Modelos de Representación y Orígenes de Hollywood

MRP: Modelo de Representación Primitivo

• Películas de Griffith.
• Piezas cortas creadas cuando aún no existía el lenguaje cinematográfico formal.

MRI: Modelo de Representación Institucional

Gira en torno al largometraje, fundamento básico del lenguaje cinematográfico. Se caracteriza por:

• Variación de planos y escalas.
• Nuevas angulaciones.
• Modelo narrativo centrado en los personajes (aporte de Griffith).
• Utilización intencionada de la luz.

Se comenzaron a estandarizar los formatos de cine, proceso estandarizado por Edison. Aunque Edison medio desapareció con la creación del cinematógrafo, luego reapareció creando el material y los equipos para la industria.

Los materiales particulares del celuloide, en cuanto a fabricación masiva, le otorgaron poder sobre la industria. Esto es lo que hizo que el modelo norteamericano se estableciera como un modelo institucional.

Fundamentos de la Industria Cinematográfica Norteamericana

• Muchos directores se fueron a la costa oeste porque los impuestos en Nueva York eran muy caros.
• Los judíos fueron algunos de los pioneros de la industria cinematográfica.
• Las mujeres hacían cine, sobre todo los guiones.
• Los judíos comenzaron a potenciarse, logrando un potencial económico mayor y creando sus propias salas de cine.
• Fueron los primeros en crear salas de cine y en pensar en la comida. Con la aparición de la comida, las ganancias cinematográficas se dispararon.

El Ícono de Hollywood

En Los Ángeles estaba un cartel que decía “Hollywoodland” porque era un anuncio de inmobiliarias. Cuando se cumplió el plazo, nunca lo tumbaron y comenzó a ser un ícono de la ciudad. Por actos de vandalismo, se cayó el “land”. Sin embargo, este cartel no tiene nada que ver con el cine.

La industria tenía una ambición por explotar la vida de las celebridades, utilizando herramientas propias del mercadeo para promocionar el cine y la industria.

“Hollywood” es la única industria donde pueden hacer películas con el dinero que ganaron de la película anterior.

Introducción del Sonido en el Cine

La llegada del sonido fue fundamental para que Hollywood creciera de la manera en que lo hizo. Comenzó a haber fatiga en la audiencia porque ya no había interés, por ende, el cine tuvo que innovar.

La Innovación Técnica

• Se les ocurrió incluir la innovación técnica.
• Los que se lanzaron a esta innovación fueron los estudios pequeños, porque no tenían nada que perder.
• Uno de esos estudios era Warner Brothers, al cual se le ocurrió convertir el cine en una experiencia visual y sonora.

Primeros Intentos Sonoros

Por su parte, el Phonofilms, creado por Lee De Forest y Theo Case, realizaba pequeños fragmentos donde proyectaban video con audio. Pero eran cortometrajes y no piezas narrativas.

Warner compró un Vitaphone, que era un sistema «sonido-a-disco», desarrollado por Bell Telephone Laboratories y Western Electric.

• Tomaron la película Don Juan, que estaba en grabación, y en vez de poner una orquesta en vivo, la banda sonora se registró aparte y se reprodujeron ambas cosas a la vez. Sin embargo, no se considera la primera película sonora porque no tenía diálogo.
• Debido a su éxito moderado, en su siguiente película, El cantante de Jazz (interpretada por Al Jolson), este improvisó líneas de diálogo antes de interpretar una de sus canciones. Esa línea decía: “Esperen, esperen que no han escuchado nada todavía”. Esto hizo que naciera oficialmente la primera película sonora el 6 de octubre de 1927. Tuvo un éxito monumental.
• Desde entonces, Warner no volvió a realizar ninguna película silente, causando un impacto importante en la industria.

Consolidación del Sonido

Los estudios pequeños se unieron a este tipo de cine. FOX (que era pequeña en esa época) se unió a Warner. Warner y FOX llegaron a un acuerdo y permitieron que otros usaran su sistema, convencidos de que el sonido era el futuro.

