El Barroco Musical: Un Período de Transformación

Periodización del Barroco Musical

Según Bukofzer, el Barroco abarca desde 1580-1730 hasta 1750 para incluir a Bach y a Händel.

Contextualización del Barroco Musical

Aspectos Clave

• El término se aplicó a la música al mismo tiempo que a las otras artes.
• El término «barroco» no aparece en los teóricos musicales ni en los compositores del momento.
• El término «barroco» fue empleado por la crítica musical del siglo XVIII para designar música caprichosa, ruidosa y extravagante.
• Los etimólogos aún no concuerdan en si «barroco» viene del italiano barroco o del español barrueco.
• En el siglo XIX, la palabra adquirió un significado más favorable y fue empleada sobre todo para describir las tendencias decorativas y expresionistas de la pintura y la arquitectura.
• El interés por el Barroco musical es tardío, comenzando en el siglo XX, sobre todo en la década de 1920.

Características Generales del Barroco Musical

Principales Rasgos Estilísticos

• El artista barroco veía la música como un arte heterogéneo, subordinado a la letra y cuya función principal era ser el medio musical de una finalidad dramática.
• El compositor barroco se expresa de una manera dramática. El ethos se identifica con el Renacimiento y el pathos con el Barroco.
• La Teoría de los Afectos (Affektenlehre): la música busca provocar efectos psicológicos y mover las pasiones del oyente.
• Tratamiento de la disonancia: los cambios en la armonía y el contrapunto se manifiestan de modo más notable.
• Bajo continuo: polaridad armónica entre el bajo y el soprano, apoyo armónico y un nuevo tipo de melodía.
• Nuevos conceptos armónicos: La armonía del Renacimiento solo admitía tríadas y acordes de sexta. La armonía del primer Barroco no tenía una dirección tonal clara y su lugar fue ocupado por la explotación experimental de efectos de acordes.
• El ritmo quedaba regulado por un flujo uniforme de pulsaciones, el llamado tactus. Para el compositor barroco, la flexibilidad del ritmo era clave, y el tactus se transformó en pulsaciones mecánicamente recurrentes.
• El stile concitato consiste en repartir valores muy breves a una misma nota.
• Composición idiomática: un nuevo elemento estilístico.
• Ley del contraste: el Barroco se considera un arte de contrastes y contradicciones.
• Bajos ostinatos.
• La ornamentación mezcla la labor del intérprete y la del compositor.
• Mayor movimiento y agilidad debido a la mejora en la constitución y técnica de los instrumentos.

La Monodia Acompañada

Surge a finales del siglo XVI en reacción contra la polifonía y como experimento. Surge de la Camerata de’ Bardi, que no pretendía reformar la música, solo estudiar la música griega.

Características y Precedentes

• La teoría antecede a la práctica.
• Precedentes: la frottola.
• El bajo no era armónico.
• Importancia del cantante solista virtuoso para el desarrollo de la monodia.
• Hasta 1618, todas las monodias eran madrigales. El primer libro en el que aparecen monodias que son arias es Affetti Amorosi de Giovanni Caccini.

L’Orfeo de Monteverdi

En 1607 se estrenó la ópera L’Orfeo (La favola d’Orfeo) de Claudio Monteverdi en Mantua. Fue el paradigma de la ópera del primer Barroco.

Aspectos Destacados

• Compuesta sobre un libreto de Alessandro Striggio el Joven, cortesano para quien trabajaba Monteverdi.
• Insiste en el contenido más trágico de la leyenda de Orfeo y es fiel a ella.
• El autor mezcló formas antiguas y nuevas gracias a su maestría y estilo personal.

Música Instrumental en el Barroco

Géneros y Evolución

El ricercare desembocó en la fuga; la canzona desembocó en la sonata da chiesa; las piezas basadas en una melodía o en un bajo dado; las danzas dieron lugar a la sonata da camera; y las piezas de estilo improvisatorio para instrumentos de tecla.

El Estilo Bel Canto

Aparece entre 1630-1640. Transforma las formas existentes y renueva la armonía y la melodía. Es la reacción ante la tiranía del poeta y la seconda prattica. Aparecen formas como la cantata, el oratorio y la ópera. Acabará por influir sobre la música instrumental.

Características Principales

• Melodía variada y amena.
• Pasajes adornados, pero sin virtuosismo gratuito.
• Estructura ternaria que aporta fluidez.
• Melodía basada en esquemas de danza.
• Ideas melódicas breves y delimitadas por cadencias.
• El bajo y la melodía integrados, pudiendo imitarse mutuamente.
• Armonía sencilla y uso del acorde perfecto.
• Tonalidad rudimentaria.

La Cantata Romana

La cantata es una obra para una o dos voces (a veces tres), organizada en secciones que combinan diferentes estilos, y con instrumentos que hacen el continuo. Alterna recitativo en los momentos narrativos y arias. También suele haber cantatas con ritornelli instrumentales. El término «cantata» se contraponía a «sonata» y «tocata».

