La Pintura en la Segunda Mitad del Siglo XIX

1. El Realismo en la Pintura del Siglo XIX

El movimiento que surgió en la literatura y artes plásticas entre 1840 y 1880 recibe el nombre de “Realismo”.

• Este estilo no pretende ofrecer una visión mimética de la realidad de las cosas. Más bien al contrario, en algunos casos artistas como Daumier deformarán el mundo con objeto de ofrecernos una realidad más “esencial” que la percibida superficialmente por nuestros ojos.
• Por ello, el Realismo es un movimiento que exige un cierto compromiso social y político por parte del artista, y no un estilo uniforme bajo el que puedan agruparse las imágenes producidas.
• Se trata de una corriente plural desde el punto de vista formal, que va desde la imagen testimonial de Courbet hasta la caricatura crítica de Daumier, pasando por los descubrimientos empíricos de la luz que afectan particularmente a la representación del paisaje.
• El desarrollo del Realismo corre parejo al de la fotografía, y es obvia la influencia que esta última ejerce en la pintura. La influencia de la fotografía afectó al concepto de lo que entonces se entendía por “realidad”, pues más que desafiar al pintor con las habilidades reproductivas de la máquina, le enseñó a ver las cosas con una mirada moderna (la pintura aprendió de la fotografía los nuevos encuadres que acabarían con la artificialidad de los gestos y de las composiciones académicas).
• El Realismo es el resultado directo del Romanticismo y, al mismo tiempo, una reacción contra él.
• Tomó del Romanticismo su interés por la observación directa del natural al mismo tiempo que rechazaba la visión subjetiva del genio romántico, demasiado preocupado y ensimismado en un mundo de fantasías.

Características Temáticas y Contexto Social

• Caen en desuso los temas literarios y las historias del pasado, que se sustituyen por temas de actualidad: el reemplazo son los trabajadores de campo y la ciudad (indigentes).
• Los pintores se dividen entre aquellos que, siguiendo la moda del costumbrismo, incluyeron escenas de la vida cotidiana en sus cuadros, y aquellos que estaban más comprometidos con la realidad social.
• Las imágenes de Courbet, Daumier y Millet iban cargadas de una ideología poco grata al poder (el Realismo va unido a los movimientos sociales del siglo).
• El pensamiento de fondo es el naciente socialismo utópico y marxista, y como contexto, la tercera oleada revolucionaria del siglo XIX, la de 1848.
• En febrero de 1848, el pueblo de París luchó por el primer sufragio universal masculino en Europa que llevaría a la instauración de la Segunda República con Luis Bonaparte (cambios operados en la visión del pintor y en la pintura).

Ambos artistas muestran sucesos de la actualidad, pero mientras que Delacroix combina la alegoría con la documentación periodística, Meissonier prescinde del lenguaje de los símbolos y de la retórica del heroísmo para ofrecernos un espectáculo brutal del que él mismo fue testigo.

Gustave Courbet (1819-1877)

• El realismo de Courbet nada tiene que ver con la ilustración exacta de los detalles ni con el contenido dramático de las escenas; su particular realismo se materializa mediante una visión objetiva, fotográfica y cruda de la realidad.
• Planteamiento: la pintura estaba sometida a reglas extraordinariamente rígidas por la crítica oficial: los temas, las actitudes, las composiciones e incluso el tamaño de los cuadros debían ajustarse a estos criterios.
• Courbet y otros realistas defenderán una pintura sin argumento, una simple captación de la realidad, en la que lo fundamental es la forma en que se representa la imagen y no su desarrollo narrativo.

