El relato audiovisual

El relato es la narración de los acontecimientos de una historia. En el lenguaje audiovisual, el relato se narra en imágenes y sonidos. En un relato encontramos tres conceptos fundamentales: el relato, la historia y la narración.

El relato audiovisual se compone de la banda de imagen y de la banda de sonido.

El universo diegético

El universo diegético es el conjunto de elementos del mundo de ficción donde sucede la historia.

El relato audiovisual en las disciplinas de la comunicación

El relato audiovisual es cualquier historia o mensaje que se cuenta usando imágenes y sonidos (cine, televisión, redes sociales, publicidad, periodismo, videojuegos, etc.). Todas las áreas de la comunicación usan el relato audiovisual, pero no todas lo usan con la misma intención.

Ficción o realidad en la comunicación audiovisual

Aunque parezca que lo audiovisual muestra la realidad tal como es, en realidad siempre hay una construcción. La imagen y el sonido son miméticos porque imitan la realidad, pero también se ficcionalizan. Esto sucede porque se selecciona qué mostrar y qué no, se encuadra, se edita, se añade música y se organiza el contenido para construir un relato con una intención determinada.

La intención del relato según cada rama de la comunicación

Lo que diferencia a las distintas ramas de la comunicación es la finalidad del relato. En la ficción, el documental, la televisión, los nuevos medios y los videojuegos, la intención es entretener o argumentar. En la publicidad, como el spot o el publirreportaje, el objetivo es persuadir o convencer. En el periodismo, a través de la noticia y el reportaje, se busca informar sobre hechos de actualidad.

Cómo se organiza una producción audiovisual y quiénes participan

La producción audiovisual se divide en tres grandes fases:

• Preproducción → fase de preparación.
• Producción → fase de rodaje.
• Postproducción → fase de montaje y acabado.

Preproducción (fase de preparación)

La preproducción es la etapa en la que se planifica todo antes de la grabación. En esta fase intervienen varios roles:

• Guionista: escribe el guion.
• Productor: organiza el proyecto y el presupuesto.
• Dirección de producción: planifica horarios, localizaciones, equipo y logística.

También destaca el diseño de producción, encargado del aspecto visual de la obra, que incluye el atrezzo, el decorador o escenógrafo (escenarios), el maquetista, así como vestuario, maquillaje y peluquería.

Producción (fase de rodaje)

La producción es la fase en la que se graba el contenido audiovisual. La figura central es el director, que coordina al equipo artístico y técnico y toma las decisiones creativas.

Durante el rodaje intervienen distintos equipos:

• Equipo de dirección: script y ayudante de dirección.
• Equipo de imagen: director de fotografía, cámara, iluminación y movimientos de cámara.
• Equipo artístico: actores principales, secundarios, figurantes y especialistas.
• Equipo de sonido y técnicos de efectos especiales.

El objetivo de esta fase es grabar todas las escenas previstas en el guion.

Postproducción (fase de montaje)

La postproducción es la fase en la que se construye el producto final a partir del material grabado. Intervienen el montador, que selecciona y ordena los planos; el montador de sonido, que ajusta diálogos, efectos y ambiente; y el compositor, que crea la música.

El objetivo de la postproducción es dar la forma definitiva al relato audiovisual.

Desarrollo del proyecto audiovisual

El desarrollo de un proyecto audiovisual se divide en tres grandes fases: preparación, rodaje y montaje.

1. Fase de preparación

Es la etapa en la que se piensa y se organiza todo antes de grabar. En esta fase se escribe el guion, donde el guionista desarrolla la historia a través de la sinopsis, la escaleta y el guion literario, definiendo qué se va a contar.

También se realiza el desglose y el plan de rodaje, a cargo del productor, que analiza el guion escena por escena, organiza actores, localizaciones, vestuario y recursos técnicos, elabora el calendario de grabación y gestiona la financiación. Aquí se decide cómo y con qué se va a grabar.

Fase de rodaje

Es la fase en la que se realiza la grabación y participa la mayor parte del equipo. El director es el máximo responsable de la puesta en escena, la dirección de actores y la dirección de cámara. En esta fase se graban todas las imágenes y sonidos previstos.

La fase de montaje

Se da forma definitiva al film: a partir de los rushes se hace un premontaje de imagen y sonido, el montaje definitivo y la banda sonora.

