En el siglo XVI, la evolución de la pintura será notable. El color se maneja de un modo más suelto y, en consecuencia, pierden su importancia el dibujo y el contorno. Las formas, con el claroscuro de sombras y luces, adquieren un aspecto redondeado.

Características Clave de la Pintura Renacentista Italiana en el Siglo XVI

• Para conseguir el volumen, el artista utiliza múltiples recursos, como los sombreados o colocar el brazo delante del busto en los retratos, como en La Gioconda.
• La luz y las sombras adquieren una importancia nueva.
• Las escenas tienen una profundidad que parece natural.
• El paisaje ya no es siempre la primavera y las praderas floridas. Los fondos neblinosos, las rocas y los crepúsculos aparecen en las escenas. Los marcos arquitectónicos del siglo anterior se reducen al máximo. Lo anecdótico desaparece.
• La composición es clara, con frecuencia es una composición triangular.
• Las figuras se relacionan con las miradas y con las manos; cada cuadro representa una escena.
• Para fijar los ideales de belleza se busca lo impersonal. Es la gran época del desnudo femenino.

Florencia seguirá siendo la capital del arte, pero sus máximas figuras se trasladarán a Roma. Tres serán los gigantes de esta escuela: Leonardo, Miguel Ángel y Rafael.

Leonardo da Vinci

Investigó sobre el cuerpo humano, su anatomía y expresiones psicológicas, de las que realizó numerosos dibujos. Su interés por la naturaleza le aportó un profundo conocimiento de la misma del que se nutrió su pintura. Comenzó como aprendiz en el taller de Verrocchio.

• Entre sus primeros cuadros se encuentran La Anunciación, cuadro en el que ya empleó su famoso sfumato (difuminación de contornos), y la Adoración de los Reyes Magos.
• Más tarde se trasladó a Milán, donde pintó La Virgen de las Rocas, una composición triangular cuyo centro es la Virgen, acompañada del Niño Jesús y de San Juan Bautista. La escena destaca sobre un fondo de rocas, brumas y una caverna.
• Realizó también La Última Cena en el refectorio del monasterio de Santa María de la Gracia, una obra considerada de perfecta perspectiva. La distribución en grupos de tres figuras supuso una gran novedad. Cada una de las figuras aparece con un gesto personal y agitada actitud al conocer la existencia de un traidor entre ellos.
• Luego volvió a Florencia, donde realizó La Gioconda, retrato de medio cuerpo con paisaje al fondo. En esta obra se aprecia el sfumato, con el que el dibujo pierde definición a favor de la creación de un espacio en el que los objetos están plenamente inmersos.
• También pintó Santa Ana, la Virgen y el Niño, obra de composición piramidal en la que los personajes representan cordialidad, amabilidad y armonía.

Sus dos grandes aportaciones fueron la perspectiva y el sfumato.

Rafael Sanzio

Ingresó en el taller de Perugino, con quien colaboró en la realización de importantes obras. Más tarde fue a Florencia, donde entró en contacto con la obra de Da Vinci y Miguel Ángel. Julio II lo llamó a Roma para decorar algunas estancias del Vaticano.

• De su formación al lado de Perugino nos quedan los Desposorios de la Virgen. En el centro están la Virgen, San José y el sacerdote. Al fondo hay un templete de planta octogonal, hacia el que se escapa la mirada del espectador.
• La Madonna del Jilguero demuestra hasta qué punto influyó sobre sus pinturas Leonardo. Rafael recurrió a la composición piramidal y recreó los fondos húmedos y desdibujados igual que Da Vinci.
• En Roma se ocupó de la decoración al fresco de la Sala de la Signatura con la Disputa del Sacramento, La Escuela de Atenas y las alegorías de la Jurisprudencia y del Parnaso. Estas obras exaltaban ideales como la Verdad, el Bien y la Belleza, aludiendo a la Teología, Filosofía, Justicia y las Artes.
• Junto a esta sala se encuentra otra decorada junto a sus discípulos, la Cámara de Heliodoro.
• Además de un gran fresquista, fue un gran retratista, realizando los retratos de León X y de Julio II.

Rafael se define por ser un pintor que supo llevar a la cima el equilibrio, la serenidad y la armonía.

Miguel Ángel Buonarroti

Recibió su formación en el taller de Ghirlandaio y estudió la obra de Giotto, Masaccio y Donatello, así como las obras de los Médici. En su estilo, lo más representativo es el rotundo dibujo que delimita con claridad escultórica los volúmenes. Las figuras se representan con agitados movimientos y tamaño monumental. Sus perfectas anatomías no descuidan el carácter individual, representado en las expresiones de los rostros.

• Entre sus primeras obras destaca el Tondo Doni, pintura de composición piramidal con cuerpos entrelazados.
• Su obra más conocida es la decoración de la bóveda de la Capilla Sixtina. Fue un encargo de Julio II y se realizó en 4 años. Las paredes de esta capilla habían sido decoradas por maestros de la talla de Botticelli. La bóveda se compartimenta con unas ficticias arquitecturas de arcos y pilastras entre las que hay 350 figuras desnudas. El contenido representado son escenas que narran la historia de la salvación.
• Más tarde realizaría el Juicio Final en el testero de la Capilla Sixtina. Expresa gran dramatismo al representar la ira de Dios; los cuerpos desnudos se retuercen ante el miedo del juicio final. Los desnudos tuvieron críticas, por lo que el Papa encargó que los tapasen con paños de pureza.

Miguel Ángel es capaz de presentar el más nítido clasicismo y el más apasionado Manierismo.