Entorno histórico y características generales del arte barroco

Contexto histórico

Surge después del Renacimiento.

En la música, su inicio se sitúa en 1600 (con la primera ópera) y su fin en 1750 (coincidiendo con la muerte de Johann Sebastian Bach).

Este periodo es paralelo a importantes avances en:

• Ciencia: Johannes Kepler, Galileo Galilei, René Descartes, Isaac Newton.
• Política: Thomas Hobbes.
• Economía: Cambios significativos.

El término «Barroco»:

• Originalmente tuvo un uso peyorativo en el siglo XVIII, significando extravagante e irracional.
• Fue revalorizado en el siglo XIX.

El siglo XVII: Crisis y transformaciones

Se caracteriza por una crisis general que abarcó los ámbitos económico, político (con la Guerra de los Treinta Años), demográfico e ideológico.

Hubo un cambio de hegemonía política: de España a Francia.

Luis XIV de Francia utilizó las artes como herramienta para consolidar su poder.

Características del arte barroco

Se produce una ruptura con el equilibrio renacentista, manifestada en:

• El uso de líneas curvas y diagonales.
• Un contraste intenso (claroscuro en pintura, fachadas dinámicas en arquitectura, personajes contrastantes en las artes).
• La expresión intensa de sentimientos (ira, asombro, dramatismo).

El arte barroco estuvo influenciado por acontecimientos religiosos y políticos:

• Fue un arte contrarreformista en Italia y España.
• Sirvió como herramienta del poder estatal en Francia.

Presenta un estilo fastuoso y teatral:

• Su objetivo era ensalzar el poder, ya fuera espiritual o real.
• Busca lo sublime, lo dramático, lo exagerado y lo naturalista.
• El movimiento y la teatralidad son patentes en la arquitectura, la pintura y la literatura.

Difusión y legado

El Barroco se expandió desde Italia a toda Europa y América.

Abarcó todas las clases sociales: realeza, nobleza, clero, burguesía y pueblo.

En la música, destaca el gran desarrollo de la ópera.

Características generales del Barroco musical y su periodización

Concepto y características generales

Dada la diversidad de estilos, es más preciso hablar de «música del periodo barroco» que de un único «estilo barroco».

Origen del término:

• Procede de la Historia del Arte, donde inicialmente tuvo connotaciones negativas (deformidad, confusión).
• Jean-Jacques Rousseau la describió como una música con «melodía áspera, armonía confusa, entonación difícil».

Periodización (según Manfred Bukofzer)

Según la periodización propuesta por Manfred Bukofzer:

• Primer Barroco (1580-1630):

  • Oposición al contrapunto renacentista.
  • Búsqueda de la expresión afectiva en la música.
  • Uso de disonancias con mayor libertad.
  • Diferenciación entre el lenguaje vocal e instrumental.

• Barroco Medio (1630-1680):

  • Desarrollo del bel canto en la ópera y la cantata.
  • Separación clara entre recitativo y aria.
  • Reducción de los modos eclesiásticos a los modos mayor y menor.
  • Equilibrio entre la música vocal e instrumental.

• Barroco Tardío o Final (1680-1730/1750):

  • Desarrollo del estilo concertato y del ritmo mecánico.
  • Tonalidad plenamente establecida.
  • Dominio de la música instrumental sobre la vocal.

Características principales de la música barroca

Textura musical

• Se transita del contrapunto renacentista (predominantemente horizontal) a la textura homofónica (melodía principal con acompañamiento armónico) y a una polifonía renovada.
• El bajo continuo se erige como elemento definitorio, proporcionando la base armónica y un espacio para la improvisación.
• La monodía acompañada (una sola línea melódica con acompañamiento armónico) se convierte en una estructura predominante, especialmente en la música vocal.
• Uso del ostinato (un bajo o motivo melódico repetitivo).

Prima prattica vs. Seconda prattica

• En el Renacimiento (prima prattica o «primera práctica»), la música a menudo dominaba al texto, buscando la perfección formal del contrapunto.
• En el Barroco (seconda prattica o «segunda práctica»), la música sigue la retórica del texto, dando lugar a la Teoría de los afectos (Affektenlehre), donde la música busca expresar emociones y estados de ánimo específicos.
• Se crea el recitativo para dar mayor énfasis, naturalidad y claridad al texto cantado.

