impresionado por sus costumbres, el folclore y el mundo taurino. Frans Hals, Diego Velázquez y Francisco de Goya fueron las principales influencias en su arte.

Manet comenzó pintando temas de género como mendigos, pícaros, personajes de café y escenas taurinas españolas. Poco a poco, fue incorporando escenas de la vida parisina de la época.

Frecuentó la tertulia del Café Guerbois, donde se relacionó con Degas, Monet y Pissarro, iniciando así su conexión con el grupo impresionista. Sin embargo, Manet nunca participó en ninguna de las exposiciones del grupo y se negó a identificar su trabajo con este movimiento.

Obras Destacadas de Manet

Olympia (1863)

Se inspira en la Venus de Urbino de Tiziano, pero Manet sustituye a la diosa veneciana del amor y la belleza por una prostituta parisina, desnuda y recostada sobre un diván.

Características destacadas:

• Pintura plana: Para crear volumen, contrapone zonas claras con zonas oscuras.
• Influencia de la estampa japonesa: Se observa en la línea oscura que envuelve la figura.
• Contraste de luces y sombras.
• Mirada directa: La mujer mira directamente a los ojos del espectador, desafiando las convenciones.

Su Olympia resultó escandalosa para los críticos de la época, principalmente por representar a una prostituta de manera tan directa y sin idealización.

El Balcón

Se trata de una escena de la vida cotidiana, donde todos los personajes eran amigos cercanos de Manet:

• La mujer del paraguas: Fanny Klaus
• El señor: Antoine Guillemet
• La señora sentada: Berthe Morisot
• El personaje en el fondo: Léon Leenhoff

Sin embargo, los personajes están representados en una actitud fija, como perdidos en una ensoñación interior, sin ofrecer una narración o anécdota clara. Esta escena está inspirada en la obra de Goya Majas en el balcón.

La obra fue criticada por la falta de claridad en su temática.

El Pífano

El artista muestra a un joven instrumentista vestido con el uniforme de la Guardia Imperial.

Características principales:

• Influencia japonesa: Se aprecia en su bidimensionalidad y la simplificación de las formas.
• Fondo neutro: Toda la atención se centra en la figura central.
• Pincelada suelta: Utilizada en los elementos decorativos, contrastando con la figura principal.

Fue criticada tanto por el público como por la crítica debido a su aparente simpleza y falta de profundidad narrativa.

El Bar de Folies-Bergère

Esta obra representa un bar frecuentado por la alta burguesía parisina.

La protagonista, Suzon, es una camarera con la indumentaria característica del Folies-Bergère, cuya expresión denota una cierta melancolía o falta de emoción. En el fondo, un gran espejo refleja la multitud y la espalda de la camarera, creando una compleja perspectiva.

Claude Monet: El Padre del Impresionismo

Claude Monet nació en París, pero siendo muy pequeño se mudó a Le Havre, Normandía, un paisaje que el artista representaría una y otra vez en su obra.

Desde muy joven, destacó como caricaturista y comenzó a pintar con su amigo Eugène Boudin, quien le enseñó a Monet la técnica de la pintura al aire libre.

Monet se alistó en el ejército, pero al mismo tiempo asistió a la Académie Suisse, donde se practicaba el dibujo del natural. Fue allí donde comenzó a conocer a otros artistas impresionistas. Frecuentaba el Café Guerbois, un punto de encuentro clave para todos los impresionistas.

Estando en el ejército, solicitó ser trasladado a Argelia, admirando al pintor Delacroix y deseando pintar con esa misma luz. Allí enfermó y dejó el ejército. Fue entonces cuando conoció a Johan Barthold Jongkind, quien le enseñó a Monet a pintar un mismo paisaje en distintas horas del día, técnica que daría origen a sus famosas ‘series’. Con esto, buscaba demostrar cómo un paisaje podía variar totalmente bajo diferentes condiciones de luz.

Monet, junto a Renoir, Bazille y Pissarro, constituyó el núcleo del grupo impresionista. Monet era quien animaba a todos a pintar al aire libre, llevándolos a lugares como Fontainebleau, en las afueras de París. Dado que el ‘gran salón’ oficial rechazaba constantemente sus obras y las de su grupo, organizaron una exposición en 1874 en el estudio del fotógrafo Nadar, donde Monet presentó la obra Impresión, sol naciente.

