La Música Vocal del Clasicismo: Claridad y Naturalidad

La estética del Clasicismo busca la claridad, la naturalidad y la accesibilidad. Para ello, se vale de melodías más cortas, frases definidas y cadencias marcadas. La textura es más ligera y predominantemente homofónica.

Géneros Operísticos del Clasicismo

La ópera seria era un espectáculo concebido para el entretenimiento de la nobleza. Sin embargo, a principios del siglo XVIII, surgió en Italia un género operístico que ganaría gran popularidad e influiría en toda la música del Clasicismo: la ópera buffa. Esta ópera trata de asuntos cotidianos, con personajes contemporáneos y argumentos cómicos.

Géneros Escénicos en España y Francia

En España, florecieron dos géneros musicales escénicos distintivos:

• La zarzuela española, que alterna fragmentos cantados y hablados.
• La tonadilla escénica, una obra breve de asunto cómico que incorporaba danzas populares.

En Francia, se llevó a cabo una importante renovación de la ópera, buscando la naturalidad, despojando la música de excesos ornamentales y poniéndola al servicio de la palabra.

El Protagonismo de la Música Instrumental en el Clasicismo

Durante el siglo XVIII, el compositor era a menudo un empleado al servicio de un aristócrata, y la música instrumental servía para el disfrute y la interpretación de la nobleza. Son características destacadas de este periodo:

• El uso de melodías sencillas, sin excesiva ornamentación. La textura es homofónica: una melodía principal con acompañamiento armónico.
• El abandono progresivo del contrapunto y del bajo continuo, que es sustituido por el bajo de Alberti.
• La caída en desuso de instrumentos como el órgano, el clave, la viola de gamba, el laúd y la flauta de pico. En contraste, surgen el pianoforte, el clarinete y la trompa. El violín y el violonchelo adquieren un mayor protagonismo.
• La simplificación de la armonía y la búsqueda del equilibrio funcional.
• La creciente importancia de la estructura musical, con secciones claramente definidas: los motivos forman frases, las frases, períodos; y estos, a su vez, secciones más largas.

Música de Cámara y Orquesta Clásica

La música de cámara se interpretaba en las cámaras o salones de los palacios. Era ejecutada tanto por los músicos de la corte como por los propios aristócratas, quienes tocaban algunas de las partes.

El cuarteto de cuerda es una de las formaciones más características del Clasicismo. Está integrado por dos violines, una viola y un violonchelo. Las composiciones para cuarteto de cuerda suelen exigir un gran dominio técnico del instrumento.

La orquesta de este periodo llegó a tener alrededor de 30 instrumentos, distribuidos en distintas secciones. En el Clasicismo se sentaron las bases de la orquesta sinfónica actual.

Formas Instrumentales Clásicas Fundamentales

• La Sonata: Es una composición para uno o dos instrumentos. Se desarrolla en tres o cuatro movimientos de diferente tempo, estructura y carácter. El primer movimiento sigue la forma sonata, con dos temas de distinto carácter, su posterior desarrollo y la reexposición de ambos temas.
• La Sinfonía: Es una composición para orquesta cuyo primer movimiento sigue el esquema de la forma sonata. Está constituida por tres o cuatro movimientos que varían en tempo o carácter.
• El Concierto Clásico: Mantiene la misma estructura que la sonata clásica en tres movimientos: forma sonata en el primero, lied o canción en el segundo y rondó en el tercero.

El Baile Flamenco: Historia y Estructura

El baile flamenco posee un gran potencial emotivo y comunicativo, siendo una expresión artística profunda.

Historia del Baile Flamenco

Los primeros bailes flamencos se gestaron en las reuniones familiares de los gitanos, evolucionando hasta la aparición de los cafés cantantes en la segunda mitad del siglo XIX.

La primera versión del ballet «El amor brujo» marcó la primera orquestación de ritmos flamencos llevados al teatro, dando origen al ballet sinfónico flamenco.

Estos nuevos espectáculos propiciaron la creación de compañías estables, lo que promovió una mejor formación de los bailaores y bailaoras.

Entre 1940 y 1960, se consolidaron las compañías de danza flamenca, obteniendo grandes éxitos y reconocimiento.

A principios de los años 70, surgieron creadores innovadores en el ámbito del teatro de danza español moderno.

En la actualidad, la danza flamenca combina el baile con otros estilos musicales y fusiona influencias de diversas corrientes de danza, enriqueciendo su expresión.

Elementos y Estructura del Baile Flamenco

Al bailar flamenco, el bailaor o bailaora debe tener presentes los otros elementos del flamenco, que suelen ser el cante y la guitarra. Es fundamental que conozcan el tipo de cante y los toques básicos de la guitarra. Los «pasos flamencos» dependerán del compás, del cante, del toque de la guitarra y de la inspiración de los artistas. La comunicación entre ellos es esencial.

La estructura básica de un baile flamenco es la siguiente:

1. Salida: Momento en que comienza el baile, a menudo con una entrada sobria y elegante.
2. Letra o Letras: Al ser una parte que se centra en la interpretación del cante, el bailaor o bailaora interactúa con la voz, realizando movimientos suaves, desplazamientos y giros con el juego de brazos, muñecas y manos.
3. Escobilla: Sección dedicada al zapateado, la percusión rítmica que ejecutan los bailaores con los pies, usando un calzado especial que lleva clavos en la punta y el tacón. Para ello, utilizan la planta, la punta y el tacón del pie. Es uno de los momentos más brillantes y virtuosos del baile.
4. Final: La última letra o sección de un palo flamenco, que concluye la interpretación.