Orígenes y Desarrollo Temprano de la Polifonía

1. El Organum Primitivo: Primeras Manifestaciones Polifónicas

Existen cuatro tipos principales de organum, que marcan los inicios de la polifonía occidental:

• Organum paralelo: Es la forma más antigua. Una segunda voz, denominada voz organal, duplica la melodía gregoriana original (voz principal) a una distancia constante de cuarta o quinta.
• Organum compuesto: Una variante del organum paralelo en la que se añaden una o dos voces más a la octava, enriqueciendo la textura sonora.
• Organum paralelo modificado: Común en el siglo XI. Similar al organum paralelo, pero con la particularidad de que comienza y termina al unísono. Aunque empleaba intervalos de terceras y sextas —considerados disonantes en la época—, su uso era habitual.
• Organum libre (o discantus): También del siglo XI. La voz organal se mueve de manera más independiente que en los tipos anteriores, mostrando una mayor variedad de intervalos. Se conoce también como discantus, término que puede referirse tanto a la técnica compositiva como a la voz misma.

Todos estos tipos iniciales de organum emplean la técnica de nota contra nota.

2. La Escuela de Aquitania: Innovaciones del Siglo XII

Durante el siglo XII, en la región de Aquitania (sur de Francia), emergieron dos técnicas innovadoras que impulsaron el desarrollo polifónico:

• Organum melismático o florido: En esta técnica, la voz principal canta el canto gregoriano con notas de larga duración, mientras que la voz organal realiza melismas elaborados y ornamentados sobre cada nota de la voz principal.
• Discanto desarrollado: Similar al discanto del organum libre, pero con una mayor libertad rítmica y melódica en ambas voces. Esta técnica se caracteriza por el uso de neuma contra neuma.

El género más representativo de esta escuela es el versus, que se compone predominantemente en estilo de discanto desarrollado.

3. La Escuela de Notre Dame de París: La Revolución Polifónica

La Escuela de Notre Dame de París, en el siglo XII, marcó una verdadera revolución musical en el ámbito de la polifonía, sentando las bases para futuras evoluciones:

• Léonin, figura clave de esta escuela, compuso el Magnus Liber Organi, una vasta colección de organum destinada a cubrir todo el año litúrgico. Su generación adaptó las técnicas aquitanas y estableció una clara distinción de secciones dentro del organum:
  • Canto llano (gregoriano): interpretado por el coro.
  • Florido y discanto: interpretados por solistas.
• Pérotin, de la siguiente generación, mejoró y amplió el Magnus Liber, creando cláusulas polifónicas con dos, tres o incluso cuatro voces. Estas cláusulas podían interpretarse de forma independiente.
• A partir de la adición de texto a los melismas superiores de las cláusulas, surgió el motete, un término que posteriormente se aplicó a la obra completa, ya independiente del organum original.
• Otro género importante fue el conductus, similar al versus, compuesto en estilo de discanto, pero con temáticas no litúrgicas: políticas, morales o filosóficas. Fue la primera forma polifónica profana significativa y evolucionó hacia el estilo del Ars Antiqua.

La Música en la Baja Edad Media: Ars Nova y Trecento

4. El Ars Nova: Innovación Rítmica del Siglo XIV

El Ars Nova fue un estilo musical innovador del siglo XIV que introdujo significativos avances técnicos, particularmente en el ámbito rítmico, permitiendo una mayor complejidad y flexibilidad.

Teóricos y Compositores Destacados:

• Philippe de Vitry (autor del tratado Ars Nova)
• Johannes de Muris (autor del tratado Ars Novae Musicae)

Formas Musicales Característicass:

1. Motete isorrítmico: Caracterizado por el uso de color (una melodía repetida) y talea (un patrón rítmico repetido). Compositores clave incluyen a Vitry y Guillaume de Machaut.
2. Canción polifónica profana: Una forma estructurada que se difundió ampliamente hasta el Renacimiento. Los tipos principales son la ballade, el rondeau y el virelai.
3. Misa polifónica: Se desarrolló en varios estilos:
   • Estilo motete: Basado en la estructura de los motetes isorrítmicos.
   • Estilo canción: Fundamentado en melodías de canciones profanas.
   • Estilo simultáneo: Todas las voces cantan el mismo texto de manera homofónica (con el mismo ritmo).

5. El Trecento: El Estilo Italiano del Siglo XIV

El Trecento es el término que designa el estilo musical italiano del siglo XIV, contemporáneo al Ars Nova francés, pero con características propias.

