La Generación del 98

La Generación del 98 es un término utilizado para referirse a un conjunto de escritores e intelectuales españoles, principalmente novelistas, ensayistas y poetas, que compartieron una profunda preocupación por la situación de España a finales del siglo XIX. Este grupo surgió en un contexto marcado por la crisis moral, política y social desencadenada por la derrota en la guerra hispano-estadounidense de 1898, que llevó a la pérdida de las últimas colonias españolas: Puerto Rico, Cuba y Filipinas. La literatura producida por estos autores refleja la evolución histórica llamada crisis de fin de siglo en España, cuando el país dejó de ser un imperio colonial y comenzó a enfocar su mirada hacia sus problemas internos.

Contexto Histórico y Social

El ambiente de la época estaba cargado de pesimismo respecto al futuro de España debido a la decadencia política y económica tras la pérdida de las colonias. Internamente, el país se encontraba bajo un sistema político de turnos entre partidos que mantenían el poder en manos de las élites, con conflictos sociales frecuentes entre los grandes propietarios y los sindicatos obreros. Además, había una crisis en la clase burguesa, reflejada en el movimiento modernista, que proponía un rechazo a los valores convencionales y buscaba nuevas formas de experiencia artística.

En este contexto, la Generación del 98 se distinguió por su oposición a la mentalidad burguesa y a la estética literaria del realismo, aunque compartían ciertos elementos del modernismo. Reaccionaron contra lo vulgar del realismo y, en algunos casos, adoptaron las temáticas del naturalismo (Baroja), la influencia del pensamiento filosófico alemán (Unamuno) y la nostalgia del romanticismo (Azorín).

La inclusión de autores ha sido debatida; aunque inicialmente se consideraban a poetas modernistas como Rubén Darío, las diferencias se hicieron evidentes: la Generación del 98 criticaba la situación de España, mientras que los modernistas priorizaban la renovación estética.

Miembros Principales

• Ángel Ganivet: Ensayista, precursor del movimiento.
• Miguel de Unamuno, Azorín, Pío Baroja y Ramiro de Maeztu: Principales representantes. Azorín, Baroja y Maeztu formaron el Grupo de los Tres y publicaron un manifiesto en 1901 proponiendo una regeneración de los valores e ideales de la sociedad española.
• Valle-Inclán y Antonio Machado: Incluidos, aunque encuentran más afinidad con el modernismo.
• Otros menos conocidos son Ciro Bayo, Manuel Bueno, Eugenio Noel y Aparicio.

Características Literarias y Temáticas

• Profundo pesimismo ante la situación histórica de España: Los autores del 98 muestran un profundo pesimismo frente a la situación de España tras la pérdida de las colonias, especialmente Cuba y Filipinas. Este pesimismo se extiende desde la ruina material hasta una crisis espiritual. Desde el punto de vista filosófico, se intensifica la relación con las corrientes irracionales europeas (Nietzsche, Schopenhauer, Kierkegaard) y otras formas del vitalismo (como la de Bergson). En este contexto surge un neorromanticismo similar al de los modernistas, donde predominan las preocupaciones sobre la vida (Unamuno, Azorín y Baroja).
• Tendencia hacia el idealismo: Combinan una tendencia idealista, simbolizada por su identificación con el carácter de Don Quijote, con una preocupación concreta por los problemas de su tiempo. Participaron en campañas políticas en su juventud; después de varios desengaños, adoptan una postura más contemplativa y escéptica hacia 1905, aunque siguen preocupados por España.
• Motivos temáticos: Dos temas principales: la inquietud religiosa y el dolor de España. Los escritores exploran inquietudes religiosas y el sentido de la vida desde un enfoque existencialista. Su patriotismo es intenso y se centra en Castilla. Inicialmente aspiraban a europeizar el país, pero a veces se convencían de españolizar Europa, reflejando su evolución y sus posturas ideológicas (el dolor de España).
• Subjetivismo: El análisis de la realidad se realiza con un enfoque subjetivo, donde los autores proyectan sus propias angustias y anhelos sobre la situación de España. Abordan los problemas del país desde la perspectiva de ideas y creencias, siguiendo el legado de Ganivet, quien marcó el camino hacia esta reflexión.
• Estilo sombrío y deseo de sencillez: Que contrasta con el modernismo, que tiene en la expresión recargada uno de sus pilares básicos. Se percibe una voluntad antirretórica que supone un exigente cuidado del estilo.
• Léxico: Gustan de utilizar arcaísmos y ciertos términos populares que consideran tradicionales. Pusieron en circulación un enorme caudal léxico que recogieron de los pueblos.