Obras Clave de Courbet

• Con su obra “Un entierro en Ornans”, Courbet se propuso trasladar una instantánea de la realidad rural al Salón parisino, cuyo público, sofisticado y urbano, no estaba acostumbrado a confrontar tales imágenes.
• Los retratados parecen representar el espíritu de la clase burguesa con todos sus agobiantes valores morales e ideológicos. Courbet se libra aquí de la retórica romántica y deja que su ojo se comporte como el de un fotógrafo.
• Así, observa al mundo con el distanciamiento propio del objetivo de una cámara: es testigo de la acción sin intervenir en ella, dejando que las acciones y los actos de los personajes hablen por sí mismos.
• Era esta falta de intervención en la realidad por parte del pintor lo que provocó el rechazo de una obra realista (“Los picapedreros”, composición que no está académicamente estudiada y el cuadro se convierte en un manifiesto político-visual que denuncia las condiciones deplorables de estos trabajadores anónimos y reales).
• El distanciamiento nos permite ser testigos imparciales: vemos lo que hay y cómo se muestra sin mediaciones.
• Copiar del natural no basta; hay que copiar el mundo tal cual se muestra, sin recomponerlo antes a modo de escenario (John Brett, 1830-1902).
• Partidario de la revolución total y, ante todo, realista, amante sincero de la auténtica verdad.
• Una de las preocupaciones de Courbet fue dar una utilidad social a la pintura.
• Courbet, al deshacerse del “tema”, deja vía libre a la representación moderna; la pintura no se ocupará ni de las personas ni de los objetos, sino de ella misma, es decir, de investigar sus propios medios lingüísticos.
• La pintura empieza a sostenerse por sí misma, mediante mecanismos que Courbet explora en el aspecto matérico (utiliza la espátula para aplicar el color que se adhiere a la tela ante el horror de los académicos, acostumbrados a la línea y a los acabados perfectos).

Jean-François Millet (1814-1875)

Con sus cuadros «El sembrador», «Las espigadoras», etc., reivindica al campesino, aunque su visión es un tanto lírica. Muestra gran sencillez y calma, quizás resignación. Un espíritu de fraternidad humana inspira sus temas, se aleja del efectismo y la teatralidad de los románticos. Su técnica está plagada de luces y sombras envolventes.

Honoré Daumier (1808-1879)

Se forma como ilustrador gráfico y se dedica a realizar grabados y litografías satíricas y caricaturas que critican mordazmente la hipocresía de la monarquía de Luis Felipe y sus instituciones. Daumier utiliza una pincelada enérgica y sumaria que da la sensación de abocetamiento. Sus temas reflejan el compromiso con las clases más humildes y también el mundo de la marginación y los gestos reivindicativos.

Édouard Manet (1832-1883): Transición a la Modernidad

Édouard Manet es quien concluye las directrices que Courbet encaminó hacia una pintura nueva. La pincelada larga, fluida y plana, la primacía del dibujo y el color sobre el asunto que representa y su distanciamiento con respecto a este, suponen un cambio sustancial en el concepto de qué es la pintura y en qué consiste pintar.

Al comparar su obra “Concierto en las Tullerías” con el “Estudio del Pintor” de Courbet veremos inmediatamente las diferencias. Al igual que Courbet, también Manet ha introducido su retrato junto a otros retratos de célebres personajes relacionados con su vida. Pero a diferencia de Courbet, Manet inserta estas figuras en su propio ambiente, no las desplaza al interior del taller del artista. Manet no solo actúa como fotógrafo, sino que también invierte las relaciones entre el pintor y el motivo u objeto que representa.

Con Manet, es el motivo el que se coloca delante del pintor, y no este quien se sitúa ante el motivo (ordenación y selección previa del material, así como un punto de vista exclusivo que exige al espectador identificarse con el ojo del pintor y mirar desde su posición).

“El Concierto en las Tullerías”

• Nuestra mirada deambula.
• La composición permite que el espectador no sea totalmente estático y que no sienta la necesidad de contemplar el cuadro de frente y desde el centro.
• La luz al aire libre, clara y vibrante, afecta al contorno de las cosas representadas con una técnica tan abocetada que en algunas partes podemos ver incluso el lienzo vivo.
• Esta ausencia de pigmento comienza a cobrar un valor lingüístico y llegará a ser parte intrínseca de la nueva pintura que jugará con los efectos lumínicos que el ojo capta en los espacios vacíos.
• La obra de Manet es un brillante exponente de la compleja evolución que sufre la pintura en este siglo.
• En los años 60 se independiza y comienza sus propias investigaciones, dando lugar a un estilo propio, en continua evolución del realismo al impresionismo.

