Creatividad y Práctica Artística

4.1. La creatividad: fundamentos teóricos y beneficios en Educación Primaria

¿Qué es una persona creativa? Angélica Sátiro sostiene que la capacidad creativa no se limita al arte, sino que la podemos encontrar en la vida cotidiana y en otras áreas del conocimiento. Esta capacidad debe estar siempre despierta: no debemos seguir siempre el mismo patrón y es necesario romper la monotonía.

Crear es generar más, nuevas y mejores ideas con valor. La creatividad es una capacidad que se puede trabajar y no existen personas no creativas, pues todos podemos desarrollarla.

La palabra “creatividad” procede del latín y está relacionada con la idea de engendrar, tener hijos y crecer. La RAE la define como la facultad de crear. Crear significa producir algo nuevo, producir algo de la nada.

La creatividad se entiende a la vez como un proceso y como un resultado que implica originalidad, utilidad y adaptación al contexto. De ahí la fórmula que aparece en los textos: Creatividad = proceso = resultado (originalidad + utilidad + adaptación al contexto).

Es la capacidad de producir ideas, soluciones o productos novedosos y apropiados para un contexto determinado, y requiere imaginación, pensamiento crítico y habilidades de resolución de problemas.

Esta facultad puede manifestarse en cualquier área del conocimiento o de la experiencia humana.

1. Fundamentos teóricos de la creatividad

• 1. Proceso social y cultural: La creatividad es un proceso social y cultural que se relaciona con Vygotsky, quien afirma que los niños aprenden mejor cuando juegan en común, comparten experiencias y se expresan en contextos colaborativos. En estos entornos donde se trabaja en comunidad, el aprendizaje es más eficaz porque implica participación activa, interacción y construcción conjunta. Además, se aprende mejor cuando experimentamos, investigamos y descubrimos por nosotros mismos que cuando simplemente reproducimos respuestas ya hechas.
• 2. Parte fundamental del aprendizaje activo y constructivo: La creatividad forma parte de un aprendizaje dinámico en el que el alumno experimenta, explora e investiga. No es un proceso pasivo, sino participativo: aprendemos con más eficacia cuando producimos, investigamos y creamos, en lugar de recibir información de manera mecánica. Este tipo de aprendizaje favorece la autonomía y la capacidad de construir significados propios.
• 3. Identificación y resolución de problemas: Ser creativo implica flexibilidad cognitiva, originalidad y capacidad para elaborar ideas desde distintas perspectivas. Esto permite afrontar problemas de forma alternativa y generar respuestas novedosas. La creatividad se manifiesta cuando transformamos una situación para encontrar soluciones diferentes, gracias a la capacidad de analizar el problema desde múltiples ángulos.
• 4. Recombinación y reestructuración de conocimientos existentes: La creatividad no consiste en producir algo de la nada, sino en combinar, reorganizar o reinterpretar conocimientos previos. Siempre creamos desde ideas ya existentes, que reestructuramos para generar algo nuevo, significativo o diferente. Por ello es importante romper el tópico de que crear equivale a inventar desde cero.
• 5. Diversas formas según capacidades y talentos individuales: La creatividad se expresa de maneras diversas según las capacidades y talentos de cada persona. Gardner, con su teoría de las inteligencias múltiples, explica que se puede ser creativo desde cualquiera de estas inteligencias y aplicarla en distintos campos del conocimiento. La creatividad no está asociada a un único hemisferio cerebral; surge del diálogo entre ambos, y el producto creativo aparece gracias a esta conexión conjunta.
• 6. Depende de la motivación intrínseca: La creatividad se potencia cuando existe un interés personal en la actividad. La motivación intrínseca, junto con la autonomía, la curiosidad y la expresión subjetiva, favorece que el individuo se implique profundamente. Por ello, es fundamental que el docente genere situaciones que despierten el interés real del alumno y fomenten un clima donde explorar y crear sea significativo.
• 7. Forma de inteligencia que incluye el pensamiento divergente: La creatividad es una forma de inteligencia caracterizada por el pensamiento divergente, es decir, la capacidad de generar múltiples ideas, explorar caminos alternativos y ofrecer diversas soluciones a un mismo problema. Implica no quedarse con la primera respuesta, sino abrir distintas posibilidades, ampliando la capacidad de análisis y de búsqueda de alternativas.
• 8. Equilibrio entre dificultad y habilidad del individuo: La creatividad aparece con mayor fuerza cuando la tarea presenta una dificultad ajustada a las capacidades del individuo. Cuando el reto y la habilidad están en equilibrio, la persona puede alcanzar el estado de flow (flujo), en el que se concentra profundamente y pierde la noción del tiempo y del esfuerzo. A veces nos implicamos tanto en una tarea creativa que dejamos de percibir la energía y el tiempo invertidos debido a esa profunda inmersión.