Impresión, Sol Naciente

El paisaje representado es el puerto de Le Havre.

En esta obra se aprecian todas las características del Impresionismo:

• Utiliza colores artificiales, primarios y secundarios.
• La pincelada es muy suelta y no precisa.
• El cielo y el mar parecen fusionarse en una atmósfera vibrante.
• Es una obra de textura pastosa.
• Combina colores fríos con tonos más cálidos y anaranjados del cielo, y el reflejo del sol en el mar.

Cuando el crítico de arte Louis Leroy, que trabajaba en la revista Le Charivari, vio esta obra, le dio la sensación de ser un trabajo inacabado. Fue él quien, de forma despectiva, comenzó a llamar ‘impresionistas’ a este grupo de artistas. Finalmente, ellos adoptaron el nombre, a excepción de Degas, quien prefería ser llamado ‘Pintor Moderno’.

La Obsesión por la Luz: Las Series de Nenúfares

La obsesión de Monet fue siempre captar la luz, especialmente el reflejo del agua. Esto se evidencia en su famosa serie de pinturas Nenúfares. Su dedicación a capturar la luz era tal que la línea casi desaparece en estas obras, llegando a parecer composiciones abstractas.

Pierre-Auguste Renoir: La Alegría de Vivir

Pierre-Auguste Renoir nació en Limoges, pero su familia, de origen humilde, se trasladó a París cuando él era muy pequeño. Comenzó trabajando en una fábrica de porcelana, decorándolas, lo que le permitió adquirir una gran precisión en el uso del pincel y empezar a utilizar colores brillantes con tonos anacarados. Tras el cierre de la fábrica, trabajó decorando abanicos, reproduciendo obras de artistas rococó como Watteau o Boucher, cuya sensualidad influiría notablemente en su pintura.

Formación y Estilo

Se formó en la Académie Gleyre, una de las más modernas de la época, que ofrecía mayor libertad a los artistas y donde no se pintaban modelos al natural. Renoir estuvo muy influenciado por Monet; pintaron juntos en Fontainebleau y en La Grenouillère, consolidando así su estilo impresionista.

Características de su Pintura

• Utiliza una pincelada suelta, corta y pastosa.
• Emplea únicamente colores primarios y secundarios, desterrando el uso del negro.
• Busca captar la luz en el paisaje, lo que provoca que las formas se desdibujen progresivamente. La luz se convierte en el elemento unificador de la composición.
• Renoir era un hombre muy sociable, y sus cuadros reflejan su característica alegría de vivir.
• Sus protagonistas no pertenecen a la alta sociedad, sino a la clase popular: mujeres, costureras, etc.

Obras Emblemáticas de Renoir

Moulin de la Galette (1876)

Uno de sus cuadros más famosos es Bal du moulin de la Galette (1876).

Era un lugar donde la clase obrera se reunía para divertirse las tardes de los domingos. Muchos de los personajes representados eran amigos de Renoir, incluyendo a Jeanne y su hermana pequeña Estelle. El cuadro muestra una sociedad que se divierte y conversa al aire libre.

• Presenta una pincelada suelta.
• Representa tanto la luz natural como la artificial, proveniente de las lámparas.
• Muestra dos perspectivas: una frontal y otra cenital.
• La obra posee un notable movimiento y dinamismo.

En el fondo, lo que se aprecia son simples manchas de color, que sugieren la forma sin definirla.

El Desayuno de los Remeros

En esta obra se representa un merendero a orillas del río Sena. Entre los personajes, se encuentran la novia de Renoir, Aline Charigot; el pintor impresionista Gustave Caillebotte; y el señor del sombrero, Charles Ephrussi, quien dedicó un número de su revista a los impresionistas.