Diferencias de Manet con el Impresionismo

• No emplea pincelada yuxtapuesta o dividida.
• Emplea el negro, sobre todo en su primera etapa (es un color desterrado del impresionismo).
• Gran protagonismo de la figura humana en sus temas.
• Se negó a participar en las exposiciones impresionistas, porque quería triunfar en el salón oficial.
• Realiza pintura de interiores, en el estudio.

Los artistas que más le influyen son: los pintores venecianos del siglo XVI, los holandeses del XVII, sobre todo Velázquez y Goya. Siempre estuvo enamorado del folclore y las tradiciones españolas.

Se empieza a acercar más al impresionismo, tanto por la temática como por la técnica. Obras: Monet en su taller flotante, El Ferrocarril, El Bar de Folies Bergère…

“Déjeuner sur l’Herbe” (Almuerzo sobre la hierba)

En 1863, Manet sorprendió al público francés al exponer su Déjeuner sur l’Herbe. Es una afirmación a favor de la libertad individual del artista. El escándalo que causaba una mujer desnuda almorzando despreocupadamente con dos hombres completamente vestidos ofendía a la moralidad de la época.

• El cuadro representa un almuerzo en un bosque.
• La mujer desnuda, cuyo cuerpo está crudamente iluminado, mira directamente al espectador. La mujer desnuda lleva la cara de Meurent, pero el cuerpo de Leenhoff.
• Los dos hombres son el hermano de Manet, Gustave, y su futuro cuñado, el escultor holandés Ferdinand Leenhoff. Están vestidos como dandis. Los hombres ignoran a la mujer.
• Se muestran las ropas de la mujer, una cesta de frutas y un pan. En el fondo, una mujer ligeramente vestida vadea una corriente (ella parece flotar). Hay una desproporción entre la mujer del fondo y la barca.
• El fondo pintado toscamente carece de profundidad, dando al espectador la impresión de que la escena no tiene lugar en el exterior, sino en un estudio. Esta impresión se refuerza por el uso de una intensa luz “fotográfica”, que casi no deja sombras (iluminación nada natural).
• Luz cruda, «fotográfica» que elimina los tonos medios. Se considera un cuadro «preimpresionista» por usar un motivo del entorno inmediato del artista.
• No intentó ocultar las pinceladas: de hecho, la pintura parece inacabada en algunas partes de la escena.
• A pesar de su tema mundano, Manet deliberadamente eligió un formato de lienzo grande, normalmente reservado para los grandes temas.
• Esta pintura puede interpretarse como una versión moderna del Concierto campestre (1508-1509) del pintor renacentista Tiziano.

2. El Arte Pompier (Academicismo Francés)

Literalmente, en francés, «Arte bombero». Es una denominación peyorativa para referirse al academicismo francés de la segunda mitad del siglo XIX bajo la influencia de la Academia de Bellas Artes. La expresión refiere al arte académico oficial, adicto al poder, que aunque exhibía técnicas magistrales, resulta a menudo falso y vacío de contenidos. El origen del apelativo es incierto: podría derivar de los yelmos de las figuras clásicas, similares al casco de un bombero; o podría simplemente referirse al carácter pomposo y retórico de muchas representaciones de la época.

La corriente artística del Neoclasicismo, inserta en el siglo XVIII y prolongada a la primera mitad del XIX, tenía en el rigor racional el primer requisito para prestarse a la enseñanza en las academias, el camino de la imitación de los modelos clásicos, modelo de armonía y belleza. La Academia Real de Pintura y Escultura se había creado en Francia en 1648, con el objetivo de garantizar a los artistas una norma de calidad, dotándolos de un estilo pleno de simplicidad, grandiosidad, armonía y pureza.