Guion literario

El guion literario es el documento base de una obra audiovisual. Explica la historia mediante descripciones y diálogos, sin entrar en detalles técnicos. Es el guion que se escribe antes del guion técnico.

Formato del guion literario

Se escribe en tipografía Courier tamaño 12. Esto se utiliza porque cada página equivale aproximadamente a un minuto de pantalla.

Partes del guion literario

Encabezado de escena:
Indica dónde y cuándo ocurre la escena, normalmente en mayúsculas. Incluye: INT. (interior) o EXT. (exterior), lugar (BAR, CASA…) y momento del día (DÍA, NOCHE).

Acción:
Describe lo que pasa en la escena en presente. Se escribe en minúsculas, excepto en:

• Primera aparición de un personaje (en mayúsculas).
• Efectos sonoros (en mayúsculas).
• Textos en pantalla (en mayúsculas).
• Indicaciones importantes (en mayúsculas).

Personaje:
Nombre en mayúsculas antes del diálogo. Puede incluir indicaciones entre paréntesis: (CONT’D) —continúa tras una interrupción—, (O.S.) —voz fuera de cámara— y (V.O.) —voz en off (narración, pensamiento)—.

Diálogo:
Palabras del personaje, en minúsculas. Si se corta el diálogo por cambio de página:

• Final de página: (MÁS).
• Página siguiente: NOMBRE (CONT’D).

Acotación: Indica cómo se dice el diálogo (tono, emoción), va entre paréntesis.

Márgenes: El guion tiene márgenes específicos para facilitar la lectura, calcular la duración y mantener un formato profesional.

Indicaciones técnicas: El guionista no ordena cómo se mueve la cámara, sólo sugiere, integrando las indicaciones en la acción y, cuando es necesario, en mayúsculas.

La intencionalidad de la mirada y la trascendencia del encuadre

En el audiovisual nada se muestra por casualidad. El director decide qué mostrar, cómo y qué ocultar, guiando así la mirada del espectador; esto es la intencionalidad de la mirada. El encuadre es fundamental porque delimita lo que aparece en la imagen y lo que queda fuera.

El director transforma el guion literario en imágenes y sonidos, siendo el plano la unidad básica de la imagen audiovisual.

¿Qué es un plano?

Un plano es un fragmento continuo de imagen y sonido, grabado sin cortes. Tiene dos características principales:

• Duración: el tiempo que permanece en pantalla.
• Encuadre: la parte de la realidad que se muestra dentro del cuadro.

El encuadre y la mirada del espectador

El encuadre es el límite de la imagen, lo que se muestra dentro del cuadro. Al encuadrar, el director dirige la atención del espectador, resalta ciertos elementos y crea significado, emoción o tensión. Por eso, el encuadre condiciona la mirada del espectador.

Campo y fuera de campo

Campo: los elementos visibles dentro del encuadre, todo lo que el espectador puede ver directamente.

Fuera de campo: los elementos que no se ven, pero se sugieren, se escuchan o se intuyen. El fuera de campo completa y da sentido al campo, es decir, a lo que vemos dentro del encuadre. Aunque no se muestre visualmente, el fuera de campo forma parte del espacio fílmico y amplía la imagen más allá de los límites del cuadro.

Espacio imaginario

Es un espacio que no existe físicamente en la realidad del rodaje ni en la narración concreta, pero que el espectador construye o infiere a partir de elementos visuales, sonoros o narrativos.

Profundidad de campo

La profundidad de campo indica qué parte de la imagen está enfocada.

• Mucha profundidad de campo: todo, personaje y fondo, está enfocado.
• Poca profundidad de campo: solo una parte está enfocada y el resto está borroso.

Sensación de profundidad

Es una percepción visual que da la impresión de que la imagen tiene dimensión tridimensional, es decir, que hay distancia entre los elementos dentro del encuadre.

Composición en el encuadre

La composición es la forma en que se organizan los elementos dentro del encuadre para dirigir la mirada del espectador. Para lograrlo se usan:

• Proporciones del cuadro y tipo de plano, que influyen en lo que destaca.
• Profundidad de la composición, organizando el espacio entre primer plano y fondo, y enfocando partes concretas.
• Contrastes de color, forma o textura para resaltar elementos.
• Equilibrio visual, distribuyendo los elementos de forma armoniosa, como con la regla de los dos tercios.