Evolución Posterior y Escultura

En 1881, Renoir viajó a Italia y quedó profundamente impresionado por las obras del Renacimiento, especialmente las de Rafael. A partir de este viaje, su estilo evolucionó hacia un clasicismo, con una pincelada más clara y precisa, y comenzó a representar figuras de mujeres desnudas con formas redondeadas. También incursionó en la escultura, al igual que Degas, Matisse o Gauguin. Renoir realizaba los bocetos, y Richard Guino los ejecutaba, razón por la cual muchos críticos no las consideran obras puramente suyas. Utilizaba materiales como arcilla y bronce, y algunas de sus esculturas estaban policromadas.

Camille Pissarro: El Decano del Grupo

Camille Pissarro nació en las Islas Vírgenes Danesas (Saint Thomas). Su padre era comerciante de origen hispano-judío. Estudió en París, en la Académie Suisse, y fue influenciado principalmente por los pintores Corot y Courbet.

Participó en todas las exposiciones impresionistas y, al ser el mayor del grupo, se le consideraba el más sereno. Cuando el grupo estuvo a punto de disolverse, fue él quien logró mantenerlos unidos.

Características de su Obra

• Representa paisajes con personajes campesinos.
• Su pincelada es más fluida que la de Monet, menos pastosa.
• Posteriormente, realizó paisajes urbanos, como la serie del Bulevar Montmartre.

Más tarde, se convirtió en un pintor puntillista, influenciado por Seurat. Durante esta etapa, no vendió ni un solo cuadro, lo que le llevó a abandonar el puntillismo y regresar al impresionismo.

También es conocido por su hijo, Lucien Pissarro, quien se dedicó al diseño gráfico.

Edgar Degas: El Observador de la Vida Moderna

Edgar Degas, perteneciente a la alta burguesía, abandonó sus estudios de derecho para dedicarse a la pintura.

Viajó a Italia entre 1858 y 1860, donde estudió la obra de los artistas renacentistas. Era un gran admirador de la pintura tradicional clásica y, sobre todo, de Ingres.

Participó en la mayoría de las exposiciones impresionistas; sin embargo, sus gustos eran más conservadores y tradicionales en su enfoque pictórico. A diferencia de otros impresionistas, Degas realizaba dibujos previos y prefería trabajar en su estudio. No le gustaba el término ‘impresionista’ y prefería ser llamado ‘independiente’. Su pintura no es tan pastosa como la de Monet, sino más diluida, y las formas no se difuminan con la atmósfera.

Hacia 1870, realizó retratos de su entorno familiar, pintando sobre todo a su hermana Thérèse. Estos retratos son muy académicos y tradicionales. Sin embargo, cuando representaba a la gente popular, su estilo cambiaba radicalmente, creando cuadros que denotan espontaneidad y frescura.

Obras Representativas de Degas

La Planchadora

En este cuadro se representa a una mujer en plena tarea de planchado, que se detiene un instante para mirar al pintor.

La obra muestra una gran frescura y modernidad, utilizando una pintura mucho más fluida que en sus retratos de la alta burguesía.

En este cuadro se puede observar el ‘pentimenti‘, que son los errores que el artista va corrigiendo en la obra y que no se molesta en ocultar, revelando el proceso creativo.

Características de su estilo:

• Es muy característico de Degas representar desnudos de mujeres acicalándose, que parecen no ser conscientes de que están siendo retratadas. El artista buscaba capturar la espontaneidad de momentos no posados.
• Su pintura a menudo presenta composiciones seccionadas, una clara influencia de la fotografía.
• Utiliza frecuentemente colores pastel.

Su obra no tuvo un éxito excesivo en su momento, ya que a los críticos no les agradaba la representación de mujeres en actitudes no posadas.

Fue, además, un notable escultor. En sus obras escultóricas representó, sobre todo, bailarinas, mujeres acicalándose y jinetes, a menudo en momentos previos a la carrera.

Aunque trabajó la escultura, nunca se consideró a sí mismo un escultor. Para él, la escultura era una herramienta para solucionar problemas de composición y forma que se presentaban en sus obras pictóricas.

Bailarina de 14 años

Esta fue la única obra escultórica que Degas presentó al público en vida.