Géneros Predominantes

Los escritores del 98 se centraron en géneros como la novela y el ensayo, que consideraban adecuados para expresar sus preocupaciones sobre la situación de España.

Autores Clave y sus Obras

Pío Baroja

Pío Baroja se posiciona rápidamente frente al modernismo. En 1898 define el arte moderno como un impresionismo, buscando impresiones simples y sinceras. No obstante, su meta es alcanzar la naturalidad, lo que se refleja en su estilo conversacional y en la falta de un plan previo, ya que quiere que su novela se asemeje a la vida real. Propone una novela abierta y cambiante en la que quepa todo, pero que sea amena; para ello utiliza técnicas como capítulos breves, párrafos cortos, etc. La novela de Baroja también se ve influenciada por los folletines del siglo XIX, llenos de personajes, aventuras y episodios intrigantes. Su prosa es sencilla y directa, con un léxico común y sin adornos. En sus obras se nota la influencia de pensadores como Nietzsche, de quien toma la idea del hombre de acción, y Schopenhauer, cuyas ideas sobre la vida dolorosa y caótica le impactan profundamente. Para Baroja, la vida carece de sentido y está marcada por el azar, lo que lleva a una actitud de desapego, ya que cree que toda acción puede causar daño. Sus protagonistas son inadaptados que no encuentran solución en el amor o en la religión, a los que considera mentiras. Su pensamiento también refleja un fuerte anticlericalismo y rechazo hacia dogmas como el catolicismo. Su rasgo distintivo es el pesimismo existencial y la desconfianza en la humanidad y el futuro. Baroja escribió poesía, teatro y ensayo, pero su mayor éxito fue la narrativa. Publicó más de 70 novelas, divididas en 3 etapas:

• De 1900 hasta la Primera Guerra Mundial: Esta etapa incluye obras como Camino de perfección (1901) y El árbol de la ciencia (1911), así como la trilogía La lucha por la vida (1904-1905), dentro de la cual se encuentran La busca, Mala hierba y Aurora roja. Todas son obras importantes donde los personajes enfrentan un mundo hostil.
• 1918-1936: Destacan novelas como La sensualidad pervertida (1920) o El cura de Monleón (1936). Las más notables son las 22 novelas históricas reunidas en Memorias de un hombre de acción (1913-1935).
• 1939-1956: Tras la Guerra Civil, su capacidad creativa decae, aunque en esta época escribe sus memorias: Desde la última vuelta al camino (1944-1949).

Baroja es recordado como un gran maestro de la novela del siglo XX, conocido por su sencillez y cercanía en la escritura.

José Martínez Ruiz «Azorín»

El peso de Azorín (1873-1967) como ensayista ha hecho que algunos críticos subestimen su aportación a la novela. Sus novelas carecen de un hilo narrativo continuo y no desarrollan a sus personajes de manera lineal. Son una sucesión de estampas que muestran a sus personajes en los momentos más cruciales de su vida o de su acción. Son fotos fijas, cuadros elegidos conscientemente, pero no hay desarrollo ni evolución.

Su primera novela, La voluntad, se sitúa en Yecla, un pueblo representativo de la España estancada y en decadencia económica y demográfica. La perspectiva del protagonista, Antonio Azorín, ofrece de Yecla la visión de España. Esta obra establece los principios ideológicos de la Generación del 98. Posteriormente, Azorín escribió Antonio Azorín y Las confesiones de un pequeño filósofo.

El libro Castilla (1912) es considerado la obra más representativa de Azorín. Los artículos o cuadros, como los llama el autor, giran en torno a tres temas centrales: la historia crítica de España, la preocupación por el paso del tiempo y la literatura como un reflejo de la vida. Estos elementos hacen de Castilla su obra más importante junto con La voluntad.