Ópticas: la longitud focal

La cámara capta la imagen mediante lentes, cuya longitud focal determina las características de la imagen. Existen tres tipos principales de lentes según su longitud focal:

• Lente normal: longitud focal intermedia (aprox. 35 mm a 85 mm, sobre todo 50 mm). Su campo de visión se asemeja al ojo humano, lo que genera imágenes naturales y sin distorsiones. Se utiliza para planos medios y escenas cotidianas.
• Lente angular: longitud focal corta (hasta 35 mm). Su campo de visión es amplio, captando más espacio dentro del encuadre. Produce una ligera distorsión que exagera la profundidad y las proporciones, generando una sensación de amplitud y dinamismo. Es ideal para paisajes, interiores reducidos o para enfatizar el espacio.
• Lente teleobjetivo: longitud focal larga (más de 70 mm). Su campo de visión es estrecho, enfocando áreas pequeñas y comprimiendo la profundidad, lo que acerca visualmente los elementos en la imagen. Se usa para primeros planos, detalles a distancia y para aislar al sujeto del fondo.

Campo de visión y distorsión de la imagen

Las lentes determinan el campo de visión, es decir, cuánto se ve dentro del encuadre, y también afectan la sensación de profundidad en la imagen.

Técnica de la profundidad de campo

La profundidad de campo depende del tipo de lente, la apertura del diafragma y la distancia al objeto. Cuando el diafragma está más abierto (es decir, tiene un número f bajo, como f/1.8 o f/2.8):

La profundidad de campo disminuye; es decir, la zona enfocada es más reducida. Solo un área pequeña del encuadre queda nítida (por ejemplo, el rostro de un personaje) y el resto (el fondo o el primer plano) aparece desenfocado o borroso. Esto ayuda a aislar al sujeto del fondo, creando un efecto estético muy usado en retratos o escenas que quieren destacar un elemento concreto.

Puesta en escena (mise-en-scène)

La puesta en escena es cómo se organiza visual y sonoramente una escena para llevar el guion a la pantalla. Incluye la dirección de actores, su posición y movimientos (blocking) y su relación con la cámara. Es una tarea fundamental del director junto con la dirección de cámara.

Elementos de la puesta en escena

• Escenarios, decorados y atrezzo: el espacio y los objetos que crean el mundo de la historia.
• Vestuario y maquillaje: definen a los personajes y su contexto.
• Disposición y actuación de los actores: su ubicación, movimientos e interpretación.

Tipos de iluminación cinematográfica

• Iluminación de tono alto: luz intensa y uniforme, reduce sombras, crea un ambiente claro y alegre.
• Iluminación de tono bajo: luz tenue y contrastada, genera sombras marcadas, crea atmósferas dramáticas o misteriosas.

El balance de blancos

El balance de blancos es un ajuste fundamental en la cámara que permite conseguir una imagen con colores naturales y realistas, adaptándose a la temperatura de color de la fuente de luz que ilumina la escena. La temperatura de color indica si la luz es fría (tonos azulados) o cálida (tonos amarillentos o rojizos). Cuando el balance de blancos se configura correctamente, los colores de la imagen se reproducen fielmente sin dominantes que distorsionen la percepción. Si el balance se ajusta por debajo de la temperatura de color, la imagen se verá más fría; si se ajusta por encima, se tornará más cálida. Este control es esencial para mantener la coherencia cromática y transmitir la atmósfera adecuada en cualquier producción audiovisual.

La medición y captación de la luz

En una cámara digital, la exposición se basa en tres elementos fundamentales: la escala ISO, la apertura del diafragma y la velocidad de obturación.

Escala ISO: regula la sensibilidad del sensor a la luz. Un valor ISO más alto aumenta la sensibilidad, permitiendo captar imágenes en condiciones de poca luz, aunque puede incrementar el ruido.

Apertura del diafragma: indicada mediante una escala numérica no lineal (f/1.4, f/2, f/2.8, hasta f/22), controla la cantidad de luz que entra al sensor. Además, la apertura influye directamente en la profundidad de campo: aperturas amplias (números f bajos) generan poca profundidad de campo, mientras que aperturas pequeñas (números f altos) producen mayor profundidad de campo.