Originalmente realizada en cera, posteriormente se fundió en bronce. El esqueleto de la bailarina estaba hecho con pinceles de madera, los mismos que Degas utilizaba para pintar. El cabello y el vestido son naturales, y lleva una cinta de seda en el cabello y zapatillas verdes, manteniendo una postura de baile.

Se expuso en una vitrina, lo que acentuaba su realismo.

No fue del agrado del público ni de sus compañeros, quienes la consideraron excesivamente realista. Debido a este fracaso, Degas no volvió a mostrar más esculturas al público.

Más Allá del Impresionismo: Movimientos y Figuras Clave

Puntillismo (Divisionismo o Neoimpresionismo)

El Puntillismo, también conocido como Divisionismo o Neoimpresionismo, es una corriente artística que surgió del Impresionismo. Su principal objetivo era recuperar la forma de los objetos, que a menudo se difuminaba en la pintura impresionista.

Características del Puntillismo

1. Separación de elementos: Descomposición de la luz, la sombra y el color local, evitando la interacción directa de los colores en la paleta. A pesar de ello, mantenían la ley del contraste.
2. Pincelada puntillista: Las pinceladas son toques separados o yuxtapuestos, nunca mezclados. Si los colores no combinan, se intercala un punto blanco. La pincelada adopta la forma de un punto, y es la percepción visual del espectador la que une y forma la imagen completa.
3. Proceso laborioso y objetividad: Era un trabajo muy laborioso que, en ocasiones, sacrificaba la espontaneidad y la expresión emocional en favor de la técnica.

Georges Seurat: El Maestro del Puntillismo

Georges Seurat, aunque inicialmente impresionista, se cansó de ese estilo. Además, realizaba bocetos en blanco y negro de sus obras, una práctica poco común en el movimiento impresionista.

La Isla de la Grande Jatte

Este lugar era una popular zona de recreo para la alta burguesía parisina. A pesar de parecer una representación idílica de la vida burguesa, la obra contiene elementos simbólicos ocultos:

• La mujer que pasea un mono con correa: La palabra ‘mona’ se utilizaba coloquialmente para referirse a las prostitutas. Es probable que esta señora sea la amante del hombre que la acompaña.
• Dos soldados: Posibles candidatos para contraer matrimonio con las dos ‘pescadoras’ representadas.

Características de la obra:

• Recupera la perspectiva lineal.
• Rigidez de las figuras representadas, casi estatuarias.
• Renuncia a la expresividad en favor de la perfección técnica y la objetividad.

Auguste Rodin: La Escultura Moderna

Auguste Rodin, un escultor que a menudo se asocia con el Impresionismo y el inicio de la escultura moderna, fue inicialmente incomprendido. Intentó ingresar en la École des Beaux-Arts (Escuela de Bellas Artes) para estudiar modelado con modelos, pero no fue admitido. Estudió con Albert-Ernest Carrier-Belleuse.

En 1875, viajó a Italia, donde fue profundamente influenciado por las obras de Donatello (siglo XV) y Miguel Ángel (siglo XVI).

Fue reconocido como artista en 1880, cuando el gobierno francés le encargó las puertas del Museo de Artes Decorativas de París (un proyecto que nunca se materializó). Trabajó durante 20 años en las monumentales Puertas del Infierno.

Su obra comenzó a ser ampliamente conocida a partir de la escultura La Edad de Bronce.

Es una escultura de bulto redondo que representa a un hombre desnudo. Su significado se asocia a la Guerra Franco-Prusiana, en la que Francia fue derrotada. La escultura evoca ese momento de derrota y vulnerabilidad.

Los críticos consideraron que la técnica era tan perfecta que pensaron que la obra era un vaciado directo de un modelo vivo, lo que generó una gran polémica. Para demostrar que la escultura había sido realizada mediante modelado, Rodin tuvo que presentar una fotografía del modelo.

Su obra maestra, Las Puertas del Infierno, marcó un hito.

Influencias y Reconocimiento

Influencias clave:

• La obra de Dante Alighieri, La Divina Comedia, y Las Flores del Mal de Charles Baudelaire.
• Lorenzo Ghiberti, escultor renacentista italiano, y sus puertas del Baptisterio de Florencia.
• En la escultura de El Pensador, se inspira en La Tumba de Lorenzo de Médici de Miguel Ángel.
• Manuscritos iluminados.