Las empresas y estudios grandes no se adhirieron a esta idea y fracasaron.

La Era del Cine Dorado Norteamericano (Aprox. 1929-1968)

El cine cobró tanto aumento económico que los empresarios se dieron cuenta y decidieron que las mujeres no podían tomar control de esta industria. Las mujeres, que al principio estuvieron tan presentes, fueron dejadas de lado. Es decir, como ahora era un negocio serio, las mujeres no podían estar ahí.

Esto dio paso directo a la Era del Cine Dorado Norteamericano, aproximadamente en 1929 o 1930.

Los Estudios Protagonistas

No se puede hablar de esta era sin nombrar a los protagonistas:

Los 5 Grandes (Big Five)

• Warner
• 20th Century Fox
• R.K.O.
• MGM
• Paramount

El éxito de alguno de ellos beneficiaba al otro.

Los 3 Pequeños (Little Three)

• Universal
• Columbia
• United Artist

El Código Hays (1930-1968)

Fue un acuerdo al que llegaron todos los estudios. Es un código de conducta para el cine y se formalizó en 1930. A los creadores cinematográficos se les decía que o se apegaban al código o sus películas no se reproducirían en sus salas. Perdura hasta 1968.

Contenido Prohibido por el Código Hays

• Blasfemia.
• Irrespeto a cualquier credo, nación o raza.
• Desnudos, tanto patentes como sugeridos.
• Tráfico de drogas.
• Cualquier tipo de inferencia de perversión sexual.
• Relaciones internacionales.
• La esclavitud blanca.
• Enfermedades venéreas.
• Genitales infantiles.
• Partos.
• Ridiculización de la iglesia.

Las películas que no eran aprobadas por el código comenzaron a tener cierto éxito comercial. Esto hizo que se sintiera que el código estaba perdiéndose y cayendo en desuso.

En 1968, el código finalizó formalmente. Con la caída del código, el sistema de estudio se fue debilitando, lo que marcó el fin de la Era de Oro.

Géneros Clave de la Época Clásica

La Comedia

Con la aparición del sonido, la comedia física pasó a ser una comedia más teatral. Es decir, la comedia venía dada más por lo que la persona decía y no por sus acciones.

Comedia Física

Buster Keaton

Recordado por sus grandes hazañas de riesgo. Tenía un rostro bastante serio; era un actor de comedia que hacía todas las cosas con cara de serio. Le decían “La Parca” por su rostro sombrío.

• Sherlock, Jr (1924)
• The Navigator (1924)
• The General (1926)

Charlie Chaplin

La emotividad y el sentimentalismo eran un punto muy importante para las películas de Chaplin, lo que lo diferenciaba de Buster Keaton.

• The Kid (1921): Fue la que lo llevó a la fama. Su personaje era el de un vagabundo.
• The Gold Rush (1925)
• City Lights (1931): Considerada una de sus obras maestras.
• Modern Times (1936)
• The Great Dictator (1940): Primera película de Chaplin con la que dio el paso al cine sonoro. Supo adaptarse y acostumbrarse al cine sonoro.

Chaplin salió de EE. UU. por problemas políticos y dejó de grabar tantas películas de cine sonoro.

El Western

Fue uno de los géneros que fue decayendo con la Era Dorada. No se diferenciaba por su tema ni estructura, sino por su entorno, el contexto en el que se desarrollaba.

El tema recurrente en la gran mayoría de los Western es que el viaje del héroe va a ayudar a terceros. Él no va a resolver su problema, sino el de los demás. El héroe es un personaje catalizador.

Film Noir o Cine Negro

Los cineastas no se dieron cuenta de que estaban haciendo un género; creían que hacían melodramas.

• The Maltese Falcon (1941)
• Laura (1944)
• Leave her to heaven (1945)
• The third man (1949)
• The night of the hunter (1955): Los personajes centrales eran niños.