Su estilo es particular y ha influido en escritores posteriores. Él creía que el verdadero arte consistía en captar la esencia de la vida a través de los detalles cotidianos, aquellos que suelen pasar desapercibidos. Sus descripciones tienen un enfoque artístico y buscan transmitir una realidad espiritual íntima, con emoción y lirismo. Sus escritos destacan por la sencillez, claridad y precisión, empleando un léxico rico en neologismos y palabras arcaicas tomadas de la literatura clásica española que le apasionaba.

Miguel de Unamuno

Miguel de Unamuno (1864-1936), nacido en Bilbao y catedrático de griego, fue un destacado ensayista y pensador cuya obra refleja una constante búsqueda existencial y filosófica. Marcado por la duda y la angustia religiosa, intentó reconciliar la fe de su infancia con la razón, enfrentando el problema de la inmortalidad. Su obra literaria y filosófica, difíciles de separar, se centra en la problemática interior y trata esencialmente de la introspección y la autoconfesión.

Unamuno acuñó el término «nivola» para sus novelas, destacando su diferencia con la narrativa realista al rechazar estructuras rígidas, descripciones detalladas y preparaciones previas. En Niebla (1914), un claro ejemplo de esta técnica, el protagonista, Augusto Pérez, busca su identidad tras la muerte de su madre. El relato explora su lucha existencial y culmina en un célebre encuentro con el propio Unamuno, donde el autor, convertido en personaje, revela a Augusto que es solo un ser ficticio. Esto plantea la pregunta de qué es más real: el creador o lo creado, vinculándolo con el dilema religioso de Unamuno sobre si el hombre crea a Dios o es creado por él.

En sus novelas, Unamuno aborda temas recurrentes como la muerte, el deseo de poder, la afirmación personal y la lucha contra el instinto. Distinguía entre novelas «ovíparas», como Paz en la guerra (1897), creadas con una técnica realista, y «vivíparas», que reflejan la vida de manera más directa y dinámica. La mayoría de sus obras posteriores, como Amor y pedagogía y La tía Tula, donde se exploran temas de maternidad y control, pertenecen a esta segunda categoría. En Abel Sánchez, aborda el tema de la envidia trágica como fuerza destructiva, mientras que en San Manuel Bueno, mártir, narra la historia de un cura que, pese a haber perdido la fe, continúa ejerciendo su ministerio por el bien de su comunidad. Esta obra es considerada una pequeña obra maestra y el testamento espiritual de Unamuno.

Los ensayos de Unamuno, fundamentales para la filosofía española en lengua castellana, abarcan dos áreas principales: los históricos y los religiosos. En los primeros, como En torno al casticismo y Vida de don Quijote y Sancho, reflexiona sobre la esencia de España y la «intrahistoria», es decir, la vida cotidiana de la gente común, que considera el verdadero pulso de la historia. En sus ensayos religiosos, como Del sentimiento trágico de la vida y La agonía del cristianismo, explora la angustia existencial y la búsqueda de sentido, centrándose en el deseo de inmortalidad como motor del ser humano.

Antonio Machado

Antonio Machado es uno de los poetas más representativos del Modernismo y de la Generación del 98. Aunque su primera obra, Soledades, galerías y otros poemas (1907), está influenciada por el Modernismo intimista, su evolución lo acerca más al 98, especialmente a través de la radicalización de sus ideas políticas y sociales, lo que se refleja en su obra posterior, como en Poesías de la guerra. La crítica ha observado que la poesía de Machado presenta elementos de simbolismo, impresionismo, gongorismo, japonesismo (con haikús) y hasta influencias de las vanguardias, lo que hace que su obra sea única. Su poesía se caracteriza por un profundo escepticismo, angustia y un interés filosófico, tocando temas existenciales y espirituales.