Las Puertas del Infierno contienen 186 figuras, la mayoría de ellas desnudas.

• Sobre el frontón, se encuentran tres figuras conocidas como ‘Las Tres Sombras‘, que representan el dolor de quienes descienden a los infiernos.
• En el tímpano, aparecen figuras en alto relieve como Paolo y Francesca, cuñados que se enamoran y son condenados al infierno. Esta imagen inspiraría su famosa escultura El Beso.
• En el tímpano, aparece Dante, representado como ‘El Pensador‘, contemplando su obra. Rodin reprodujo esta figura numerosas veces.

Características de Las Puertas del Infierno

1. Todas las figuras son de diferentes escalas, lo que refuerza la sensación de desorientación y caos.
2. Son figuras atormentadas que intentan escapar de su destino. La expresividad se manifiesta a través del pathos (dramatismo, tensión), una característica propia de Miguel Ángel.
3. Las puertas fueron fundidas en bronce tras su muerte, basándose en sus bocetos y modelos.
4. En su taller, Rodin contaba con numerosos discípulos y recibía múltiples encargos. Por ello, no todas las esculturas de las puertas o de otros encargos fueron realizadas íntegramente por él, sino que fueron ejecutadas por sus alumnos bajo su estricta supervisión.

Obras Monumentales de Rodin

La Edad de Bronce

Se trata de la representación de un hombre desnudo. Su significado se asocia a la Guerra Franco-Prusiana, en la que Francia fue derrotada. La escultura evoca ese momento de derrota y vulnerabilidad.

Los críticos consideraron que la técnica era tan perfecta que pensaron que la obra era un vaciado directo de un modelo vivo, lo que generó una gran polémica. Para demostrar que la escultura había sido realizada mediante modelado, Rodin tuvo que presentar una fotografía del modelo.

Balzac

Se considera que con esta obra comienza la escultura moderna.

Se trata de la representación de Honoré de Balzac, el célebre escritor francés. Esta escultura conmemorativa fue encargada por la Société des Gens de Lettres (Sociedad de Hombres de Letras).

Es considerada la primera escultura en convertirse en un retrato moderno, al ser una interpretación subjetiva del escritor.

Características destacadas:

1. Se centra en el rostro, buscando representar la fuerza y el carácter del escritor, marcando intensamente sus rasgos.
2. Presenta perfiles recortados y texturas rugosas.

La escultura no fue bien recibida; se la consideró fea y tosca. La sociedad que la encargó la rechazó, pero el gobierno francés la adquirió y mandó fundirla en bronce.

Los Burgueses de Calais

Esta obra representa un episodio de la Guerra de los Cien Años entre franceses e ingleses. Fue un encargo realizado por el alcalde de Calais.

Durante la Guerra de los Cien Años, la ciudad de Calais soportó un largo asedio inglés. Cuando la victoria británica era inminente, los ingleses exigieron a Calais la entrega de seis de sus ciudadanos más prominentes para perdonar al resto de la población. Su intención era humillarlos, pidiéndoles que se presentaran con una soga al cuello, descalzos y en harapos.

Rodin representó este momento de entrega y sacrificio, identificando a algunos de los seis personajes:

• El ideólogo y líder, Eustache de Saint Pierre, cuyo rostro irradia serenidad.
• Jean d’Aire, quien porta las llaves de la ciudad, un gesto simbólico de rendición.
• Cada personaje encarna el dolor de una manera única. El personaje de atrás, por ejemplo, muestra terror y desesperación. Con la representación de estos sentimientos, Rodin buscaba resaltar la heroicidad de estos hombres que entregaron sus vidas por sus conciudadanos.

Características de la escultura:

1. Escultura realizada en bronce.
2. Perfiles recortados y rugosos.
3. Anatomía desproporcionada: Rodin no busca el naturalismo, sino que su escultura se acerca al expresionismo, deformando la realidad para representar intensamente los sentimientos y las emociones.

Esta escultura fue muy bien recibida. El gobierno británico incluso encargó una réplica para el jardín del Parlamento.