Las tres disciplinas de la estética en el siglo XVIII

Las tres disciplinas de la estética se configuran en el siglo XVIII con la Estética (1750/58) de Baumgarten, quien introduce por primera vez el uso del término “estético”; la Crítica de arte, representada por Diderot en los Salones (1759/81), con un estilo descriptivo y moral dirigido a la clase media donde la belleza es un valor relativo; y la Historia del arte, iniciada por Winckelmann con Historia del arte en la Antigüedad (1764), que defiende una belleza objetiva basada en la estética clásica del arte griego, opuesta al barroco y al rococó, y estructurada en cuatro fases (estilo antiguo, elevado, bello y época de los imitadores).

Baudelaire continúa la crítica de arte como reflejo de la modernidad, afirmando que la belleza está en lo cotidiano (ej. El almuerzo sobre la hierba, 1863). La belleza en el arte premoderno se asocia a valores como la valentía griega, la nobleza romana y la compasión cristiana, basándose en la perfección armónica y la geometría matemática, mientras que en la contemporaneidad no desaparece sino que se transforma (Rambla), planteando el reto de unir forma y función.

Categorías estéticas fundamentales

• Lo feo: Surge como categoría estética capaz de generar agrado desde lo desagradable, lo inarmónico y desequilibrado, representando demonios o vicios, distinto de lo mal hecho.
• Lo grotesco: (Del italiano grotta) se caracteriza por lo extravagante, irregular y de mal gusto, la fusión humano-animal, la desfiguración y el rechazo absoluto que provoca miedo, horror o asco.
• Lo cómico: Provoca risa por lo absurdo, ridículo e inesperado, propio del ser humano, mezclando lo feo y lo gracioso para divertir y criticar.
• Lo trágico: Propio del drama griego, genera compasión y temor mediante la catarsis, mostrando al personaje que lucha contra su destino como consecuencia de sus errores.
• Lo sublime: Va más allá de lo bello, excede al ser humano por su grandeza y enormidad, produce una sensación de pequeñez y un sentimiento ambivalente de fascinación y temor, desarrollado desde el tratado griego Sobre lo sublime y muy presente en la Ilustración.

La estética en la Antigüedad Clásica

Grecia: Del concepto de Kalos al Helenismo

En Grecia, desde la época arcaica (800–600 a. C.), filósofos y poetas elaboran los primeros discursos estéticos dentro de una religión antropomórfica y una primera estatuaria (xóana). El concepto de kalos une belleza, armonía interior, simetría, ritmo, bondad y utilidad, mientras Pitágoras defiende la armonía como unión de opuestos basada en el número, origen de una belleza objetiva expresada en cánones artísticos como los de Policleto y Lisipo.

• Los sofistas: Humanizan la filosofía, introducen el relativismo, la distinción entre naturaleza y arte, las artes útiles y placenteras y la mímesis. Protágoras afirma que “el hombre es la medida de todas las cosas”, defendiendo una belleza subjetiva condicionada por cultura, religión y educación.
• Sócrates: Se opone a este relativismo y sostiene valores absolutos donde la belleza es objetiva y moralmente superior a la física.
• Platón: Concibe la belleza como adecuación a la idea y entiende el arte como imitación de la realidad, desarrollando su teoría de los tres mundos y el mito de la caverna.
• Aristóteles: Define la belleza como orden, proporción y armonía; entiende el arte como mímesis de la naturaleza y como técnica, introduce la catarsis y concibe el arte como terapia.

En la época helenística (siglos III–II a. C.) se abandona la idealización y surge la expresión, la pasión, la individualidad y el pathos, donde el arte no imita sino que expresa y busca el éxtasis (ej. Laocoonte), desarrollándose escuelas como los epicúreos (belleza = placer), estoicos (belleza corporal y moral), escépticos (belleza subjetiva) y eclécticos.

Roma: Vitruvio y Cicerón

Roma prolonga la cultura helenística con matices propios, destacando Vitruvio como primer gran tratadista de arquitectura y Cicerón, quien une retórica y política desde el eclecticismo, defendiendo una belleza universal basada en el orden y la proporción, donde la belleza del carácter y del alma virtuosa es superior a la corporal y el discurso bello equilibra razón, estructura y emoción.

Estética Medieval y Neoplatonismo

Plotino y el Sistema del Uno

En el siglo III, durante la decadencia moral del Imperio romano, Plotino impulsa el neoplatonismo, influyendo a San Agustín y al arte bizantino. Con una preocupación por las ciencias ocultas y el hermetismo, sostiene que la belleza reside en la inteligencia y es iluminada por el bien. Cree en un dios superior (demiurgo) y en el Sistema del Uno, donde todo procede de la unidad en tres niveles de realidad:

1. El Uno: Principio absoluto, perfecto y simple.
2. El Intelecto (Nous): Donde habitan las ideas inteligibles y surge la belleza inteligible.
3. El Alma (Psique): Anima el mundo y conecta con lo sensible.

Cuanto más cerca del Uno, más bello y perfecto es el ser. La belleza emana del Uno, es espiritual y no material, yendo más allá de la simetría. El arte imita el mundo sensible pero procede de la mente del artista, que posee ideas innatas; su objetivo es crear belleza como reflejo del Uno.