Evolución de la armonía

• Se produce el paso de los modos eclesiásticos medievales y renacentistas al sistema de tonalidad (modos mayor y menor).
• Uso de disonancias con mayor libertad expresiva y sin las restricciones preparatorias anteriores.
• Jean-Philippe Rameau, en su Tratado de armonía reducida a sus principios naturales (1722), formaliza la teoría tonal y los conceptos de acorde y sus inversiones.
• J.S. Bach, con El clave bien temperado (Libro I en 1722, Libro II en 1742), demuestra la consolidación y las posibilidades expresivas del sistema tonal y del temperamento igual (o similar).

La ley del contraste

• Se busca la oposición de ritmos, melodías, timbres, dinámicas (fuerte/suave) e instrumentación.
• El estilo concertato explota el contraste entre grupos instrumentales y/o vocales (como en el concerto grosso y el concierto solista).
• Se contraponen ritmos: métricos y regulares (propios de las danzas y las arias) frente a ritmos irregulares y libres (característicos de recitativos, tocatas y preludios).

Ornamentación y virtuosismo

• Uso frecuente y a menudo improvisado de ornamentos como trinos, mordentes, apoyaturas y otros adornos melódicos para embellecer la línea musical.
• El aria da capo (A-B-A’) permite la improvisación y el lucimiento vocal en la repetición de la primera sección.
• Desarrollo del virtuosismo instrumental y vocal, con pasajes de gran dificultad técnica. El estilo galante y rococó, hacia finales del Barroco, refina la ornamentación en la música para clave, especialmente en Francia.

Diversidad estilística nacional

• Se distinguen estilos principales con características propias: italiano (melódico, virtuoso), alemán (contrapuntístico, armónicamente denso) y francés (elegante, ornamentado, con importancia de la danza).
• Estos estilos ejercen influencia en la música inglesa y española, que también desarrollan sus propias particularidades.
• Predominio del estilo italiano en gran parte de Europa hasta el Barroco Tardío, momento en que Alemania, con figuras como Bach y Händel, adquiere una relevancia particular.

La orquesta e instrumentos en el Barroco

Evolución de la música instrumental

En el siglo XVI comienza a desarrollarse la música instrumental solista y de conjunto, emancipándose de la música vocal.

Durante el Barroco, la música instrumental gana una importancia sin precedentes, llegando a igualar e incluso superar a la música vocal en algunos ámbitos y géneros.

Las razones de este auge instrumental incluyen:

• El perfeccionamiento técnico de los instrumentos, especialmente los de tecla (órgano, clave) y cuerda frotada (familia del violín).
• La aparición de nuevas formas musicales específicamente instrumentales (sonata, concierto, suite, fuga, obertura).
• La dedicación de compositores destacados mayormente a la música instrumental (como Girolamo Frescobaldi, Arcangelo Corelli, Antonio Vivaldi, Domenico Scarlatti).
• La creación de agrupaciones instrumentales estables y orquestas (por ejemplo, la Bande des 24 violons du Roi en Francia, o las orquestas de las capillas musicales).

Características generales de los instrumentos barrocos

Los instrumentos solían estar afinados a un diapasón más grave que el actual (el La central podía variar entre aproximadamente 390 Hz y 415 Hz, en contraste con el La = 440 Hz estándar moderno).

El clave (o clavicémbalo, harpsichord) y el órgano son los instrumentos de teclado predominantes.

Familias instrumentales

Cordófonos (instrumentos de cuerda)

Cuerda frotada

• Violín barroco: Presenta diferencias con el violín moderno: cuerdas de tripa (en lugar de metal o sintéticas), menor tensión, un puente más plano y bajo, un mástil más corto y grueso, un diapasón diferente, un arco con forma convexa y madera más ligera. Se tocaba generalmente sin mentonera y con un uso del vibrato más selectivo (como ornamento), lo que resultaba en un sonido más cálido, resonante y menos metálico que el moderno.
• Importantes luthiers (constructores de instrumentos de cuerda):
  • Escuela de Brescia: Gasparo da Salò, Giovanni Paolo Maggini.
  • Escuela de Cremona: Familias Amati (Andrea, Antonio, Girolamo, Nicolò), Stradivari (Antonio), Guarneri (Andrea, Pietro, Giuseppe, Giuseppe ‘del Gesù’).
• Viola da gamba: Familia de instrumentos con trastes y seis o siete cuerdas, tocados verticalmente entre las piernas. Utilizada tanto para el bajo continuo como instrumento solista. Existía una familia completa de tamaños (soprano, alto, tenor, bajo).
• Violonchelo: Inicialmente sin pica (apoyado en el suelo o sujeto entre las piernas), con cuerdas de tripa. Usado en el bajo continuo y como instrumento solista, ganando prominencia a lo largo del periodo.
• Contrabajo (Violone): El miembro más grave de la familia de las cuerdas frotadas, fundamental en el bajo continuo.