Características del Cine Negro

• Iluminación en clave baja y contrastada.
• Distorsión visual.
• Narrativa en torno al crimen, compleja y a menudo no cronológica.
• Uso de la voz en off en primera persona.
• Antihéroe y ambigüedad moral.
• Tono pesimista.
• Literatura negra (HARD-BOILED).

Perdió popularidad rápido. La época más marcada fue en los años 40 y 50. La oleada de cineastas franceses rescató el Cine Noir. La mayoría de los personajes malvados de este cine siempre triunfan.

Innovación Técnica y Directores Maestros

Walt Disney y la Animación

Blanca nieves y los 7 enanitos (1937) fue el primer largometraje animado de la historia y a color. Al principio, el cine animado consistía en puros cortos.

• El primer corto donde sale Mickey es realmente el segundo, porque el primero era sin sonido y, cuando se iba a estrenar, salió el sonido y Disney prefirió no estrenarlo y hacerlo a color.
• Nadie se atrevió a hacer algo tan grande como Disney; la competencia no le llegaba a los talones.
• Ayudó a popularizar el color.

El Color en el Cine

El color no se hizo verdaderamente popular sino hasta 1939 con El mago de Oz y Lo que el viento se llevó.

• TRICOMÍA: Era el proceso en el que se capturaba el color. Era la unión del Rojo, Verde y Azul.
• TECHNICOLOR: Procedimiento usado en cinematografía que permite reproducir el color en la pantalla. Solo una película realmente buena lo podía usar.

Para el momento, valía la pena invertir en el color porque solo se podía ver en el cine y no en casa.

Orson Welles

Agregó y aportó muchísimo a las tomas de grabación.

• Citizen Kane (1941)
• The magnificent Ambersons (1942)
• The Lady from Shanghai (1947)
• Touch of evil (1958)

El Cine de la Postguerra

Italia: Distracción y Realidad

El Cine Fascista y los “Telefoni Bianchi”

Italia estaba bajo el control del Fascismo. El cine de Mussolini era diferente, porque en lugar de aproximarse a la propaganda, Mussolini prefirió que el cine se convirtiera en un mecanismo de distracción de la audiencia para olvidar las penurias.

• El PEPLUM volvió a recuperar la fama.
• La comedia italiana iba a la misma fuente que Hollywood, la mayoría adaptadas de autores húngaros.
• Estas comedias recibieron el nombre de “TELEFONI BIANCHI” (Teléfono Blanco). Se convirtió en el estilo cinematográfico de la era de Mussolini (hasta 1943).
• Se caracterizaban por un diálogo muy rápido y teatral, rodado en sets como la comedia de Hollywood.
• El entorno era próspero, con personajes de clase alta (la gente rica tenía teléfono blanco). Esto era una fantasía, un paraíso, que no se parecía a la realidad de Italia después de la Segunda Guerra Mundial.

El público deseaba escapar de la realidad y por eso iba al cine; nadie los forzaba.

Neorrealismo Italiano (1943 – 1952)

Entra en el mismo año que cae Mussolini. Surge como una respuesta al cine “tipo americano” que se estaba haciendo en Italia, porque no reflejaba la realidad. No es una escuela formal.

El movimiento buscaba mostrar la realidad de Italia, no la de otros lugares: la identidad.

Al público no le gustaba el neorrealismo: “Trapos sucios fuera, no”. Sin embargo, internacionalmente, esta tendencia fue muy bien recibida.

Características del Neorrealismo

• Actores no profesionales: Gente de pueblo interpretándose a ellos mismos o a realidades que conocen.
• Localizaciones preexistentes y sin intervenir: Reales. Captura tal cual la realidad, lo feo, lo duro es lo real.
• Personajes de las clases sociales bajas: Al neorrealismo le interesa capturar las historias de esta gente, no del ideal.
• Estructura dramática rutinaria: Narrativas del día a día del pueblo.
• La obra (y luego la audiencia) como testigo de la realidad. Buscan que la audiencia se involucre.

