Características de la Arquitectura Barroca según Paolo Portoghesi

A través de ejemplos, se desarrollan a continuación las características de la arquitectura barroca según el teórico Paolo Portoghesi. En al menos una de estas características, se compara su expresión en una obra europea y una americana.

1. El Culto al Infinito y al Dinamismo

El Barroco está unificado por el culto al infinito, a la lejanía y a la relatividad del espacio. La arquitectura utiliza procedimientos específicos para infundir el sentido de infinitud en el fragmento, como la curvatura, los artificios perspectivos y el mecanismo proporcional.

• Ejemplo Europeo: Francesco Borromini

  Sus composiciones espaciales son ingeniosas y sus formas están en constante movimiento. El perfil sinusoidal que guía el muro es una característica lingüística del Barroco romano. En San Carlo alle Quattro Fontane (Roma), la fachada juega con la proyección hacia afuera de forma convexa y las alas de forma cóncava. En el interior, su cúpula elíptica posee una geometría sinuosa donde las líneas se entrelazan, haciendo que la mirada no se detenga. Borromini no busca concluir el edificio, sino continuarlo indefinidamente en el espacio.

2. El Ilusionismo Óptico y la Percepción

Se promueven los valores ópticos hasta otorgarles un papel estructural en la obra. La percepción concreta se filtra a través de la apariencia óptica, poniendo en crisis la teoría clásica de las proporciones.

• Ejemplo Europeo: Gian Lorenzo Bernini

  La arquitectura ilusionista es evidente en la Galería y el Trompe-l’oeil del Palacio Spada (Roma), obra de Bernini.

3. El Lenguaje Popular y Colectivo

El Barroco romano fue una arquitectura ciudadana que buscó una resonancia profunda en todas las personas. Los arquitectos barrocos apuntaban a los valores colectivos, al enriquecimiento del escenario urbano y al diálogo de las unidades edilicias.

• Ejemplo Europeo

  La Plaza de San Pedro en Roma, obra de Bernini, ejemplifica cómo el valor monumental tiende a salir del edificio y extenderse a la ciudad, buscando el ideal de la ciudad monumental. El pórtico elíptico elimina la importancia de la fachada y la transforma en un simple diafragma con respecto a la cúpula, exaltando la idea de monumento.

• Ejemplo Iberoamericano

  En América, el Barroco fue un arte de fuerte impronta popular, un canal en el que se manifestaron las formas de pensar y sentir de los sectores procedentes de las antiguas culturas americanas. El Barroco americano fue la expresión de una modalidad cultural que se entronca fuertemente con los modos de vida y creencias de la sociedad.

4. El Papel de la Técnica y la Forma como Factor de Autonomía

Portoghesi destaca cómo la técnica y la forma arquitectónica dejan de ser meros soportes del lenguaje clásico y se convierten en factores autónomos, capaces de determinar los valores del espacio.

• Ejemplo Europeo: Francesco Borromini

  Borromini representa la «Arquitectura de determinación formal», que se rebela contra la aceptación del repertorio clásico como canónico. Utiliza el ladrillo, un material que busca ser extremadamente dúctil y sensible a su modelación lineal. Borromini convierte el modelado de los miembros arquitectónicos y el diseño del orden en una función de las condiciones de luz, buscando la evidencia del valor de espiritualidad del proceso diseño-construcción en su continuidad. En San Ivo alla Sapienza, Borromini interpreta la ambientación espacial a través de la contraposición de ciertas directrices espaciales, evitando la monumentalidad en el sentido berniniano y buscando desarrollar la forma arquitectónica como un ritmo animado de líneas y planos luminosos que se extiende indefinidamente.

El Espacio en el Renacimiento y el Manierismo según Arnold Hauser

Mientras que en el Renacimiento el espacio es el protagonista, caracterizado por la unidad de la escena, la conexión de la composición y la lógica de las relaciones espaciales, en el Manierismo pierde esta prevalencia, aunque no queda desposeído de todo valor. El Manierismo adopta una actitud ambivalente frente al espacio: en ocasiones, lleva los efectos espaciales al extremo, mientras que en otras, los minimiza o los hace desaparecer. El sistema renacentista de proporciones, simetría y perspectiva buscaba conseguir efectos espaciales unificados; en contraste, el Manierismo lleva a la total destrucción de esta estructura, desintegrando la escena y fragmentando el espacio, organizándolo internamente de modos diversos.