Primera Mitad del Siglo XIV:

• La forma principal fue el Madrigal, que típicamente consta de dos o tres estrofas seguidas de una estrofa final (ritornello). Se caracteriza por dos voces de tesitura similar.
• Compositor destacado: Jacopo da Bologna.

Segunda Mitad del Siglo XIV:

• Predomina la ballata, una forma musical similar al virelai francés.
• Compositor principal: Francesco Landini.

La Música del Renacimiento: Expansión y Consolidación

7. La Evolución del Motete en el Renacimiento

A mediados del siglo XV, el motete experimentó una notable evolución, consolidándose como una de las formas vocales más importantes del Renacimiento:

• Aumento del número de voces, generalmente en latín y con temática religiosa.
• Se mantuvo la isorritmia, con la repetición de la talea, a menudo aplicando la técnica de disminución (reducción proporcional de los valores rítmicos).
• Aunque no era estrictamente litúrgico, comenzó a emplearse en ceremonias religiosas.
• Aparecieron nuevas técnicas compositivas que definirían el estilo renacentista:
  • Homofonía: Todas las voces se mueven con el mismo ritmo, creando una textura más vertical.
  • Uso consonante de terceras y sextas, que antes eran consideradas disonantes, aportando mayor dulzura armónica.
  • Imitación: Una característica clave del Renacimiento. Las voces entran sucesivamente repitiendo el mismo motivo melódico, generando un complejo contrapunto imitativo.

6. Compositores Clave del Renacimiento

El Renacimiento fue una época de florecimiento para la polifonía, con escuelas y compositores influyentes en toda Europa:

La Escuela Franco-Flamenca (Siglo XV):

• Guillaume Dufay
• Johannes Ockeghem

Transición entre los Siglos XV y XVI:

• Josquin des Prez

Italia (Siglo XVI):

• Orlando di Lasso
• Giovanni Pierluigi da Palestrina (especialmente en música religiosa)

España:

• Juan del Encina (música profana, siglo XV)
• Cristóbal de Morales (música religiosa, siglo XVI)
• Francisco Guerrero (música religiosa, siglo XVI)
• Tomás Luis de Victoria (final del Renacimiento)

Final del Renacimiento e Inicio del Barroco:

• Claudio Monteverdi

8. Tipos de Misa en el Renacimiento

La misa polifónica fue una de las formas más importantes y complejas del Renacimiento:

• Misa sobre cantus firmus: A partir de 1420, se compuso como una serie de motetes (Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, Agnus Dei) construidos sobre una melodía base preexistente (el cantus firmus). La textura habitual era de cuatro voces.
• Misa de difuntos o Réquiem: Basada en melodías gregorianas específicas para los oficios de difuntos. Se canta en funerales y conmemoraciones.
• También se compusieron misas originales, sin un cantus firmus preexistente, como la célebre Misa del Papa Marcelo de Palestrina.

9. La Música Instrumental en el Renacimiento

Aunque la música vocal predominó, la música instrumental ganó importancia y desarrolló sus propias formas:

• Adaptaciones vocales: Obras vocales polifónicas que eran arregladas para ser interpretadas por instrumentos o conjuntos instrumentales.
• Danzas: Géneros instrumentales populares, a menudo combinados en pares de danza lenta y rápida:
  • Siglo XV: Basse danse (baja danza).
  • Siglo XVI: Pavana y Gallarda.
  • Final del Renacimiento: Alemana y Courante.
• Piezas improvisatorias: Composiciones que emulaban o se basaban en la improvisación instrumental:
  • Nombres comunes: fantasía, tocata, tiento.
  • Algunas incluían variaciones sobre melodías preexistentes (en España, estas variaciones se conocían como diferencias).

10. El Rol de los Músicos en el Renacimiento

La sociedad renacentina valoraba la música, y los músicos ocupaban diversos roles:

• Ministriles:
  • Músicos al servicio de instituciones públicas (ciudades, cortes).
  • Tocaban principalmente instrumentos de viento/metal (conocidos como instrumentos altos por su volumen).
  • Actuaban en desfiles, ceremonias públicas y eventos festivos.
• Músicos de iglesia:
  • Tocaban instrumentos como cornetas, sacabuches y otros instrumentos de viento.
  • Su función era reforzar o, en ocasiones, sustituir las voces en las obras polifónicas religiosas.
• Músicos de cámara:
  • Actuaban en entornos privados, como las cortes nobles o casas de la alta burguesía.
  • Utilizaban instrumentos más íntimos: flauta de pico, viola da gamba y diversos instrumentos de cuerda pulsada (laúd, vihuela).
  • El violín, inicialmente considerado un instrumento popular, acabó integrándose en los conjuntos de cámara hacia el final del periodo.