Velocidad de obturación: determina el tiempo que el sensor está expuesto a la luz. En fotografía se utilizan valores que van desde segundos completos (como la B o «bulb») hasta fracciones muy rápidas (1/2000 s). En vídeo, a 25 fotogramas por segundo (fps), la velocidad de obturación recomendada es 1/50 s (el doble de la tasa de fotogramas) para evitar imágenes entrecortadas y lograr un desenfoque de movimiento natural (motion blur). La velocidad de obturación también afecta la sensación de movimiento: velocidades lentas producen imágenes borrosas por movimiento, mientras que velocidades rápidas congelan la acción.

Análisis de la luz en imagen audiovisual

En la imagen audiovisual, la luz se analiza atendiendo a cuatro características fundamentales:

1. Nitidez y contraste: determinan si la luz es dura (sombras marcadas) o suave (transiciones difusas).
2. Dirección de la luz: puede ser frontal, lateral, contraluz, contrapicada o cenital; influye en el modelado de las formas.
3. Fuente lumínica: natural (sol) o artificial (focos, lámparas), que afecta el ambiente.
4. Color de la luz: se estudia en términos de matiz, tono o brillantez y saturación; estos elementos crean ambientes y emociones.

Análisis visual del lenguaje audiovisual

El análisis visual estudia cómo se usan elementos y técnicas para contar una historia en imágenes en movimiento. Se analiza:

• Encuadre: qué se muestra y qué se oculta.
• Composición: organización de los elementos en la imagen.
• Profundidad de campo: qué parte está enfocada.
• Tipo de plano y movimiento de cámara: acercamientos y movimientos.
• Relación de aspecto: formato de la imagen.
• Puesta en escena: actores, decorados, vestuario y movimientos.
• Iluminación y color: crean ambiente, emoción y significado.

Lenguaje de la ficción y el documental audiovisual

La ficción y el documental usan el lenguaje audiovisual para narrar historias y comunicar ideas y emociones. Aunque la ficción inventa y el documental parte de la realidad, ambos construyen un relato a través de decisiones visuales.

Entretenimiento y creación

El lenguaje audiovisual sirve para entretener y para crear mundos, historias y significados. No solo muestra la realidad, sino que la interpreta y la transforma.

Diseño del sonido

El diseño del sonido es la planificación y organización de todos los sonidos en una obra audiovisual para crear sentido, emoción y contar la historia.

1. Características acústicas generales

• Nivel o amplitud: volumen del sonido, puede ser fuerte o suave.
• Tono o frecuencia: si el sonido es grave o agudo.
• Timbre o armónicos: lo que hace único a un sonido, aunque tenga el mismo tono (por ejemplo, dos voces diferentes).

2. Tipos de sonido

Según la fuente:

• Sonido fónico: producido por la voz humana.
• Sonido no fónico: cualquier sonido que no sea voz, como ruidos o música.

Según el tipo:

• Diálogo o monólogo: palabras de personajes.
• Comentario de narrador: voz que explica o guía la historia.
• Ruido: sonidos del ambiente o acciones.
• Música: acompaña y refuerza emociones.
• Silencio: ausencia de sonido con valor expresivo (ejemplo: The Artist muestra cómo silencio y música narran).

3. Relación entre sonido e imagen (nivel narrativo)

• Intradiegético: sonido que forma parte del mundo de la historia y lo oyen los personajes.
• Extradiegético: sonido que no pertenece a la historia, solo lo oye el espectador.

4. Sonido según campo y fuera de campo

• Sonido in / voz in: vemos la fuente del sonido.
• Sonido off / voz off: no vemos la fuente, pero está en la escena.
• Sonido over / voz over: voz o sonido externo a la escena, como narración o pensamiento.

Proceso constructivo del relato audiovisual

Una historia audiovisual se crea organizando imágenes y sonidos para contar algo. No solo importa lo que se ve y se oye, sino cómo se unen los planos, que es el montaje.

El proceso tiene varias etapas:

1. Primero está el plano, la unidad básica.
2. Después, la unión de planos mediante el montaje.
3. A partir de ahí, se forman escenas y secuencias que dan sentido a la historia.