Etapas de su obra:

1. Primera etapa (hasta 1907): Representada por Soledades, Galerías y otros poemas (1907). Esta obra es claramente modernista, con un tono melancólico y doliente, en la que predominan los temas del amor, el paso del tiempo, la infancia perdida y los sueños. Machado explora a través de símbolos recurrentes, como el camino, el espejo, el mar, el jardín o el crepúsculo, el misterio de lo oculto y la reflexión sobre el alma humana. La poesía de esta etapa se caracteriza por una introspección profunda, buscando los universales del sentimiento. En la edición de 1907, se suprimen los poemas más modernistas y se incluyen otros nuevos que acentúan la reflexión intimista sobre el recuerdo, el sueño y la memoria, con una creciente angustia por el paso del tiempo y la muerte. A esta obra también se le otorga un cierto tono filosófico, especialmente en la meditación sobre la ausencia de Dios, de forma similar al pensamiento unamuniano.
2. Segunda etapa (1907-1919): Representada por Campos de Castilla (1912, con versión definitiva en 1917). Esta etapa refleja tanto eventos personales importantes (como la muerte de su esposa Leonor) como un contexto social más amplio. En esta obra, Machado expresa su preocupación por España, en especial por Castilla, que se convierte en símbolo de la situación del país. Los poemas evocan el paisaje castellano, describiendo su presente gris y monótono a través de meditaciones que comparan su esplendor pasado con su decadencia actual. Esta reflexión crítica se alinea con la ideología regeneracionista, y Machado lamenta el empobrecimiento y la despoblación de Castilla. En Campos de Castilla aparecen poemas descriptivos y existenciales, como «A un olmo seco», y otros que abordan inquietudes religiosas y filosóficas, como los Proverbios y cantares, que consisten en breves reflexiones líricas o filosóficas. También destaca el romance «La tierra de Alvargonzález», que aborda la envidia y el conflicto en una tierra estancada y miserable. El lenguaje de esta etapa es austero, sencillo y, a menudo, irónico.
3. Tercera etapa (1919-1939): Esta etapa incluye las obras de Machado escritas en Baeza y su etapa segoviana. Destacan Nuevas Canciones (1924), una obra breve en la que predomina una mayor reflexión filosófica. En este periodo, Machado aborda la temporalidad y la esencia de la vida, reflejando un tono más sentencioso y meditativo. Esta fase también incluye los Proverbios y cantares nuevos, que continúan con su exploración filosófica a través de sentencias y pensamientos profundos. Las últimas obras líricas de Machado incluyen Canciones a Guiomar (dedicadas a su musa de madurez, Pilar Valderrama), De un cancionero apócrifo y Poesías de guerra, que incluyen una elegía a Federico García Lorca. Estos trabajos finales muestran una reflexión madura y filosófica sobre la vida, la muerte y la guerra.

Temas principales de su poesía:

1. El tema del tiempo: Para Machado, la poesía es un «diálogo con su tiempo». El paso del tiempo se expresa en la obra a través de varios símbolos, como la mañana (esperanza o nacimiento), la tarde (madurez), y la noche (muerte). Dos símbolos importantes en su obra son el reloj, que representa el tiempo objetivo, y el agua, que simboliza la fugacidad de la vida. La fuente representa el nacimiento, el río la vida que avanza y el mar la muerte.
2. El tema del sueño: Machado considera que el sueño es una forma de conocimiento esencial. A través del sueño, el poeta busca la realidad, aunque también expresa la angustia de la nada. La noción de Dios, a través del sueño, es uno de los aspectos trascendentales de su obra, mostrando su búsqueda de respuestas a las grandes preguntas existenciales.
3. El tema del amor: Para Machado, el amor verdadero solo se alcanza a través del recuerdo. A lo largo de su poesía, la figura de la amada es una creación del poeta, y la verdadera pasión solo surge cuando ella se ha perdido. Este amor, entonces, se convierte en una creación poética de la memoria, algo que nunca morirá.
4. El tema religioso: La relación entre el hombre y Dios es central en la poesía de Machado. Hasta la muerte de su esposa Leonor (1915), su poesía refleja un grito de desesperación ante la ausencia de respuestas divinas. A partir de 1915, la meditación sobre Dios y la existencia se intensifica, sin que Machado niegue por completo la existencia de Dios, pero sí mostrando una relación más filosófica y reflexiva.