El Uso de la Luz Natural en la Arquitectura Religiosa

A continuación, se describen las características de la luz en la arquitectura religiosa gótica, renacentista y barroca, teniendo en cuenta las fuentes lumínicas, los materiales, las características de los muros y el significado simbólico en cada contexto.

I. Arquitectura Religiosa Gótica

Fuentes de Luz y Materialidad del Muro

La característica primordial de la arquitectura gótica es la transformación del muro. Este se reduce a un mero esqueleto que sacrifica su carácter de masa, ya que el soporte estructural se traslada hacia el exterior (mediante arbotantes y contrafuertes), volviéndose invisible desde el interior. Esto permite que el muro pierda su papel estructural y sea sustituido por vidrieras, transformando el interior en un ámbito de luz sobrenatural.

• El Claristorio: Las altas ventanas del claristorio, un tercer cuerpo recubierto de grandes ventanales, son la principal fuente de luminosidad. En obras como la Catedral de Chartres, las ventanas se extienden a lo largo de toda la pared como nunca antes se había hecho.
• Rosetones y Vitrales: El rosetón, un elemento de iluminación circular, forma el marco sombrío para los conmovedores vitrales de llameantes colores. La ventana misma se capta como fuente de luz.
• Cualidad de la Luz: La luz gótica es una luz «no natural», que se describe como de colores oscuros, entre el rojizo y el violáceo.

Significado de la Luz: Religioso y Trascendental

• Poder de Culto y lo Sobrenatural: La luz se considera una «potencia del culto». Esta luz «no natural» impresiona como «sobrenatural», oponiéndose a la lobreguez de cripta, característica del estilo románico.
• Contemplación y Fervor: El espacio, lleno de luz irreal y resplandeciente de color, responde al anhelo de contemplación.
• Verticalidad e Ingravidez: La luz contribuye a la sensación de elevación e ingravidez del espacio interior gótico, que busca negar la gravedad para realizar el milagro de un espacio que está por encima del mundo.

II. Arquitectura Religiosa Renacentista

Fuentes de Luz y Materialidad del Muro

Busca la claridad espacial y se basa en la racionalización de la visión en perspectiva. La luz es utilizada para resaltar las formas geométricas simples y la armonía matemática.

• Muros y Materiales: Los muros son activos. Se emplea la bicromía (blanco del enlucido y gris de la piedra) para resaltar los elementos constructivos y el orden.
• Fuentes de Luz Directa: La luz es natural y directa. En los templos, los espacios son diáfanos, claros y uniformemente iluminados.
• Elementos de Apertura: Se utilizan ventanas rectangulares y arcos de medio punto que permiten una iluminación adecuada. Sobre el crucero, la iluminación es más fuerte gracias a una gran cúpula.

Significado de la Luz: Humanismo y Racionalidad

• Racionalidad y Claridad: La luz es neutra, su función es iluminar. Los espacios se ven tal cual son. La luz clara y natural invita a contemplar la geometría de las formas.
• El Hombre como Centro: El uso de luz clara y un espacio perfectamente mensurable permite que el observador se convierta en «la medida de todas las cosas», estableciendo una escala humana.

III. Arquitectura Religiosa Barroca

Fuentes de Luz y Materialidad del Muro

El Barroco es un arte total que busca conmover y persuadir a través de la teatralización y la ilusión óptica.

• Muros y Estructura: Se utiliza el ilusionismo para esconder la estructura. Materiales como el estuco se usan para crear una masa uniforme y compacta.
• Fuentes de Luz Estratégica: La luz es natural pero difusa y se coloca en lugares estratégicos para lograr efectos especiales.
• Iluminación Oculta: Un recurso característico es la fuente oculta de luz. El uso de óculos muy pequeños en cúpulas (ej. Sant’Andrea al Quirinale) ayuda a ocultar la fuente de luz.
• Claroscuro: Se le da gran importancia a los efectos luminosos a través del claroscuro.

Significado de la Luz: Teatralidad y Emoción

La luz se convierte en un instrumento teatral y narrativo para apelar a las emociones y expresar el infinito.