Diferencias entre plano, escena, secuencia y plano-secuencia

• Plano: Unidad más pequeña del lenguaje audiovisual. Va desde que la cámara empieza a grabar hasta que se detiene, sin cortes internos.
• Escena: Conjunto de uno o varios planos que ocurren en el mismo lugar y tiempo, sin saltos temporales (sin elipsis).
• Secuencia: Unidad mayor que la escena, puede incluir varias escenas o planos. Tiene unidad de acción o sentido narrativo y puede tener saltos de tiempo y espacio.
• Plano-secuencia: Secuencia completa grabada en un solo plano, sin cortes, con acción continua.

El montaje: cómo se cuenta la historia

El montaje une los planos, decidiendo su orden y ritmo para crear sentido narrativo. Puede acelerar, ralentizar o cambiar el significado de una acción. Es lo que hace que la historia funcione y se entienda.

Aspectos narrativos del lenguaje audiovisual

Para contar una historia, el lenguaje audiovisual organiza tres elementos:

• Espacio: dónde ocurre la acción; puede ser continuo o fragmentado y cambiar dentro de una secuencia.
• Tiempo: puede ser lineal, con saltos (elipsis) o acelerar/condensar acciones largas.
• Acción: lo que hacen los personajes; da unidad a escenas y secuencias y puede ser continua o fragmentada.

Fundamentos del montaje audiovisual

El montaje organiza imágenes y sonidos, seleccionando los planos, decidiendo su orden y marcando su duración. Gracias al montaje, el material grabado se convierte en una historia comprensible.

Cuándo se hace el montaje

El montaje es la fase final de la producción audiovisual. Primero se escribe el guion, luego se graban las imágenes y el sonido, y finalmente se ordena todo mediante el montaje.

Relaciones entre planos:
Al unir dos planos, se crean relaciones de tiempo (antes, después, al mismo tiempo) y de espacio (mismo lugar o lugares diferentes).

Continuidad y discontinuidad:

• Continuidad: espacio y tiempo coherentes, sin rupturas.
• Discontinuidad: saltos de tiempo o espacio.

Efectos del montaje:
No solo organiza imágenes, sino que provoca efectos perceptivos (cómo vemos), narrativos (cómo entendemos la historia), emocionales (qué sentimos) y cognitivos (cómo interpretamos).

Signos de puntuación en el lenguaje audiovisual

Son recursos que organizan y separan partes del relato, como los signos de puntuación en un texto.

• Corte (en seco): cambio inmediato de un plano a otro. Es el más común.
• Fundido a negro: la imagen se oscurece hasta quedar negra; indica final o cierre.
• Apertura en negro: la imagen aparece desde el negro; marca inicio de escena.
• Encadenamiento o fundido encadenado: un plano desaparece mientras otro aparece; sugiere paso del tiempo o relación entre planos.
• Cortinilla: un plano sustituye a otro con una forma visible; transición poco realista.
• Desenfoque: la imagen pierde nitidez para pasar a otra; da sensación de recuerdo o transición suave.
• Panorámica: movimiento de cámara sobre su eje que cambia el encuadre sin cortar.
• Barrido: movimiento rápido que genera imagen borrosa; se usa como transición entre planos.
• Efectos de color, luz, etc.: alteran la imagen para marcar cambios narrativos o emocionales.

Raccord sobre la puesta en escena

Este tipo de raccord se refiere a la continuidad de lo que ocurre dentro del plano, para que la acción parezca fluida y natural entre un plano y el siguiente.

• Dirección de los personajes y las miradas: los personajes deben mantener la misma orientación y dirección de mirada entre planos. Si un personaje sale hacia la derecha, en el siguiente plano debe continuar en esa misma dirección.
• Raccord de mirada: un plano muestra a un personaje mirando fuera de campo y el plano siguiente muestra aquello que está mirando. Esto crea una relación lógica y clara entre ambos planos.
• Raccord de movimiento: un movimiento que comienza en un plano (caminar, correr, girarse) debe continuar de forma coherente en el plano siguiente, sin saltos bruscos.
• Raccord de gesto: un gesto concreto (coger un objeto, sentarse, abrir una puerta) debe continuar exactamente en el mismo punto de la acción para evitar errores de continuidad.
• Raccord de luz y de sonido: la iluminación y el sonido deben mantenerse coherentes entre planos para que no se perciban cambios artificiales.

