Términos Clave del Arte y Obras Destacadas

Técnicas y Elementos Artísticos

• Claroscuro: Arte de disponer el contraste de luces y sombras en una pintura, destacando figuras iluminadas sobre fondos oscuros. El tenebrismo, difundido por Caravaggio en el Barroco, utiliza acusados contrastes de luz y sombra para que las partes iluminadas resalten violentamente. Un ejemplo es la obra «Muerte de la Virgen» de Caravaggio.
• Casetón: Relieve profundo de forma poligonal o cuadrada, con fondo decorado y, a menudo, un rosetón. Se ensambla para formar la cara inferior de cubiertas, bóvedas o artesonados. Además de su función decorativa, aligera el peso de las cubiertas. Un ejemplo es la cúpula del «Panteón de Agripa» (siglo II).
• Sfumato: Creación de Leonardo da Vinci que prescinde de la línea y los contornos definidos, envolviendo las figuras en una «niebla» imprecisa que difumina los perfiles y crea una impresión de inmersión atmosférica. Produce una dimensión misteriosa en el paisaje y un encanto enigmático en los personajes. Ejemplo: «La Gioconda» de Leonardo da Vinci.
• Estípite: Pilastra en forma de tronco de pirámide invertida, que puede alcanzar gran complejidad y tener funciones de soporte o decoración. Es característico de la arquitectura barroca española de los siglos XVII y XVIII. Un ejemplo es la «Fachada del Antiguo Hospicio de Madrid» de Pedro de Ribera.
• Donante: En la pintura gótica del siglo XV, es la persona que pagaba la obra, retratada en la parte baja de composiciones religiosas. Inicialmente aparecía a menor tamaño que las figuras principales, pero esta distinción desapareció a partir de los Primitivos Flamencos, como en la «Virgen del Canciller Rollin» de Jan van Eyck.
• Estofado: Técnica que consiste en raspar la capa de color aplicada sobre el dorado de la madera con un instrumento punzante, creando un dibujo o diseño. Fue frecuente en la imaginería española renacentista y barroca para decorar ropajes. Ejemplos: «La adoración de los Reyes Magos del Retablo de la Iglesia de Santiago de Valladolid» de Alonso de Berruguete (siglo XVI) y la «Inmaculada» de Martínez Montañés.
• Línea Serpentinata: Composición escultórica en forma de giro violento sobre sí misma, con figuras dispuestas en sentido helicoidal ascendente. Es habitual en el Manierismo y el Barroco. Ejemplo: «El Rapto de las Sabinas» de Juan de Bolonia.

Escultura Barroca: David y La Piedad

El «David» de Gian Lorenzo Bernini

La obra escultórica «David», ubicada en la Galería Borghese en Roma, es una creación de Gian Lorenzo Bernini del siglo XVII, representativa del arte barroco italiano. Es una escultura de bulto redondo, concebida para ser vista desde múltiples ángulos. Tallada en mármol blanco con una técnica pulida fina, aporta brillo y suavidad a la superficie, contrastando con las texturas del cabello y la tela.

La escultura, de tema religioso, representa a David en el momento de lanzar la piedra contra Goliat. El rostro de David refleja concentración, furia contenida y tensión muscular. El dramatismo se acentúa por la postura corporal y la expresividad facial. Es totalmente realista y naturalista, con una representación anatómica exacta y detalles como venas marcadas y músculos tensos. La obra es muy dinámica, con la figura girada en plena acción, una composición helicoidal que rompe con el eje frontal clásico y una composición espiral donde predomina la diagonal, creando tensión visual y espacial.

En contraste con el «David» de Miguel Ángel (Renacimiento), que representa al joven en actitud contemplativa y es una escultura estática de frontalidad clásica centrada en la perfección y belleza, el «David» de Bernini es capturado en el momento de mayor tensión, con una composición dinámica, cuerpo en rotación y expresión intensa. Donde Miguel Ángel busca equilibrio, Bernini busca emoción y drama.

La obra se enmarca en el auge del arte barroco italiano del siglo XVII, impulsado por la Iglesia Católica durante la Contrarreforma para conmover al fiel, y por los mecenas aristocráticos que promovían un arte que transmitiera poder, lujo y emotividad. El Barroco se caracteriza por su enfoque en lo sensorial, lo emocional y lo teatral.

La «Piedad» de Gregorio Fernández

La obra escultórica «Piedad», ubicada en el Museo Nacional de Escultura en Valladolid, es una creación de Gregorio Fernández (1616), representativa del arte barroco español. Es una escultura de bulto redondo, tallada en madera policromada con gran realismo, utilizando postizos para aumentar el efecto dramático e incluyendo la técnica del estofado para simular telas ricas.

Es una obra de tema religioso intensamente dramática, que representa a la Virgen María sosteniendo el cuerpo muerto de Cristo tras la Crucifixión. El rostro de la Virgen refleja sufrimiento y resignación. La escena transmite dolor, compasión y espiritualidad profunda. Es extremadamente naturalista, buscando impactar emocionalmente al espectador. Las heridas, el cuerpo inerte de Cristo y la expresión de dolor de María están pensados para mover a la devoción. Aunque es una escena de reposo, el movimiento se expresa a través de los pliegues del manto, la inclinación de los cuerpos y las diagonales de la composición, creando un dramatismo contenido. La obra tiene una composición piramidal cerrada, típica de las «piedades», predominando las líneas diagonales y el contraste entre la verticalidad de María y la horizontalidad de Cristo.