La Ópera en Roma y Venecia

Ópera en Roma

El centro de interés de la ópera se traslada a Roma. Aristócratas romanos, mecenas y público por excelencia de la cantata favorecieron la ópera. La familia Barberini fue la principal protectora del teatro musical en Roma. Se caracterizaba por:

• Gran número de personajes.
• Aparición de divinidades en escena.
• Numerosas subtramas.
• Intermezzi con coros de ninfas y sátiros danzantes.
• Vestuario y escenografía lujosos.
• La monotonía del recitativo resaltaba las arias. Las arias tenían la estructura formal de las cantatas.
• Importancia de los concertantes o escenas de conjuntos.
• Costumbre de concluir los actos con un coro o escena de conjunto.

Ópera en Venecia

La actividad operística tenía un carácter empresarial. Los teatros eran construidos por personas importantes.

• El público era aristocrático.
• Se contrataban compañías que ofrecían sus espectáculos a lo largo de un tiempo.
• Buscaban captar la atención del espectador con argumentos que expresaban sorpresa y espectacularidad.

Sonata da Chiesa y Sonata da Camera

Sonata da Chiesa

Alterna movimientos rápidos y lentos, podía aparecer en ceremonias religiosas interpretada como interludios instrumentales.

Sonata da Camera

Se daba en ámbitos profanos, procedía de las danzas. El sistema que se estabilizó para esta sonata constaba de cuatro danzas.

Música Instrumental en Francia

Los instrumentos más importantes fueron el laúd y el clavecín. Más adelante, la guitarra ocupó el lugar del laúd, aunque este no se perdió, sino que su repertorio se traspasó al clavecín.

Tipos de Concierto Barroco

Principales Formas de Concierto

Concerto Grosso

Contraste entre un grupo de solistas (concertino) y la orquesta (ripieno). Fue importante Giovanni Gabrieli y se le considera iniciador a Arcangelo Corelli.

Concerto a Solo

Un solista con orquesta. Fue el más importante. Fueron destacables Giuseppe Torelli y Antonio Vivaldi.

Concerto Ripieno

Solo orquesta, sin solista. Dos grupos de autores: conservadores como Georg Friedrich Händel, e innovadores como Johann Sebastian Bach.

Concerto da Camera

Para solistas en el que no hay orquesta.

Precedentes del Concierto

• Obras policorales de Giovanni Gabrieli.
• La sonata da chiesa.
• El estilo concertado.
• Orquestaciones de Jean-Baptiste Lully.

Audiciones Clave del Barroco Musical

1. Jean-Baptiste Lully – Armide

• Autor: Jean-Baptiste Lully
• País: Francia
• Siglo: XVII
• Período: Barroco
• Título: Armide
• Plantilla: Vocal-instrumental
• Género: Ópera
• Forma: Obertura
• Contextualización: No se parece en nada a la ópera italiana y es la creación más perfecta del autor.

2. Henry Purcell – Dido y Eneas

• Autor: Henry Purcell
• País: Inglaterra
• Siglo: XVII
• Período: Barroco
• Título: Dido y Eneas
• Plantilla: Vocal-instrumental
• Género: Ópera
• Forma: Aria
• Contextualización: Cuando aparece Dido se usaba Do menor; para las brujas, Fa mayor y Fa menor; y para los momentos celebrativos, Do mayor.

3. Claudio Monteverdi – Cruda Amarilli

• Autor: Claudio Monteverdi
• País: Italia
• Siglo: XVII
• Período: Barroco
• Título: Cruda Amarilli
• Plantilla: Vocal, a 5 voces
• Género: Madrigal
• Forma: Madrigal
• Contextualización: Compositor en el que se observa con mayor claridad la transición al Barroco.

4. Antonio Vivaldi – Las Cuatro Estaciones

• Autor: Antonio Vivaldi
• País: Italia
• Siglo: XVIII
• Período: Barroco
• Título: Las Cuatro Estaciones (Primavera/Verano/Otoño/Invierno)
• Plantilla: Instrumental
• Género: Concierto
• Forma: Concierto solista
• Contextualización: Es parte de los doce conciertos de Vivaldi. Se aplica el simbolismo barroco (crear atmósferas, representar lo que quiere decir el texto).

5. Arcangelo Corelli – Concierto para la Noche de Navidad

• Autor: Arcangelo Corelli
• País: Italia
• Siglo: XVIII
• Período: Barroco
• Título: Concierto para la Noche de Navidad
• Plantilla: Instrumental
• Género: Concierto
• Forma: Concerto grosso
• Contextualización: Se le considera el iniciador de la composición de concertos grossos.

6. Giuseppe Torelli – Concierto para Violín

• Autor: Giuseppe Torelli
• País: Italia
• Siglo: XVIII
• Período: Barroco
• Título: Concierto para Violín
• Plantilla: Instrumental
• Género: Concierto
• Forma: Concierto solista
• Contextualización: Representante más importante de la última escuela de Bolonia.

7. Antonio Vivaldi – Stabat Mater

• Autor: Antonio Vivaldi
• País: Italia
• Siglo: XVIII
• Período: Barroco
• Título: Stabat Mater