1. Beneficios de la creatividad en Educación Primaria

1. Fomenta el pensamiento crítico y la resolución de problemas: La creatividad impulsa a los niños a cuestionar, investigar y explorar ideas desde distintos puntos de vista. Esta capacidad de analizar la información desde múltiples perspectivas les permite ofrecer respuestas bien fundamentadas, comprender el entorno de manera más profunda y afrontar desafíos con una mentalidad abierta y flexible. También favorece la generación de alternativas y soluciones diversas ante un mismo problema, fortaleciendo así el pensamiento crítico.
2. Favorece la inteligencia y el bienestar emocional: La creatividad contribuye al desarrollo de la inteligencia emocional al permitir que los niños expresen sus emociones y sentimientos. Este proceso de exteriorización promueve la confianza, la autoestima y la motivación, ya que los alumnos pueden sorprenderse a sí mismos con sus creaciones, sentirse capaces y valiosos en distintas áreas del conocimiento. Además, la actividad creativa funciona como un canal de regulación emocional y bienestar, al ofrecer espacios de exploración personal y expresión significativa.
3. Desarrolla habilidades sociales: Las actividades creativas, que con frecuencia se realizan en equipo, ayudan a los niños a dialogar, comunicarse, colaborar y respetar las ideas de los demás. Estos procesos colaborativos fomentan actitudes como la empatía y la cooperación, y fortalecen la resiliencia, ya que suelen implicar la superación de obstáculos y la búsqueda conjunta de soluciones. La creatividad, además, no debe limitarse al área de Educación Artística, sino integrarse en proyectos interdisciplinares que conecten distintas áreas del conocimiento y promuevan aprendizajes sociales más amplios.

Ejemplos de estrategias didácticas para fomentar la creatividad

1. Lluvia de ideas (brainstorming)

La lluvia de ideas consiste en generar la mayor cantidad posible de propuestas sin juzgarlas, permitiendo que los estudiantes se relajen, abran la mente y activen la memoria visual. Esta técnica fomenta el pensamiento divergente y la espontaneidad, creando un ambiente que facilita unir elementos en común y remover ideas entre todos. Al compartir las ideas en grupo, estas se enriquecen y generan asociaciones nuevas que difícilmente surgirían de manera individual. Es especialmente útil para iniciar proyectos, planificar actividades o resolver problemas creativos.

2. Experimentos visuales

Los experimentos visuales permiten que los alumnos expresen sentimientos e ideas mediante el uso libre de diferentes técnicas, materiales, colores, texturas y formas. Su esencia está en promover la exploración sin miedo al error, ya que la creatividad se fortalece cuando el estudiante experimenta sin presión. Estas actividades estimulan la imaginación, la percepción visual y la búsqueda de soluciones personales. Entre los ejemplos posibles se encuentran pintar con objetos no convencionales, mezclar técnicas artísticas como acrílico y collage, o intervenir fotografías con materiales diversos.

3. Retos en equipo

Los retos en equipo consisten en proponer misiones creativas que deben resolverse colectivamente y que pueden aplicarse en cualquier área del conocimiento. Un ejemplo es el reto en el que un maestro pide a su alumnado sacar un huevo de un vaso sin derramar el agua. Este tipo de actividades favorece la cooperación, la escucha activa y la integración de ideas diversas. Además, desarrollan el pensamiento lateral, ya que el grupo debe encontrar soluciones imaginativas empleando recursos limitados. También fortalecen la resiliencia, porque suelen requerir negociación y la superación de obstáculos para alcanzar un objetivo común.

