1. Metodología de la crítica

• Biográfico (Vasari): Estudio de las obras de arte a través de las biografías de los artistas.
• Atribucionismo (Winckelmann): Enfocado en la antigüedad clásica, factores geográficos, climáticos o políticos. Se basa en identificar la cronología y la autoría de las obras artísticas.
• Positivista (Taine, Burckhardt): Relacionar la obra de arte con el contexto histórico y artístico que le ha tocado vivir.
• Formalista (Riegl, Wölfflin, Focillon): Se basa en el estudio formal de la obra de arte, describiendo lo que se ve.
• Iconológico (Aby Warburg, Panofsky, Gombrich, Wittkower): Interpretar simbólicamente una obra de arte mediante fuentes literarias de la época. Establece tres pasos:
  • Nivel preiconográfico: describir lo que estamos viendo.
  • Nivel iconográfico: relacionar la representación con su posible carácter simbólico.
  • Nivel iconológico: intentar demostrar el significado profundo de la obra.
• Psicológico (Huyghe): La obra de arte es un reflejo del carácter y del espíritu del artista.
• Sociológico (Hauser, Francastel): Tiene en cuenta los hechos económicos, sociales y culturales. Arte y sociedad están ligados.

2. El Neoclasicismo

Comienza en la segunda mitad del siglo XVIII. Persigue un espíritu de reforma y busca la pureza y la sencillez primitiva. El objetivo es alcanzar un mundo mejor regido por las leyes de la razón. El neoclasicismo va ligado a la idea de impersonalidad, frialdad y mera imitación del estilo grecorromano. La crítica del siglo XIX veía el neoclasicismo como lo opuesto al romanticismo.

Los teóricos y artistas del siglo XVIII consideraban su momento artístico como un renacimiento del arte clásico, el cual representaba la belleza y las verdades absolutas, ajeno a las modas. Nació también gracias a los descubrimientos de Herculano y Pompeya, ciudades romanas cubiertas por el Vesubio, lo que despertó un interés por lo antiguo y permitió al artista conocer mejor la antigüedad clásica.

Entre los teóricos de este momento existen dos tendencias: los que defienden la superioridad del arte griego (Winckelmann) y los que defienden el arte romano (Piranesi). Winckelmann fue el primero en realizar una historiografía del arte, estudiando la disciplina desde un punto de vista subjetivo.

Nuevos conceptos neoclásicos:

• Ideal: Mengs, pintor y teórico, fue el primero en utilizarlo; decía que lo ideal es aquello que uno ve no con los ojos, sino con la imaginación, suponiendo seleccionar las cosas más bellas de la naturaleza.
• Sentido y sensibilidad: Contemplan la forma en la que el arte llega a nuestro corazón instruyéndonos.
• Sublime: No se encuentra en los objetos, sino en las emociones; es una cualidad subjetiva que percibimos al contemplar la belleza más absoluta.
• Pintoresco: Término utilizado por Vasari, expresa la singularidad o rareza de algo. Está muy ligado a lo subjetivo.

3. Romanticismo

A finales del siglo XVIII y principios del XIX, los alemanes lo definían como “Sturm und Drang” (tempestad y empuje). Uno de sus máximos representantes fue el escritor, poeta y crítico Goethe.

Los teóricos del romanticismo valoran el carácter creativo y la independencia del genio del artista frente a cualquier regla. Es un movimiento de rechazo a los convencionalismos, haciendo especial hincapié en la subjetividad personal. En este periodo, los grandes teóricos del arte fueron artistas como Ingres y Delacroix.

La crítica francesa se resume en la idea del arte como creación más que como imitación. En 1824 nace la revista “Le Globe”, que defendía el romanticismo y la libertad absoluta del arte. Destaca Baudelaire, quien publicó “Curiosidades estéticas y arte romántico”, defendiendo la libertad del artista y su deber de representar un mundo imaginario. También destaca el crítico Albert Aurier, partidario del simbolismo.

En Inglaterra, el crítico más importante fue Ruskin. Su obra se caracteriza por la profundidad de su pensamiento y reivindica la importancia del elemento orgánico en el arte. Sus ideas rechazaban la imitación y fue el primero en asociar ética y belleza.

4. Comienzo de las artes aplicadas y las escuelas de arte en el siglo XIX

En el siglo XIX, una de las discusiones teóricas más significativas fue la superioridad de las artes aplicadas sobre las bellas artes. En 1851, la Exposición Universal en el Palacio de Cristal de Paxton mostró la superioridad de las artes decorativas, coincidiendo con las ideas de John Ruskin. El organizador, Henry Cole, estaba a favor del uso de la máquina y la producción industrial, idea rechazada por Ruskin.

Thomas Carlyle, en 1843, atacó la era industrial desde un punto de vista social y estético, argumentando que “el artista pierde con el uso de la máquina el goce creativo al distanciarse del objeto artístico que no fabrica”, concepto que denominó deshumanización del arte.

En la época victoriana aparecieron las primeras escuelas de diseño gracias a Henry Cole. Mientras que en las escuelas de arte se ocupaban de la imitación, en las escuelas de diseño el factor creativo estaba más presente, apostando por una alianza entre arte y fábrica.

Pautas de Cole y Redgrave:

• Adecuada exhibición comercial de lo que se producía en esas escuelas.
• Las escuelas debían ir paralelas a la creación de revistas.
• Era imprescindible la creación de museos, como el de las artes decorativas.

En la segunda mitad del siglo XIX destacan Semper, quien consideraba que el espíritu de la época se reflejaba a través de las técnicas y materiales, y William Morris, defensor del socialismo.

5. El Arts & Crafts

Su lema fue: “Convirtamos a los artistas en artesanos y a los artesanos en artistas”. Este movimiento pretendía crear sociedades que vivieran por gremios, al igual que en la época medieval, bajo una ideología socialista que favorecía la naturaleza.

Las revistas más importantes fueron “Hobby Horse” de Mackintosh (1884) y “Corte Modernista” de Aubrey Beardsley. “The Studio” informaba sobre las últimas novedades en artes aplicadas y diseño, tratando temas como el arte de vanguardia, la fotografía y el diseño para una clase media interesada en el buen gusto.

Textos de referencia

• Winckelmann, Historia del Arte en la Antigüedad (1764): «El sentido del arte tiene un fin elevado, en el cual poco influye la historia de los artistas…» (Atribucionismo, Neoclasicismo).
• Laugier, Ensayos sobre la Arquitectura (1753): «La arquitectura debe su mayor perfección a los griegos, nación privilegiada…» (Atribucionismo, Neoclasicismo).
• Lipovetsky, Modernismo y Posmodernismo: «Surgida en el curso del último decenio en la escena artística e intelectual, aunque no escapa del todo a un efecto de moda…» (Modernismo).
• L.H.O.O.Q (Marcel Duchamp): «El aire y el aroma (femeninos) están próximos a la temperatura del cuerpo…» (Vanguardias).
• Lipovetsky, Agotamiento de la vanguardia: «Manifestación artística del posmodernismo: la vanguardia ha llegado al final…» (Modernismo).
• Deutsche Werkbund, Programa: «El fin del Werkbund es el ennoblecimiento del trabajo productivo mediante la colaboración con el arte, la industria, el artesanado…» (Artes aplicadas).
• Itten, Sistema Itten: «El curso tiende a liberar las facultades creadoras del alumno, hacerle comprender los materiales de la naturaleza…» (Bauhaus).