Métrica:

Machado prefería formas sencillas y sobrias en su poesía. Aunque en su juventud utilizó las formas métricas modernistas, en la madurez optó por una mayor sobriedad. Un tipo de estrofa típicamente machadiana es la silva-romance, una combinación de versos heptasílabos y endecasílabos con rima asonante, que le permite expresar la temporalidad y la fugacidad del tiempo, con un ritmo que puede ser tanto rápido como melancólico.

En resumen, Antonio Machado es un poeta que, a través de una obra profunda y variada, aborda los temas universales del tiempo, la muerte, el amor y la relación con lo divino. Su poesía es una reflexión constante sobre la existencia humana, marcada por una sensibilidad melancólica y una búsqueda filosófica.

El Novecentismo o Generación del 14

Definición y Rasgos Distintivos

A partir de 1914, Europa entra en una nueva etapa debido a la Primera Guerra Mundial, y España también sufre profundos cambios a partir de esa fecha: la crisis de 1917, la dictadura de Primo de Rivera (1923-1930), la Segunda República (1931) y la Guerra Civil (1936-1939).

En España, esta etapa significa el relevo de los modernistas y noventayochistas. Nuevas orientaciones ideológicas y estéticas dominan el panorama artístico. Son los años en que se supera el Modernismo, un proceso que Pedro Salinas sintetizó con la frase «del cisne al búho», es decir, de la exquisitez sensorial de la poesía modernista, se pasa a una literatura más reflexiva y más “intelectual”.

El Novecentismo es un movimiento renovador que busca crear un arte intelectual y racional, libre de todo sentimentalismo romántico, del exceso de halagos modernistas y de la subjetividad irracionalista de los noventayochistas. Surge alrededor de 1910, cuando un grupo de jóvenes intelectuales manifiestan su rechazo hacia el tono visceral y subjetivo de sus mayores y hacia el arte del siglo XIX. Son intelectuales liberales, principalmente ensayistas, que desean modernizar la sociedad y acercarla a Europa. A este grupo se les llama también Generación del 14 porque sus miembros alcanzan la madurez en torno a la Primera Guerra Mundial. El auge del Novecentismo se da en la década de 1920 y comienza a declinar en 1930, cuando las circunstancias históricas exigen una actitud más comprometida.

Los rasgos generales que caracterizan al grupo son los siguientes:

• Todos tienen una formación intelectual rigurosa (son universitarios), muy alejada del autodidactismo noventayochista o de la bohemia modernista.
• Se conciben a sí mismos como una referencia intelectual nacional para la modernización del país, desde su condición de escritores, pensadores o científicos (y en algunos casos, como Azaña, desde los más altos cargos políticos).
• Sienten una gran preocupación por la ciencia y la educación como factores determinantes para transformar un país.
• Son europeizantes, ya que propugnan la modernización intelectual del país y su vinculación a la cultura europea.
• Promueven el cultivo sereno y racional de la inteligencia y la cultura.
• Se consideran una élite, una minoría unida en tareas intelectuales, científicas y artísticas.

En cuanto a las características del arte novecentista, podemos destacar las siguientes:

• Se rechazan las estéticas decimonónicas. Buscan limitar y depurar lo patético y lo sentimental (el subjetivismo romántico), así como el pretendido objetivismo realista-naturalista (que hace que la obra de arte dependa demasiado de la realidad). También repudian los excesos sensoriales del Modernismo y la conciencia irracionalista de los noventayochistas.
• Se propone una estética basada en la inteligencia: lo intelectual frente a lo sentimental. La obra se construye desde la inteligencia y para la inteligencia. Por ello, es un arte intelectual, y, como tal, un arte para minorías. La inteligencia produce un arte puro, alejado de la subjetividad y de la realidad: la obra debe ser autosuficiente, debe sustentarse en el placer estético inherente a su propia condición de obra estética. La vida y el arte deben mantener una cierta distancia. Se tiende a la deshumanización del arte. Las vanguardias extremarán estos principios.
• El arte es sereno, equilibrado y clásico, ya que la inteligencia predomina sobre la emoción, el sentimentalismo y la irracionalidad. La obra bien hecha es fruto de un trabajo esmerado, con una pulcritud intelectual que sistematiza, regula y disciplina la genialidad, controlando la libre inspiración.
• El estilo es, por lo tanto, más formal, frío, pulcro y racional, pero menos emocional y lírico, ya que el autor se distancia de la obra. Se intenta combinar la musicalidad del Modernismo, aunque atenuada, con la profundidad reflexiva del 98. Se cuida el lenguaje, que se depura, pero al mismo tiempo se enriquece con un léxico selecto y variado, utilizando una gran diversidad de recursos expresivos, especialmente la metáfora.
• Se acentúa el tema de la identidad. El individualismo romántico ahora se desdobla (con heterónimos), se intelectualiza (en personajes-ideas contrapuestos) o se despersonaliza (por medio de animalizaciones o cosificaciones). La realidad se deshumaniza, y pierde su pretendido objetivismo y unicidad; se percibe desde un “perspectivismo” múltiple, o incluso se convierte en lírica en sí misma (y no en la conciencia que la percibe, como ocurría en los noventayochistas), o bien se deshace para recomponerse incoherentemente, creando así una nueva realidad (como en el collage). El problema de la identidad también afecta a la concepción del arte y de los géneros literarios. Además, influye en la identidad de las naciones (como en el caso de España) o de los imperios.
• El tema de España se aborda desde una perspectiva racional, serena, incluso distante. Ya no hay lugar para los lamentos, sino que se propone un vitalismo estético y ético, casi jovial, para rehacer la historia de España desde una comprensión racional (de ahí su interés por la historia). España debe europeizarse, porque forma parte de la cultura europea; por eso, se dejan de lado los localismos, el casticismo y el ruralismo del 98, y se busca la modernidad urbana. Se considera necesario que una minoría formada se encargue de guiar y elevar la vida y el espíritu de las mayorías. Por ello, los novecentistas intervienen activamente en la prensa, en las instituciones educativas, culturales y científicas, y en la política.

El ideal literario novecentista de la «obra bien hecha» se concreta en una literatura depurada tanto en forma como en contenido, contraria al exaltado sentimentalismo. Los novecentistas favorecen la penetración de las vanguardias debido a su defensa de un arte deshumanizado e intelectual. El género más cultivado es el ensayo, que se convierte en vehículo de sus ideas, extendiéndose a otros géneros (por ejemplo, la novela se vuelve más ensayística, como en Belarmino y Apolonio, de Ramón Pérez de Ayala).

La Prosa Novecentista: Novela y Ensayo

El Novecentismo es un movimiento que surge alrededor de 1910 con la intención de crear un arte intelectual y racional, alejado del sentimentalismo romántico, el exceso de halagos modernistas y la subjetividad irracional de los noventayochistas. Este movimiento está marcado por un rechazo hacia el arte del siglo XIX y la literatura visceral de sus predecesores.

Los narradores novecentistas abandonan la novela realista y experimentan con nuevos recursos narrativos. Se busca renovar el género con una concepción distinta de la novela, y durante este periodo conviven dos tendencias: los narradores tradicionales, como Concha Espina (con obras como La esfinge maragata, 1914) y Ricardo León (con Casta de hidalgos, 1908), y los narradores renovadores como Wenceslao Fernández Flórez, Benjamín Jarnés, y especialmente, Pérez de Ayala y Gabriel Miró.

Características de la Narrativa Novecentista

• La fusión de lo narrativo y lo ensayístico: Los novecentistas supeditan la acción a la reflexión, alcanzando un mayor nivel de intelectualismo.
• Elementos internos lingüísticos y estructurales: La narración no depende de lo argumental ni lo sentimental, sino de la construcción interna de la obra.
• El perspectivismo: Reemplaza el punto de vista único y omnisciente del narrador realista, favoreciendo puntos de vista diversos.
• Originalidad e ingenio: A veces, este enfoque puede llegar hasta el absurdo.
• Preferencia por la vida urbana y moderna: Reflejan la modernidad de las ciudades frente al mundo rural.
• Estilo moroso y reflexivo: La narración se caracteriza por la lentitud, la digresión y la subordinación de frases, reflejando el proceso del pensamiento abstracto.

La publicación en 1925 de Ideas sobre la novela de Ortega y Gasset se convierte en un diagnóstico y nuevo referente para la narrativa novecentista, que explora diversas formas de abordar la novela: humorismo, deshumanización experimental, intelectualismo y lirismo.