El Cristianismo y San Agustín

Con el Edicto de Milán (313 d. C.) y la oficialización del cristianismo (325 d. C.), se produce una fusión cultural grecorromana y hebrea. La belleza se entiende como un reflejo de Dios.

San Agustín recoge la estética cristiana en sus Confesiones, influido por Platón. Define la belleza como la armonía entre los sentidos y el espíritu, reflejo de Dios, orden, unidad y virtud del alma. La contemplación de la belleza es una vía espiritual de ascenso interior.

Transición al Barroco: Política, Religión y Arte en el Siglo XVI

El siglo XVI marca una crisis y cambios profundos en Europa con la formación de monarquías nacionales y los conflictos en una Italia dividida. El mecenazgo pasa a depender de la monarquía y la Iglesia, utilizando el arte como propaganda y representación del poder.

La Reforma protestante de Lutero (1517) cuestiona la autoridad papal, a lo que Roma responde con el Concilio de Trento (1545-1563), reafirmando los dogmas tradicionales. Esta tensión provoca la transición artística al Manierismo, una nueva sensibilidad más intelectual, artificial y subjetiva.

Movimientos Artísticos y Ejemplos de Categorías

Expresionismo (1905)

Representación no objetiva con líneas agitadas, colores violentos y formas distorsionadas, expresadas según los sentimientos del artista para generar impacto.

Catálogo de obras por categorías estéticas

• Feo / Grotesco: Saturno devorando a su hijo (Goya, Romanticismo), Maman (Bourgeois, Vanguardias/Surrealismo), Dos viejos comiendo sopa (Goya, Romanticismo), Tríptico del jardín de las delicias (El Bosco, Renacimiento), La duquesa fea (Massys, Renacimiento), Capricho 42 (Goya, Romanticismo).
• Trágico: Judith decapitando a Holofernes (Gentileschi, Barroco), Laocoonte y sus hijos (Agesandro, Polidoro y Atenodoro de Rodas, Época Helenística), El juramento de los Horacios (Louis David, Neoclasicismo), La muerte de Marat (Louis David, Neoclásico).
• Belleza: El nacimiento de Venus (Botticelli, Renacimiento), El columpio (Fragonard, Rococó), Eros y Psique (Canova, Neoclasicismo).
• Sublime: Caminante sobre el mar de nubes (Friedrich, Romanticismo), David (Miguel Ángel, Renacimiento – también Belleza), La libertad guiando al pueblo (Delacroix, Romanticismo), El éxtasis de Santa Teresa (Bernini, Barroco).

Evolución de los Estilos: Del Rococó al Romanticismo

Rococó

Origen francés, alegre y provocador. Sustituye al barroco por el placer y el divertimento. Busca lo efímero, la elegancia y la naturalidad con colores pastel y formas curvas (Fragonard, Boucher).

Neoclasicismo (Siglos XVIII-XIX)

Renovación de los valores de la Antigüedad clásica y culto a la razón (Ilustración). Se caracteriza por el orden, la armonía y la racionalidad, rechazando los excesos previos.

• Academias: Instituciones como la Académie Royale (París) o la Royal Academy (Londres) normativizan el arte bajo criterios de proporción y dibujo.
• Teóricos: Anton Raphael Mengs defiende el equilibrio frente al Barroco; Winckelmann establece las bases del gusto neoclásico buscando una «noble sencillez y serena grandiosidad».

Goya: El precursor

Culmina el Neoclasicismo y anticipa el arte moderno (Romanticismo, Impresionismo, Expresionismo y Surrealismo). Introduce categorías como lo feo, lo grotesco y lo trágico, demostrando que el arte puede incorporar la complejidad de la experiencia humana.

Romanticismo (Siglos XVIII-XIX)

Reacción contra la razón ilustrada. Exalta la libertad, el sentimiento, lo sublime y lo irracional. El artista es visto como un genio incomprendido que utiliza el dramatismo y el color expresivo.

Renacimiento, Manierismo y Barroco

Renacimiento (Siglos XV-XVI)

Movimiento centrado en el Humanismo y la Antigüedad grecolatina. El hombre es el centro (antropocentrismo) y la belleza es la manifestación de la perfección espiritual.

• Teóricos: Marsilio Ficino (neoplatonismo), Leon Battista Alberti (teorización del diseño), Luca Pacioli (proporción áurea y Divina Proportione).

Manierismo

Tendencia del siglo XVI que busca estilos personales y subjetivos. Se caracteriza por el canon estilizado, la línea serpentinata, escorzos y composiciones inestables que rompen la unidad espacial.

Barroco (Siglos XVII-XVIII)

Dramatismo y carga emocional. Se divide en dos grandes vertientes:

• Barroco Católico: (Italia, España) Arte al servicio de la Contrarreforma, con carácter popular, religioso y escenográfico (Rubens, Caravaggio, Bernini).
• Barroco Clasicista: (Francia, Holanda) Racional, sobrio y equilibrado. Bellori defiende una belleza idealizada mediante la razón por encima de la naturaleza simple.