Cuerda pulsada

• Laúd: Muy popular al inicio del Barroco, aunque su uso declinó gradualmente.
• Tiorba y Archilaúd: Laúdes de gran tamaño con cuerdas adicionales para los bajos, importantes en el acompañamiento del bajo continuo.
• Guitarra barroca: Con cinco órdenes (pares) de cuerdas, muy popular, especialmente en España e Italia, tanto para rasguear acordes como para música punteada.
• Vihuela: Instrumento español similar al laúd, aunque su apogeo fue en el Renacimiento, su uso persistió a principios del Barroco.
• Clave (clavicémbalo, harpsichord): Instrumento de teclado cuyas cuerdas son pulsadas por plectros (púas). Fundamental para el bajo continuo y como instrumento solista. Muy importante, con destacados clavecinistas especialmente en Francia (Couperin, Rameau) y Alemania (Bach).
• Clavicordio: Instrumento de teclado cuyas cuerdas son percutidas por pequeñas tangentes metálicas. De sonido íntimo y delicado, capaz de matices dinámicos sutiles, ideal para el uso doméstico y el estudio.

Aerófonos (instrumentos de viento)

Viento madera

• Flauta de pico (o flauta dulce, recorder): Muy popular durante todo el Barroco, con una familia completa de tamaños.
• Flauta travesera barroca (traverso): Generalmente de madera y con una sola llave (a veces más hacia finales del periodo), gana popularidad en el siglo XVIII.
• Oboe: Evoluciona de la chirimía renacentista, convirtiéndose en un instrumento esencial en la orquesta y como solista.
• Fagot: Sucesor del bajón (dulcian), utilizado frecuentemente en la línea del bajo continuo y como instrumento solista.
• Cornetto (corneta renacentista) y serpentón: Instrumentos de madera con boquilla (el cornetto) o forma de serpiente (el serpentón), en declive pero aún usados a principios del Barroco, especialmente en música sacra.

Viento metal

• Trompeta natural: Sin pistones ni válvulas, su repertorio se basaba en la serie de armónicos naturales, especialmente en el registro agudo (clarino).
• Trompa natural: Similar a la trompeta en cuanto a la ausencia de válvulas, utilizada en música de caza y cada vez más en la orquesta.
• Trombón (sacabuche): Utilizado desde el Renacimiento, presente en música sacra, ceremonial y en conjuntos instrumentales.

Instrumentos de teclado (además de clave y clavicordio)

• Órgano: Instrumento fundamental en la música religiosa y también en conciertos. Experimentó grandes desarrollos constructivos, especialmente en el área germánica, con múltiples teclados manuales (hasta cuatro o cinco) y un pedalero completo.

Percusión

• Timbales (kettledrums): Usados en pares y afinados, principalmente en música orquestal festiva, militar o ceremonial por compositores como Jean-Baptiste Lully, Henry Purcell, J.S. Bach y Georg Friedrich Händel.
• Otros instrumentos de percusión (tambores, panderetas, triángulos, etc.) tenían un uso más limitado en la música de concierto, apareciendo ocasionalmente para efectos especiales o en música de carácter popular o exótico.

Formación orquestal

La orquesta barroca no estaba estandarizada como la orquesta clásica posterior, pero su núcleo estaba mayoritariamente compuesto por instrumentos de cuerda:

• Sección de cuerdas: Primeros y segundos violines, violas, violonchelos y contrabajos (violone).
• Bajo continuo: Interpretado por una combinación de instrumentos armónicos (clave, órgano, laúd, tiorba) e instrumentos melódicos graves (violonchelo, viola da gamba, fagot) que realizaban la línea del bajo y los acordes improvisados o escritos.
• Instrumentos de viento: Se añadían según la obra y la ocasión, siendo comunes flautas, oboes, fagotes, y en contextos más solemnes, trompetas y timbales.