Novelistas Destacados

• Ramón Pérez de Ayala (1880-1962): Es uno de los principales representantes del movimiento. Su obra experimenta con la estructura narrativa y el punto de vista, desarrollando un estilo intelectual y rico, que combina lo popular y lo culto. Su obra se divide en tres etapas:
  • Novelas autobiográficas: Como Tinieblas en las cumbres (1907), donde refleja la crisis de conciencia propia de los noventayochistas.
  • Novelas poemáticas sobre la vida española: Como Prometeo (1916), en las que las ideas sociales críticas toman protagonismo.
  • Novelas de temas universales: Como Belarmino y Apolonio (1921), que exploran temas como el amor, la honra y el lenguaje desde una perspectiva reflexiva.
• Wenceslao Fernández Flórez: Conocido por su novela humorística y crítica social, con su obra más destacada siendo El bosque animado.
• Benjamín Jarnés: Crea la llamada novela deshumanizada, con un argumento mínimo y un enfoque centrado en la reflexión, destacando obras como El profesor inútil y Locura y muerte de Nadie.
• Gabriel Miró: Sobresale por su novela lírica, caracterizada por una prosa rica en sensaciones y descripciones de ambientes y paisajes, especialmente de su tierra alicantina. Obras como Las cerezas del cementerio y El obispo leproso muestran su habilidad para captar sensaciones a través de un estilo refinado y depurado.

El Ensayo Novecentista

En cuanto al ensayo novecentista, se destaca por su tono reflexivo, objetivo y una clara preferencia por la racionalidad, muy alejada del subjetivismo emocional de los noventayochistas. El lenguaje es sencillo y equilibrado, pero con un uso enriquecido de metáforas. Los ensayistas novecentistas abordan temas como la crítica a la situación de España, desde una perspectiva racional y europeísta, y reflexiones sobre el arte y la estética en un contexto de vanguardias.

José Ortega y Gasset es el principal ensayista del Novecentismo, influyendo de manera profunda en el pensamiento de la época. Otros importantes ensayistas de este movimiento son Eugenio D’Ors, quien acuñó el término «novecentismo», y figuras como Gregorio Marañón, Manuel Azaña, Américo Castro, Sánchez Albornoz, Salvador de Madariaga y Menéndez Pidal. D’Ors, además de su obra ensayística, fue un destacado periodista que promovió las nuevas corrientes intelectuales.

José Ortega y Gasset

José Ortega y Gasset (1883-1955) es el principal referente del Novecentismo, llegando a ser considerado el líder de una generación que se ha denominado la «generación de Ortega». Su pensamiento filosófico, conocido como raciovitalismo, combina racionalismo y vitalismo. Entre sus obras más importantes se destacan Meditaciones del Quijote (1914), El tema de nuestro tiempo (1923) y los volúmenes de El espectador (1916-1934). Sin embargo, es en sus ensayos sobre España y la estética donde deja un impacto más profundo.

1. Sobre el tema de España: En España invertebrada (1921), Ortega propone un “proyecto sugestivo de vida en común” para superar la división interna de España. Critica los separatismos, los particularismos de clase y la ingobernabilidad de las masas. Esta idea será más desarrollada en La rebelión de las masas (1930), donde argumenta que España sufre de una falta de cohesión social y política, debido a la ausencia de una élite capaz de guiar a la sociedad.
2. Sobre estética: En Ideas sobre la novela (1925), Ortega afirma que la novela realista ha agotado sus temas y que debe ser deshumanizada. Propone un tipo de novela que deje de centrarse en la trama y explore en su lugar aspectos como la atmósfera, lo intelectual y la estructura. En La deshumanización del arte (1925), Ortega describe un arte nuevo, alejado de la realidad humana y centrado en lo formal e intelectual. Este arte es impopular, minoritario, y tiene una cualidad lúdica y desafiante, similar al deporte o al juego.

El estilo de Ortega es elegante y rítmico, con una clara voluntad de expresión, utilizando metáforas y símiles para ilustrar sus ideas. Además, introduce neologismos y emplea cultismos, creando un lenguaje único para expresar su filosofía.