Artistas Destacados del Arte Pompier

William-Adolphe Bouguereau (1825-1905)

Hombre fuerte del academicismo francés, primer presidente del departamento de pintura de la Sociedad de Artistas Franceses y gran favorito de la clase adinerada de su época. Vivió 80 años y se le reconocen más de ochocientas obras. Ilustres admiradores suyos fueron: Napoleón III y el pianista y compositor romántico Chopin. Otros grandes contemporáneos como Van Gogh y Gauguin lo aborrecieron o ignoraron. (Obra destacada: Dante y Virgilio en el infierno, 1850).

Fernand Cormon (1845-1924)

También conocido como Fernand-Anne Piestre, fue un pintor francés, uno de los principales pintores de temas históricos de la Francia moderna. Atrajo a una edad muy temprana la atención de la crítica por el sensacionalismo de su arte, pues por un tiempo su poderoso pincel se detuvo con especial placer en escenas de derramamiento de sangre, como El Asesinato en el Serrallo (1868) y La muerte de Ravara, Reina de Lanka, ambas en el Museo de Toulouse. Su obra más conocida, Caín huyendo antes de la maldición de Jehová, inspirada en La Légende des siècles de Victor Hugo, se conserva en el Musée d’Orsay.

Alexandre Cabanel (1823-1889)

Pintor de historia, de género y retratista, su obra evolucionó con los años hacia temas románticos, tales como Albaydé, inspirado en un poema de Orientales de Victor Hugo. Su obra fue especialmente conocida y reclamada por los coleccionistas internacionales y por las instituciones, y fue uno de los artistas preferidos de los emperadores Napoleón III y Eugenia de Montijo. Artista contrario al Naturalismo y al Impresionismo, y en particular enemigo de Édouard Manet, fue criticado a su vez por Émile Zola y los naturalistas, así como por todos aquellos que defendían la emergencia de un arte menos galante y más social y exigente. (Obra destacada: El nacimiento de Venus, 1863).

Jean-Léon Gérôme (1824-1904)

Fue un pintor y escultor francés academicista cuyas obras son, por lo general, de tema histórico, mitológico, orientalismo, retratos y otros temas, con lo que lleva al Academicismo tradicional a un clímax artístico. Es considerado uno de los pintores más importantes de este periodo académico, y además de ser pintor y escultor, fue también un maestro con una larga lista de estudiantes. (Obra destacada: La pelea de gallos, 1846).

3. Los Prerrafaelitas y el Movimiento Arts & Crafts

La Hermandad Prerrafaelita

• La Hermandad Prerrafaelita fue una asociación de pintores, poetas y críticos ingleses, fundada en 1848 en Londres por John Everett Millais, Dante Gabriel Rossetti y William Holman Hunt. La Hermandad duró como grupo constituido apenas un lustro, pero su influencia se dejó sentir en la pintura inglesa hasta entrado el siglo XX.
• Los autores de esta corriente se inspiraron básicamente en el estilo artístico que se dio antes del maestro Rafael, de ahí el nombre que tomaron estos artistas, basándose en los autores y temas propios del Quattrocento, el Trecento y asuntos aún más antiguos, medievales principalmente, leyendas arcaicas e incluso, como en el caso del pintor Lawrence Alma-Tadema, pasajes de la época clásica de Grecia y Roma.
• La elección de este nombre recuerda que el grupo focaliza su crítica en torno a un cuadro de Rafael (1483-1520), La Transfiguración (1518-1520, Museos del Vaticano), del que Hunt decía que debería ser condenado por su inmenso desprecio de la sencillez de la verdad, la pose pomposa de los apóstoles y la actitud poco espiritual del Salvador. Querían volver a una forma de arte, acorde con la que existía antes de Rafael, libre de cualquier amaneramiento académico. El arte medieval, y en particular aquel de los primitivos italianos, es el que designan como modelo de pureza y de libertad.