Para los autores neorrealistas, este género era un grito de ayuda: los trapos sucios se muestran afuera para esto.

Directores Clave del Neorrealismo

Luchino Visconti

Primer autor neorrealista. Aristócrata que empezó a interesarse por el pueblo. Visconti dejó el Neorrealismo de lado. De hecho, su película más importante, El Lado Pardo, no es neorrealista.

• Obsessione (1943): Primera película neorrealista. Fue mal vista por el fascismo y la iglesia.
• La Terra Trema (1948)
• Bellisima (1951): Contiene muchos elementos del teléfono blanco (sets, actores). Inusual, contemporánea y satírica, algo inusual en el neorrealismo.

Vittorio De Sica

Representante más importante del neorrealismo. Para él, el realismo es una trampa, una mentira.

• Ladri di Biciclette (El ladrón de la bicicleta) (1948): Le interesa el ciudadano de a pie. Muestra la indiferencia por parte de la autoridad, que prevalece en el Neorrealismo. Énfasis en el niño y su sufrimiento.
• Umberto D (1952): Dicen que mató el neorrealismo al centrarse en acciones cotidianas (Ej.: Anciano que pierde a su perro).

Roberto Rossellini

Famoso por su Trilogía de la Guerra (sobre cómo vive el pueblo la realidad del conflicto).

• Roma, Cittá Aperta (1945): Excepción de la regla bien recibida por la audiencia italiana. “Ciudad abierta” se refiere a una ciudad que, después de la guerra, es prestada para la ocupación (Roma lo fue).
• Paisá (1946): Segunda película de la trilogía.
• Germania, Annozero (Alemania, año cero) (1948): Después de que Alemania pierde la guerra, 1946 es el año cero de Alemania. La destrucción es total.

Post Neorrealismo

Federico Fellini

Trabajó con varios autores neorrealistas, pero tendió más al discurso surreal, de los sueños, de lo grotesco (“Telinesco”). Su obra es muy autobiográfica (circo, espectáculo).

Todavía se acerca al neorrealismo con estas películas:

• La Strada (1954)
• Le Notti Di Cabiria (1957)

Se alejan por completo del neorrealismo:

• La Dolce Vitta (1960)
• 8 ½ (1963): El personaje central es Fellini. De esta película viene la palabra paparazzi (fotógrafo de espectáculo).

Michelangelo Antonioni

Sus películas no resuelven sus conflictos, generando insatisfacción en la audiencia. Fue un precursor de la idea de rebelarse a lo clásico.

Trilogía: Los personajes están hartos de su vida.

• La Avventura (1960)
• La Notte (1961)
• L’ Eclisse (1962)

También están:

• Blow – up (1966)
• The Passenger (1975): Financiada por EE. UU.

Cine Británico de Postguerra

Bastante diferente a las películas italianas. Su mentalidad era: “La vida sigue y el show debe continuar”. Constituyó una explosión creativa, una Época Dorada de cine de calidad.

David Lean

Cineasta más influyente de todos los tiempos. Realizó producciones de corte épico. Uso brillante del lenguaje cinematográfico, casi al nivel de Orson Welles.

• Brief Encounter (1945)
• The Great expectations (1946) (Basada en libro)
• Oliver Twist (1948) (Basada en libro)
• The bridge on the river Kwai (1957)
• Lawrence of Arabia (1962)
• Doctor Zhivago (1965)

Michael Powell & Emeric Pressburger

Dejaron en entredicho la concepción de que el director debe ser uno solo. Pressburger se encargaba de las ideas narrativas, la producción y el montaje. Powell era el director principal y guionista. En tres décadas realizaron 25 películas. Sus productoras eran conocidas como “Los Arqueros”.

• The life and death of Colonel Blimp (1943).
• A matter of life and death (1946): Color para el mundo real, blanco y negro para el cielo.
• Black Narcissus (1947)
• The red shoes (1948)

Laurence Olivier

Películas basadas en Shakespeare. Representa el cine teatral, con actores del cine británico que eran de los más importantes.