4. Collages temáticos

Los collages temáticos parten de un tema concreto y se elaboran utilizando diversos materiales como imágenes de revistas, periódicos o impresiones. Esta estrategia fomenta la capacidad de establecer relaciones visuales, organizar elementos y construir significados coherentes a partir de una selección consciente de imágenes. Además, invita a reflexionar sobre las elecciones realizadas y a interpretar críticamente los elementos incluidos. Los collages permiten trabajar la creatividad mediante la combinación de materiales diferentes y favorecen la expresión personal desde múltiples perspectivas.

La práctica artística y los métodos de representación

La práctica artística y los métodos de representación se centran en la transformación creativa, es decir, en convertir los contenidos privados de la conciencia en formas públicas y visibles que puedan ser compartidas, conocidas y trabajadas por otras personas. Representar significa expresar públicamente, mediante imágenes y dentro de las limitaciones y oportunidades de cada forma artística, aquellos conceptos internos que deseamos exteriorizar. Este proceso no implica solo la exploración de las ideas del artista, sino también la interpretación y experiencia de quienes observan la obra. Así ocurrió, por ejemplo, en actividades como la instalación artística, donde nuestras interpretaciones se transforman en elementos públicos compartidos. En la historia del arte, artistas como Frida Kahlo, Diego Rivera, Maruja Mallo, Francis Bacon o Constantin Brancusi —autor de El beso— han trabajado intensamente estas prácticas de representación.

El acto de representación está compuesto por cuatro procesos cognitivos: inscripción, revisión, comunicación y sorpresa, que no siguen una secuencia necesariamente lineal.

• La inscripción: consiste en estabilizar el concepto inicial en una forma concreta que permita entablar un diálogo con él. Implica captar la idea que tenemos en la mente y proyectarla en un soporte material, convirtiéndonos en los primeros espectadores de la obra. Aquí se decide qué incluir o excluir, y se realiza la primera expresión visible del pensamiento.
• La revisión: implica trabajar estas inscripciones para que alcancen la calidad, precisión, atractivo visual e influencia que deseamos. En esta fase analizamos críticamente la obra, replanteamos sus cualidades, ajustamos su dimensión, enfoque y tamaño, pero aún sin fijar su forma definitiva.
• La comunicación: representa la transformación final de la idea en una forma pública definitiva. Este paso es esencial para el desarrollo cultural, ya que permite que los miembros de una comunidad compartan elementos comunes y crezcan culturalmente. A través de esta fase, la obra —ya sea un cuadro, una escultura u otra forma— se convierte en aquello que su autor quiere ofrecer al mundo.
• La sorpresa: constituye una fuente de satisfacción y aprendizaje. Surgen elementos inesperados que no estaban previstos inicialmente, pero que enriquecen la obra y revelan posibilidades nuevas. Estas sorpresas funcionan como recompensa creativa y amplían la comprensión del propio proceso artístico.

1. Tres métodos de representación

• El método mimético: se basa en la creación de formas que se parecen a la realidad que se desea representar. Su criterio principal de valoración es la correspondencia entre la representación y la realidad. La mimesis, entendida como similitud o copia, tiene sus raíces en la filosofía griega, donde se valoraba la capacidad de reproducir la naturaleza, como en la construcción de viviendas o en la observación de formas naturales. Muchos niños poseen la capacidad de mimesis, ya que buscan crear una imagen específica y general al mismo tiempo. Ejemplos contemporáneos incluyen esculturas hiperrealistas, como las de Ron Mueck, que buscan reproducir la realidad con gran fidelidad.
• El método expresivo: se centra en transmitir sensaciones, emociones o sentimientos mediante composiciones que no se ajustan exactamente a la realidad. Aquí se representa el movimiento, se producen distorsiones de la anatomía o se emplean técnicas abstractas, como las obras de Jackson Pollock y la escuela de Nueva York, donde el dripping permite dejar gotas de pintura para generar composiciones abstractas que evocan emociones. Este método enfatiza la expresión subjetiva más que la semejanza con la realidad.
• El método de signos convencionales: utiliza formas e imágenes acordadas socioculturalmente que no necesariamente se corresponden con la realidad ni son expresionistas. Su significado depende del contexto cultural en el que se usen. Por ejemplo, una bandera en Estados Unidos simboliza patriotismo y orgullo nacional, mientras que en Afganistán puede representar opresión. Este método demuestra que la interpretación de las representaciones está condicionada por normas y acuerdos sociales específicos.