Características Prerrafaelitas

• Expresar ideas auténticas y sinceras.
• Estudiar con atención la Naturaleza, para aprender a expresar estas ideas.
• Seleccionar en el arte de épocas pasadas lo directo, serio y sincero, descartando todo lo convencional, autocomplaciente y aprendido de memoria.
• Buscar la perfección en la creación de pinturas y esculturas.
• La búsqueda de la perfección en el detalle y el preciosismo representativo se conjugan con la imaginación y nos hacen huir de la realidad para sumergirnos en mundos perdidos, de exquisita sensibilidad y muy atractivos.
• Interés por la luminosidad de la pintura y la intensidad del color.
• Todas sus obras de este período están realizadas con gran atención por los detalles, destacando a menudo la belleza y complejidad del mundo natural. En pinturas como Ofelia (1852), Millais creó superficies pictóricas densamente elaboradas basándose en la integración de elementos de la naturaleza («ecosistema pictórico»).
• Las primeras grandes pinturas de Rossetti muestran algunas de las cualidades realistas del movimiento prerrafaelita temprano. En 1849 pinta su primer lienzo inspirado en los antiguos pintores italianos, La infancia de la Virgen. Al año siguiente pinta Ecce ancilla Domini!, una representación de la Anunciación que exaltaba la pureza (decadentismo y el simbolismo).
• Atención al detalle, y mostraban un vívido colorido y un elaborado simbolismo religioso, a menudo inspirado en los textos bíblicos. Hunt creía que el mundo podía ser descifrado como un sistema de signos visuales. Para Hunt, la tarea del artista consistía en revelar la correspondencia entre signo y realidad.
• Edward Coley Burne-Jones fue un artista y diseñador inglés asociado con la Hermandad Prerrafaelita. Se involucró mucho en el renacimiento del arte de la vidriera en Inglaterra. Burne-Jones se inspira en temas mitológicos (Perseo al temple, 1875) y también acoge temas alegóricos y leyendas históricas (El rey Cophetua y la hija del mendigo, 1884).
• Investigó las posibilidades de la artesanía, que incluían el diseño para decoraciones interiores, de azulejos de cerámica, joyería, tapices, alfombras, papel pintado e ilustración de libros.

El Movimiento Arts & Crafts

“Arts and Crafts” (Artes y Oficios) es un movimiento artístico y estético originado a finales del siglo XIX en Inglaterra, que surge como reacción contra el primer estilo industrial, el estilo victoriano.

• También es una idea de artesanía artística donde el artista-artesano produce muebles, vidrio, cerámica, joyería, textiles, prendas de vestir, papeles pintados, etc.
• Los artistas defendían la artesanía creativa, rechazando así la mecanización y la producción en masa industrial.
• Surgió por la sorpresa ante el mal gusto de todo lo que se fabricaba en masa.
• El movimiento buscaba devolver a los objetos de la vida cotidiana una cierta dimensión estética que acompañase a las funciones naturales para las que eran fabricados.
• Esa reacción se denominó “Arts and Crafts”, ya que pretendió aumentar la dignidad social y estética del diseño y de todas las artes aplicadas, integrándolas en un entorno arquitectónico, armonioso y bello.

Principios del Arts & Crafts

• Rechazo de la separación entre el arte y la artesanía. El diseño de los objetos útiles es considerado una necesidad funcional y moral.
• Rechazo de los métodos industriales de trabajo, que separan al trabajador de la obra que realiza, fragmentando sus tareas.
• Propuesta de un regreso al medievalismo, tanto en la arquitectura (con el neogótico) como en las artes aplicadas.
• Propuesta de la arquitectura como centro de todas las actividades de diseño. Una idea que sería recogida por el racionalismo de principios del siglo XX.
• Propuesta de agrupación de los artesanos en gremios (guildas, asociación medieval de obreros, comerciantes) y talleres, siguiendo el modelo medieval de trabajo colectivo.
• Propuesta de trabajo bien hecho, bien acabado y satisfactorio para el artista y para el cliente.