• Teatralidad y Persuasión: La luz debe ser emotiva, eficaz y teatral. Sirve para conmover y persuadir al observador, dramatizando el espacio.
• Ilusión e Infinitud: La luz tiene un papel estructural al promover la ascensión de los valores ópticos. El uso del claroscuro genera la pérdida de los límites y la sensación de infinitud, creando un espacio ficticio.

Grandes Maestros del Renacimiento y su Relación con la Antigüedad

La producción arquitectónica de Filippo Brunelleschi, Leon Battista Alberti y Donato Bramante fue fundamental en el proceso de transformación de la cultura arquitectónica del Renacimiento, cada uno con una posición particular frente a la antigüedad clásica.

Filippo Brunelleschi (Alto Renacimiento)

Buscó relaciones directas con modelos clásicos, estudiando la distribución y construcción romanas, pero sin reproducirlas miméticamente. Utilizó la métrica, la simetría, el ritmo, la modulación y la repetición.

• Aportes: Inventó la perspectiva lineal.
• Obras destacadas: La cúpula de Santa María del Fiore (Florencia), considerada el inicio del Renacimiento e inspirada en el Panteón de Roma, y el Hospital de los Inocentes, donde utiliza columnas corintias, arcos de medio punto y frontones rectangulares.

Leon Battista Alberti (Alto Renacimiento)

Abordó el estudio de la antigüedad con un rigor más académico que Brunelleschi, basándose en el tratado de Vitruvio. Fue el primero en adaptar el arco del triunfo romano a la arquitectura religiosa.

• Aportes: Profundizó en el estudio de los órdenes clásicos, incluyendo el orden Compuesto (combinación de jónico y corintio).
• Obras destacadas: La fachada de San Francisco en Rímini (adaptación del arco del triunfo) y el Palacio Rucellai (articulación del muro mediante la superposición de tres órdenes, con cornisas y pilastras verticales).

Donato Bramante (Pleno Renacimiento)

Ya en Roma, buscó la expresión ideal del volumen renacentista y del concepto ideal del espacio.

• Obras destacadas: El Templete de San Pietro in Montorio, una obra más escultórica que arquitectónica que utiliza el orden dórico-toscano sin ornamento, destacando la belleza de las proporciones. También proyectó la nueva Basílica de San Pedro con un sistema centralizado, rompiendo con la tradición de plantas longitudinales.

El Manierismo y la Obra de Andrea Palladio en el Véneto

El Manierismo surge en el siglo XVI como una reacción al ideal de belleza clasicista del Renacimiento, explorando la subjetividad, la tensión y la complejidad formal. En este contexto se desarrolla la experiencia del Véneto, donde destaca la figura de Andrea Palladio.

La Experiencia del Véneto y los Aportes de Andrea Palladio

• Contexto: Andrea Palladio pasó parte de su vida en Vicenza y Roma, estudiando y utilizando el lenguaje clásico de manera articulada y elocuente.
• Aporte Teórico: Su obra escrita más importante fue Los cuatro libros de la arquitectura, donde mostró detalles de elementos arquitectónicos y sus famosas villas.
• Obra Clave: Villa Capra o La Rotonda (1566):
  • Sincretismo Manierista: Utilizó elementos clásicos como la simetría y la proporción, pero su esencia manierista reside en la aplicación exagerada de elementos propios de un templo (cúpula, pórtico de estilo griego) a una residencia privada.
  • Organización: La planta tiene forma de cruz griega inscrita en un cuadrado. El cuadrado representa lo terrenal y la cúpula central, lo espiritual.
  • Volumetría y Efecto: Presenta una forma de cubo, elevada sobre un gran basamento con escalinatas. Sus cuatro fachadas son idénticas y monumentales, apuntando a los puntos cardinales, lo que genera una singular desorientación en el visitante que intenta determinar la entrada principal.

El Barroco Italiano: Aportes de Bernini y Borromini

El Barroco italiano se desarrolló en un contexto de reafirmación católica (la Contrarreforma), buscando un arte que impactara y conmoviera a los fieles. La teoría de Kepler sobre las órbitas elípticas influyó en la inclusión de curvas cóncavas y convexas para crear movimiento y dramáticos efectos de luz y sombra. El objetivo era crear obras ilusionistas para que el espectador se sintiera partícipe de la gloria divina. Se caracteriza por el uso de materiales llamativos (mármoles de colores, dorados) y la integración de las artes (pintura, escultura) hasta confundir lo real y lo irreal.