Los instrumentos solistas más habituales en los géneros concertantes eran:

• Concierto para solista: El violín fue el instrumento predominante, aunque también se escribieron numerosos conciertos para flauta (de pico o travesera), oboe, fagot, violonchelo, trompeta, clave, órgano, etc.
• Concerto grosso: La combinación más común para el concertino (grupo de solistas) era de dos violines y violonchelo, más el bajo continuo. No obstante, esta formación era variable y podía incluir otros instrumentos como flautas u oboes.

Géneros musicales del Barroco

Géneros vocales profanos

• Ópera: Drama musical enteramente cantado y representado escénicamente, con vestuario y decorados. Surgió en Italia alrededor de 1600. Sus partes musicales incluyen:
  • Recitativo: Declamación melódica que imita el ritmo y las inflexiones del habla, utilizado para hacer avanzar la acción dramática. Puede ser secco (acompañado solo por el bajo continuo) o accompagnato (con acompañamiento orquestal).
  • Aria: Pieza lírica para solista, expresiva y a menudo virtuosística, donde se detiene la acción para explorar un sentimiento o estado de ánimo. La forma aria da capo (A-B-A’) fue predominante.
  • Arioso: Estilo intermedio entre el recitativo y el aria, más melódico que el primero pero menos formal que la segunda.
  • Coros: Intervenciones del conjunto vocal, representando multitudes, comentando la acción, etc.
  • Partes orquestales: Oberturas (pieza introductoria), interludios, sinfonías (breves piezas instrumentales entre escenas) y danzas.
• Ópera cómica (surgida en el siglo XVIII): Con argumento de carácter costumbrista, satírico o paródico, personajes más realistas y, a menudo, con diálogos hablados alternando con números musicales (ej. opera buffa en Italia, opéra-comique en Francia, Singspiel en Alemania).
• Ballet de Cour (Ballet de corte): Espectáculo cortesano francés que combinaba música, danza, poesía y elaborados diseños escénicos.
• Comédie-Ballet: Género francés que mezcla teatro hablado (comedia) y ballet (intermedios danzados), fruto de la colaboración entre el dramaturgo Molière y el compositor Jean-Baptiste Lully.
• Tragédie Lyrique (Tragedia lírica): Género operístico francés creado por Jean-Baptiste Lully, caracterizado por su grandiosidad, temas mitológicos o heroicos, la importancia de la declamación del texto francés, y la inclusión de extensos divertimentos con coros y danzas.
• Masque: Género de entretenimiento cortesano inglés que combinaba poesía, música vocal e instrumental, danza, canto y actuación, a menudo con alegorías mitológicas y espectaculares efectos escénicos.
• Zarzuela: Género escénico español que alterna partes cantadas con partes habladas, con argumentos que pueden ser serios, cómicos o mitológicos.
• Cantata profana: Composición vocal para una o más voces solistas con acompañamiento instrumental (generalmente bajo continuo y algunos instrumentos adicionales). Similar a una pequeña escena de ópera, pero más breve y sin escenificación, destinada a ser interpretada en concierto o en salones privados.

Géneros vocales religiosos

• Oratorio: Drama musical de tema religioso (generalmente del Antiguo Testamento o vidas de santos), interpretado en concierto sin representación escénica, vestuario ni decorados. Utiliza recitativos, arias, coros y partes orquestales, similar a la ópera.
• Pasión: Tipo específico de oratorio con temática sobre la Pasión y Muerte de Cristo, según los relatos de los Evangelios.
• Cantata religiosa: Composición vocal sacra, más breve que el oratorio, a menudo utilizada como parte de la liturgia protestante luterana (especialmente las de J.S. Bach, que compuso ciclos completos para los domingos y festividades del año litúrgico). También existen cantatas religiosas católicas.
• Otros géneros litúrgicos: Misas (composiciones sobre el ordinario de la misa católica), motetes (composiciones polifónicas sobre textos religiosos, generalmente en latín), Te Deum (himno de alabanza), Magnificat (cántico de la Virgen María), Lamentaciones (sobre textos del profeta Jeremías para Semana Santa).