Características Generales del Movimiento

• Origen: Reino Unido (1880-1890). Antecedentes: Estilo victoriano.
• Creen en el predominio del artesano.
• Buscan enseñar al público un arte decorativo e industrial.
• Superioridad del objeto hecho a mano.
• Motivos lineales de inspiración gótica.
• Impulsar un alto nivel de calidad y diseño.
• Motivos florales naturales (flor de lis, tallos ondulados, laurel…).
• Figuras mitológicas (Ave Fénix, unicornios, Pegaso…).
• Uso de tapices, vidrio coloreado, escayolas, carpintería…
• Gusto por las iglesias góticas (arcos puntiagudos, cuatrifolios…).
• Uso de líneas serpenteadas y asimétricas.
• Creación de objetos artísticos de uso cotidiano.
• Imita a estilos anteriores (Renacimiento, Barroco, Neoclasicismo, Romanticismo…).
• Pinturas prerrafaelitas.
• Búsqueda de la identidad de lo urbano y lo moderno.
• Utiliza técnicas propias: xilografía, el cartelismo, la impresión…
• Imágenes planas, lineales, ornamentales…
• Influencias posteriores: Art Nouveau y Sezession.

William Morris (1834-1896)

Arquitecto, diseñador, político, escritor, artesano y activista, fue el fundador del movimiento “Arts & Crafts”, el cual rechazaba la producción industrial en las artes decorativas y la arquitectura. Morris fue influencia para las artes visuales y el diseño industrial del siglo XIX. Este creó su propia empresa “Morris and Company” (telas, tapices, papeles pintados…), que pretendía crear un taller que diseñara y realizara cualquier trabajo artístico: murales, vidrieras, muebles…

Morris and Company

En esta habitación se pueden observar algunas características:

• Muebles, telas y papel hechos artesanalmente.
• Papel de la pared y alfombra presentan manuscritos medievales.
• Motivos naturales y florales.
• Representación de pinturas prerrafaelitas.

La «Casa Roja», en Bexleyheath, fue la primera obra arquitectónica del grupo Arts & Crafts. Esta vivienda unifamiliar fue proyectada en 1859 por el arquitecto Philip Webb en colaboración con William Morris, su primer propietario.

Charles Rennie Mackintosh (1868-1928)

El constante uso del acero flexible para hacer líneas verticales acompañadas de curvas irregulares y muy cargadas (como en el gótico), caracterizan el arte de Mackintosh.

4. El Romanticismo Tardío en la Pintura Española

La competencia en las exposiciones bienales marcó definitivamente la pintura académica de la segunda mitad del siglo XIX: gran formato, elección por parte del artista de un tema histórico de interés público, espectacularidad y teatralidad de composiciones y retratos.

La Pintura de Historia

Fue uno de los géneros más utilizados en esta época que se deriva del Romanticismo y que a modo de fotografía reflejan los grandes acontecimientos del pasado idealizados.

Características de la Pintura de Historia

• Muestra episodios de nuestro pasado inspirados en la literatura.
• Los temas son medievales, históricos, clásicos, orientales o religiosos.
• Se caracteriza por una ejecución y un dibujo perfectos, un colorido variado y natural, y la graduación de los tonos.
• Pintura al óleo sobre lienzo de gran formato.
• Carácter narrativo, se recrean en los detalles más minuciosos.
• Fiel al retrato histórico.
• Es una pintura vinculada al Nacionalismo y a hechos históricos concretos.
• Son obras de encargo por los poderes oficiales como elemento de propaganda.
• Gran desarrollo en España.
• Pintura fiel a los dictámenes de la Academia de Bellas Artes.
• Son obras casi teatrales, realizadas en grandes lienzos horizontales, muy expresivas y de gran fidelidad.

El sentimentalismo y la afectación de gestos tienen el objetivo de emocionar al espectador y son también parte del espíritu decimonónico, tan marcado por el romanticismo.

Artistas Más Destacados

Eduardo Rosales (1836-1873)

El Testamento de Isabel la Católica (Museo del Prado). Obra cumbre de la pintura de historia del siglo XIX que marcaría la decisiva transformación de este género en España. Destaca el gran Realismo, la pincelada limitada, la atmósfera velazqueña y la expresión contenida de los rostros.