En comparación con la «Piedad» de Miguel Ángel (Renacimiento), que idealiza la muerte de Cristo con serenidad y equilibrio, y una Virgen joven y contenida, la obra de Fernández intensifica el dolor, el realismo y el patetismo. Mientras Miguel Ángel transmite belleza y serenidad, Fernández busca impactar y conmover al fiel mediante un lenguaje plástico más directo, cargado de emoción y sufrimiento.

La obra pertenece al Barroco español del siglo XVII, caracterizado por una profunda religiosidad y el uso del arte como medio para educar, emocionar y fortalecer la fe popular. Estas esculturas se utilizaban en iglesias y procesiones, encargadas por cofradías o instituciones religiosas. La función de esta Piedad es claramente religiosa y devocional, enfocada a provocar compasión, recogimiento y meditación sobre el sacrificio de Cristo.

El Espíritu del Barroco

El Barroco se configuró como una herramienta al servicio del poder, ya sea para la difusión de la fe o la exaltación de las monarquías absolutas. Este estilo dejó atrás el interés científico por el conocimiento de la naturaleza, el orden y las proporciones del Renacimiento, para desarrollar una estética efectista, teatral y escenográfica, cuyo objetivo es convencer, atraer, conmover o impresionar al espectador.

Corrientes Artísticas y Maestros

• La pintura italiana de finales del siglo XVI y principios del XVII sentó las bases de dos corrientes: el clasicismo, representado por Annibale Carracci, y el naturalismo, con Caravaggio como máximo exponente.
• CARAVAGGIO: Michelangelo Merisi, conocido como Caravaggio, fue el máximo representante del naturalismo en el siglo XVII. Utilizó el realismo para representar a los personajes tal cual son, sin idealizar rostros, anatomías o vestimentas, y abordó los temas religiosos como si fueran cotidianos. Con el tenebrismo, llevó al extremo la técnica del claroscuro, utilizando fondos oscuros que solo iluminaban las figuras o partes de ellas de especial interés para el artista. Este tratamiento de la luz transmite drama y sentimiento, intensificados por composiciones diagonales. Caravaggio desarrolló sus primeros pasos artísticos en un taller milanés ligado a los cánones manieristas. En Roma, pintó cuadros de pequeño formato o con pocas figuras, aún sin aplicar el tenebrismo. Al ser mecenas del cardenal del Monte, el tenebrismo alcanzó su plenitud, subordinando el color a la luz de un único foco. En «La cena de Emaús», su paleta se oscureció, el dramatismo y el impacto psicológico aumentaron, y la intención de captar la atención del espectador se hizo más evidente. Posteriormente, acentuó el volumen y la solidez de sus figuras, creando espacios vacíos de gran poder sugestivo, como en «La muerte de la Virgen».
• Rubens: Figura flamenca primordial y uno de los artistas más prolíficos de la historia. Su obra se caracteriza por el dominio del color sobre la línea, influenciado por la escuela veneciana, y por expresar el lujo, el movimiento, la vitalidad y la fantasía del estilo barroco. Dotó a sus figuras de gran sensualidad y dinamismo mediante juegos de curvas y texturas. Sus composiciones, aunque complejas, nunca eran desordenadas. Cultivó todos los géneros, plasmando la psicología de los personajes en sus retratos. Obras principales: «Las tres Gracias» y «La adoración de los Reyes Magos».
• Rembrandt: Figura holandesa sobresaliente y uno de los grandes genios de la pintura universal. Su vida, dividida en dos etapas separadas por el fallecimiento de su esposa, se refleja en sus obras: una primera etapa amable y colorista, y una segunda, dramática pero grandiosa. Otorga un papel predominante a la luz y el color, con el uso del claroscuro y una pincelada suelta y gruesa, alejada del detallismo. Cultivó todos los temas. En sus retratos colectivos como «La ronda de noche» o «La lección de anatomía del doctor Nicolaes Tulp», refleja el grupo social emergente (la burguesía). Sus retratos individuales revelan una profunda captación psicológica.
• Vermeer: Figura holandesa de la pintura barroca europea. Vermeer muestra una iluminación naturalista que da solidez a las formas y claridad al espacio. La disposición de los objetos es cristalina, la razón domina la emoción, el dibujo carece de dinamismo y los impulsos barrocos se han enfriado. Su arte es clásico por su equilibrio y claridad perfectos. Se distinguen tres fases en su carrera: la primera, influenciada por los caravaggistas holandeses; la segunda, donde desarrolló su estilo clásico y realizó sus obras más importantes; y la tercera, donde exagera las perspectivas y elementos decorativos, produciendo un cierto endurecimiento de su pintura. Obras destacadas: «La joven de la perla» y «Vista de Delft».
• Velázquez: Máximo representante del centro artístico madrileño en la pintura barroca española. Destacó por su uso de la perspectiva aérea y el dominio del color y la luz. Su primera etapa transcurrió en Sevilla, donde se formó con Francisco Pacheco y pintó obras como «Vieja friendo huevos». En 1623 se trasladó a la corte, iniciando su primera etapa madrileña, retratando a Felipe IV. Viajó a Italia, donde su paleta se iluminó y perfeccionó su técnica. A su regreso, realizó «La fragua de Vulcano». Su período más fructífero en la corte madrileña incluyó «Las lanzas». En su último período, creó «Las hilanderas» y «Las meninas», su obra maestra. Su éxito le valió ser caballero de la Orden de Santiago.