Raccord sobre la cámara

Este tipo de raccord depende de cómo se colocan y encadenan los planos para mantener una orientación clara.

• Eje de acción y eje de cámara: el eje de acción es una línea imaginaria que marca la dirección principal de la escena. La cámara debe respetar ese eje para no desorientar al espectador.
• Ley de los 180 grados: la cámara no debe cruzar el eje de acción, para que los personajes mantengan su posición coherente en pantalla.
• Regla de los 30 grados: entre dos planos consecutivos debe haber al menos un cambio de 30 grados en el ángulo de cámara, para que el corte sea fluido y no parezca un error.

Construcción del tiempo y el espacio fílmicos

El tiempo fílmico

El tiempo fílmico no reproduce necesariamente el tiempo real, sino que se construye mediante el montaje y la relación temporal entre los planos.

• Sin relación temporal: no se establece una conexión clara sobre el orden o el momento en que ocurren los planos.
• Tiempo simultáneo (montaje alterno o paralelo): dos o más acciones distintas se presentan como ocurridas al mismo tiempo mediante la alternancia de planos.
• Tiempo sucesivo: una acción sucede después de otra. Puede ser continuo (sin elipsis) o discontinuo (con elipsis).
• Tiempo desordenado: se rompe la linealidad cronológica: analepsis (flashback) y prolepsis (flashforward).

El espacio fílmico

El espacio fílmico se construye a través de la relación espacial entre los planos y no tiene por qué coincidir con el espacio real.

• Sin relación espacial: no se establece una conexión clara entre los espacios mostrados.
• Espacio idéntico: los planos representan el mismo espacio desde distintos encuadres o puntos de vista.
• Espacio continuo: los planos muestran espacios diferentes pero conectados, creando una sensación de continuidad espacial.
• Espacio discontinuo: los espacios representados no están conectados entre sí, rompiendo la continuidad espacial.

The Haunting of Hill House

En The Haunting of Hill House, el montaje construye una narración compleja basada en la fragmentación temporal y el tiempo desordenado, utilizando constantemente analepsis para alternar entre el pasado y el presente de los personajes.

A nivel espacial, el montaje establece relaciones de espacio discontinuo, ya que se alternan espacios diferentes (la casa en el pasado y los espacios cotidianos en el presente) que, sin embargo, mantienen una fuerte relación emocional y narrativa.

El montaje no busca solo continuidad, sino generar una sensación de inquietud y desorientación en el espectador, reforzando el tono dramático y psicológico del relato.

Olvídate de mí

En Olvídate de mí, la puesta en escena es fundamental para representar los recuerdos, los sueños y la subjetividad del protagonista.

Los decorados, la iluminación y la disposición de los actores cambian constantemente para mostrar la inestabilidad de la memoria. La puesta en escena no busca realismo, sino transmitir un estado mental y emocional, convirtiendo el espacio en un elemento narrativo.

La actuación y el blocking de los actores refuerzan la sensación de intimidad y fragilidad emocional del relato.

Movimientos de cámara

Panorámica → movimiento sobre el eje:

• Panorámica horizontal: giro de la cámara hacia la izquierda o derecha desde un punto fijo. Acompaña el movimiento de un personaje o sigue una acción.
• Panorámica vertical: giro de arriba abajo o viceversa (de los pies a la cabeza).
• Panorámica de balanceo: la cámara gira sobre su eje, inclinándose lateralmente.
• Balanceo: la cámara se mueve de un lado a otro como si se balanceara, sin girar, haciendo un vaivén suave.

Travelling → movimiento del soporte de la cámara:

• Travelling de avance: la cámara se acerca al sujeto.
• Travelling de retroceso: la cámara se aleja del sujeto.
• Travelling vertical ascendente: movimiento hacia arriba (por grúa o drone).
• Travelling vertical descendente: movimiento hacia abajo (sugiere caída).
• Travelling lateral: desplazamiento paralelo al sujeto (acompaña una acción).
• Travelling circular: la cámara rodea al sujeto.
• Zoom: acercamiento o alejamiento de la imagen mediante la lente (cambia el encuadre).