Francisco Pradilla (1848-1921)

Una de sus obras más famosas es Doña Juana ante el féretro de su marido. Este cuadro reúne todas las características de la pintura Romántica de la segunda mitad del siglo XIX. Estuvo obsesionado por la figura histórica de Juana la Loca.

Antonio Gisbert (1834-1901)

El fusilamiento de Torrijos (1887-1888, óleo sobre lienzo, 390 x 601 cm, Museo del Prado, Madrid). Es uno de los cuadros más impactantes del Museo del Prado, por su enorme tamaño, por su dura temática y por el realismo con el que está pintado. Fue un encargo especial del gobierno liberal de Práxedes Mateo Sagasta a Antonio Gisbert. Querían un cuadro para el Museo del Prado que representase la defensa de la libertad y la democracia frente al autoritarismo absolutista. El tema elegido para simbolizar esta idea fue el fusilamiento de José María de Torrijos y sus compañeros. Técnicamente es una obra academicista, de gran ejecución, Romántica, fuertemente influenciada por Los Fusilamientos de Goya.

El Retrato

Tanto la aristocracia como la alta burguesía demandan retratos, y este género fue uno de los más cultivados por los pintores románticos. Quizás sea Federico Madrazo (1815-1894) el retratista más importante del país, y su obra Condesa de Vilches (1853), el mejor ejemplo del género pictórico. En esta obra apreciamos una composición delicada y refinada que se aleja de los parámetros neoclásicos.

Orientalismo

En el ámbito pictórico el ejemplo más ilustrativo del orientalismo fue el de Mariano Fortuny. Las composiciones orientalistas resultantes se encuentran entre lo mejor de este género y tuvieron una gran ascendencia en el imaginario artístico de ese periodo (Marroquíes, de Mariano Fortuny, 1872-74).

El pintor seleccionaba libremente los aspectos de la realidad recogidos en sus apuntes para construir con su imaginario un Marruecos lejano, arcaico y misterioso.

Mariano Fortuny y Madrazo (1871-1949): El “Mago” Español del Diseño

Fortuny fue un diseñador de modas, escenógrafo y artista textil. Su primera creación en este nuevo campo sería el Knossos, un larguísimo echarpe de inspiración cretense. Fortuny cubrió con estos velos los cuerpos de las bailarinas durante la inauguración del teatro de la Condesa de Béarn en 1906, pero la presentación oficial se realizaría un año más tarde en Berlín, cuando la bailarina americana Ruth St. Denis conseguía la admiración de todo su público actuando sobre el escenario ataviada con un Knossos.

El Vestido Delphos

Inspirándose en los quitones jónicos empleados en la antigua Grecia y en la escultura clásica del Auriga de Delfos de la que tomaría su nombre, en 1909 Fortuny patentaba la que sería su creación más conocida, el vestido Delphos.

• Realizados mediante unas secretas técnicas de tintado y plisado, cuyos procedimientos todavía se desconocen, cada vestido resultaba una obra única imposible de repetir.
• Adornados con cuentas de cristal de Murano, los deslumbrantes y coloridos Delphos fueron los primeros vestidos que liberaban el cuerpo de la mujer de la opresión de miriñaques, corsés y polisones.
• Su uso se generalizó después de que bailarinas como Isadora Duncan o la rusa Anna Pávlova se atrevieran a lucirlos en público, hasta la llegada de los años 20.

Diseñador Textil y Escenógrafo

• Diseñador textil: Fortuny nunca fabricó sus propios tejidos, sino que seleccionaba para sus diseños las mejores telas provenientes de países como la India, China, Japón… Compraba las telas en crudo, y era en su estudio de «mago» y alquimista y más tarde en la fábrica de tejidos que abriría en la Isla Giudecca, donde las telas eran tintadas, plisadas y estarcidas.
• Escenógrafo: Fortuny inventó la conocida como “Cúpula Fortuny”, un novedoso sistema de iluminación indirecta que instalaría durante su encargo para remodelar el teatro de la Condesa de Béarn, el mayor teatro privado de París, y al que le seguirían encargos para otros importantes teatros europeos como el Liceo de Barcelona o La Scala de Milán.