Géneros de música instrumental

Géneros contrapuntísticos y de estilo improvisatorio:

• Las formas renacentistas como la canzona (de carácter vivo y seccional) y el ricercare (de estilo imitativo y más austero) evolucionan hacia la fuga.
• Tocatas, preludios y fantasías: Piezas de carácter rapsódico e improvisatorio, a menudo para instrumentos de teclado (órgano, clave), que permiten al intérprete mostrar su virtuosismo y habilidad compositiva.

Géneros basados en variaciones:

• Passacaglia y Chacona: Formas de variación continua sobre un bajo ostinato (un breve motivo melódico-armónico repetido en el bajo) o una secuencia armónica recurrente.
• Corales luteranos y sus elaboraciones: El coral armonizado (melodía de himno con armonía a cuatro voces), la partita coral (serie de variaciones sobre una melodía coral) y el preludio coral (pieza introductoria para órgano, basada en una melodía coral, destinada a preceder el canto congregacional).

Suite:

• Sucesión de danzas estilizadas, generalmente en la misma tonalidad y contrastantes en carácter y tempo. El núcleo básico suele incluir: allemande (alemana, moderada), courante (francesa, rápida; o italiana, también rápida), zarabanda (española, lenta y solemne) y giga (inglesa/irlandesa, rápida y vivaz). A estas se podían añadir otras danzas opcionales como el minueto, gavota, bourrée, passepied, rigaudon, o una pieza introductoria como un preludio u obertura.

Sonata:

• Composición instrumental para uno o varios instrumentos (generalmente de una a cuatro partes), estructurada en varios movimientos contrastantes.
• Sonata da camera (sonata de cámara): De carácter similar a una suite de danzas, con movimientos titulados a menudo con nombres de danzas.
• Sonata da chiesa (sonata de iglesia): Originalmente destinada a la iglesia, generalmente con una estructura de cuatro movimientos: lento-rápido (a menudo fugado)-lento (cantabile)-rápido (vivo).
• Trío-sonata (sonata a tre): Escrita para dos líneas melódicas superiores (ej. dos violines, dos flautas, o violín y flauta) más el bajo continuo (interpretado por un instrumento melódico grave como el violonchelo o la viola da gamba, y un instrumento armónico como el clave u órgano). A pesar del nombre, suele requerir cuatro intérpretes.
• Sonata para instrumento solista: Para un instrumento melódico (ej. violín) con bajo continuo, o para un instrumento de teclado solista (ej. sonatas de Scarlatti para clave).

Fuga:

• Forma (y también técnica) contrapuntística imitativa por excelencia del Barroco, basada en un tema principal llamado sujeto, que es presentado sucesivamente por diferentes voces o partes instrumentales. La primera entrada del sujeto es seguida por una respuesta (el mismo tema transportado a otra tonalidad, usualmente la dominante). La fuga se desarrolla a través de exposiciones (donde todas las voces presentan el sujeto o la respuesta) y episodios (secciones de desarrollo contrapuntístico, a menudo utilizando motivos derivados del sujeto).

Obertura:

• Pieza instrumental que sirve de introducción a una obra más extensa (ópera, oratorio, suite, ballet).
• Obertura francesa: Popularizada por Lully. Estructura tripartita: Lento (con ritmos punteados majestuosos) – Rápido (de estilo fugado o imitativo) – Lento (a veces una breve recapitulación de la primera sección o una danza lenta).
• Obertura italiana (también llamada sinfonia): Popularizada por Alessandro Scarlatti. Estructura tripartita: Rápido – Lento – Rápido (a menudo con carácter de danza). Considerada una importante precursora de la sinfonía clásica.

Concierto:

• Composición que explota el principio del contraste entre diferentes timbres, sonoridades y masas instrumentales.
• Concerto grosso: Contrapone un pequeño grupo de solistas llamado concertino o soli (frecuentemente dos violines y violonchelo, más bajo continuo) al resto de la orquesta, llamado ripieno o tutti.
• Concierto solista: Un único instrumento solista dialoga, contrasta y se luce frente a la orquesta (tutti). Generalmente consta de tres movimientos: rápido-lento-rápido. El violín fue el instrumento solista más popular, pero se escribieron conciertos para una gran variedad de instrumentos.