Gian Lorenzo Bernini

En San Andrés del Quirinal, utiliza una planta elíptica con una fachada convexa proyectada hacia afuera con brazos cóncavos. La cúpula expresa la ascensión hacia la luz mediante rayos y una fuente de luz oculta para lograr efectos escenográficos. Emplea mármoles coloridos, dorado y estuco. Introduce la entrada por el eje menor, otorgando un mayor protagonismo urbano. El interior es una planta centralizada que dirige la vista hacia el altar.

Francesco Borromini

En el Claustro y Dormitorio de San Carlos de las Cuatro Fuentes, el claustro presenta esquinas sin ángulos rectos y columnas en diagonal, creando un ritmo de formas cóncavas y convexas. La nave tiene una cúpula elíptica con un complejo juego de formas y contra-formas. Los muros con ondulaciones generan un gran dinamismo. El espacio se lee como una unidad total donde la luz altera la percepción de la realidad y marca la profundidad.

Diferencias Clave entre Bernini y Borromini

Bernini fue el gran inventor de la arquitectura clásica barroca, mientras que Borromini fue quien renovó totalmente el lenguaje arquitectónico. Borromini pensaba que la experiencia humana se desarrollaba a través de la crítica de las experiencias anteriores, no mediante una simple ampliación del pensamiento previo.

• Bernini es un arquitecto compositivo. Parte de la idea de un espacio constante con leyes definidas. Acepta el sistema clásico y lo transforma variando los elementos formales ya dados. Su arte es sistemático y se basa en la mímesis: el deber del artista es imitar el sistema.
• Borromini es un arquitecto de determinación formal. Él determina sus propias formas. Su arte es metódico, no mira hacia valores dados a priori, sino que crea sus propias reglas formales.

A pesar de sus diferencias, ambos trataron las fachadas como un escenario urbano, concebidas de forma independiente al resto del edificio.

El Barroco como «Obra de Arte Total»

La arquitectura del período barroco puede concebirse como una «obra de arte total», tanto en sus propias características como en su relación con la ciudad. Este concepto se aplica principalmente en Italia, donde las artes (escultura, pintura y arquitectura) se fusionaron para lograr la expresión del fervor religioso y atraer a los fieles. El objetivo era la teatralidad y la demostración de que Dios y la naturaleza son la misma esencia.

Características de la «Obra de Arte Total» en Italia

1. Fusión de Artes: El uso de mármoles de colores, dorados y estuco se mezcla con la pintura y la escultura, creando espacios dinámicos y fluidos que diluyen la distinción entre lo real y lo virtual.
2. Efecto Teatral y Dinámico: Las formas curvas (cóncavas y convexas) y la luz difusa se combinan para generar movimiento y efectos escenográficos y dramáticos.
3. Relación Urbana: La arquitectura barroca debe asumir una forma urbana. Las fachadas son tratadas como un escenario para la ciudad.

Ejemplo Italiano: San Andrés del Quirinal (Bernini, Roma)

• Totalidad Artística: Se observa el uso de mármoles coloridos, dorado y estuco integrados en la arquitectura.
• Dinamismo y Simbolismo: Su planta es ovalada y su muro principal crea movimiento, acentuado por la incidencia del sol. El óvalo se utilizó simbólicamente haciendo referencia a la teoría de Kepler sobre las órbitas elípticas. La cúpula juega con un centro luminoso oculto para generar efectos escenográficos de ascensión.
• Protagonismo Urbano: Se introdujo la entrada por el eje menor (en lugar del mayor), generando un mayor protagonismo urbano.

Contraste con el Barroco Francés

Aunque más sobrio, el Barroco francés también usó la magnificencia para un fin totalizador: glorificar a la monarquía absoluta de Luis XIV.

• Palacio de Versalles: El lujo y la opulencia se reservaron para el interior (por ejemplo, el Salón de los Espejos, que ampliaba visualmente los espacios). El palacio se organizó mediante un esquema de tridente, con el edificio como centro, y jardines geométricos y estanques que daban una sensación de infinito (los estanques reflejaban el cielo y cumplían una función similar a la de los espejos).