• Henry V (1944)
• Hamlet (1948)
• Richard III (1955)

Retomamos Hollywood: Maestros del Género

Alfred Hitchcock

A pesar de ser británico, su trabajo más exitoso lo realizó en Hollywood. A veces se le conoce como el padre del suspenso.

• The Lady Vanishes (1938): Última de sus películas en Inglaterra.
• Rebeca (1940): Primera película norteamericana y fue reconocida por la academia.
• Shadow of a Doubt (1943)
• Lifeboat (1944)
• Spellbound (1945)
• Notorious (1946)
• Rope (1948)
• Strangers on a train (1951)
• Dial M for murder (1954): Realizada en 3D.
• Rear Window (1954)
• To Catch a thief (1955)
• Vertigo (1958): Considerada una de las mejores películas en la historia.
• North by Northwest (1959)
• Psycho (1960)
• The birds (1963)

Características de Hitchcock

• El hombre inocente: Personas inocentes que están en el momento y lugar equivocado.
• Fascinación por el crimen.
• Tensión y suspenso.
• La cámara como ojo humano: Principal criterio de puesta en escena. Hace sentir al espectador que está espiando la vida de los extraños.
• Mac Guffin: Algo que impulsa la trama, porque uno o más personajes lo buscan.
• Twist: La narrativa gira.
• Uso extenso de la simbología, lleno de montaje intelectual.
• Humor: Por lo general, negro y lleno de ironías; pero no es Cine Negro, es bastante diferente.

Frank Capra

Puesta en escena muy simple. Se centra más en el tema y los personajes. Utiliza planos muy largos, a veces fijos, a veces muy abiertos. Era optimista, solo tenía cosas buenas que decir.

• It happened one night (1934): Ganó un Óscar.
• Mr. Smith goes to Washington (1939)
• Arsenic and old lace (1944): Dos viejitas que se dedican a matar gente por compasión.
• It’s a wonderful life (1946)

Billy Wilder

Posee una filmografía muy extensa. Casi todas sus películas son grandes clásicos. Tiene dos etapas:

1) Cineasta Ecléctico

Prueba muchas cosas.

• Double Indemnity (Pacto de sangre) (1944): Película de cine negro y la más importante del género.
• The lost weeknd (1945): Película sobre la adicción mejor lograda.
• Sunset boulevard (El ocaso de una estrella) (1950)
• Ace in the hole (Cadenas de roca) (1951)
• Stalag 17 (Infierno 17) (1953)

2) Orientación hacia el Humor

• The Seven years itch (La comezón del 7mo año) (1955): Famosa escena de Marilyn en la alcantarilla con la falda levantada.
• Witness for the prosecution (Testigo de cargo) (1957)
• Some like it hot (Una Eva y dos Adanes / Algunos prefieren quemarse) (1959): Atacó al código; pero tuvo tanto éxito que el código se dio cuenta de que no servía.
• The Apartment (Piso de soltero) (1960): Le presta su apartamento a su jefe para que tuviera su adulterio.

Cine Épico

• Gone with the wind (1939)
• The ten commandments (1956)
• Ben – Hur (1959)
• Spartacus (1960): Más criticada pero con más auge.
• Cleopatra (1963)

Guerra Fría y Ciencia Ficción

Los recursos eran muy elevados, por eso las películas eran de baja calidad. Este auge se dio por la Guerra Fría. El espionaje creció muchísimo en esta época y por eso la ciencia ficción se fue acabando.

La Nouvelle Vague (Francia)

La Nueva Ola le abrió las puertas a muchos cineastas. A finales de los años 50, Francia todavía estaba en época de recuperación por la guerra. Debido a la guerra, los grandes clásicos llegaron más tarde a Francia.

Se crearon cine clubes para reunirse y hacer discusiones serias sobre el cine. Estos fueron creados por jóvenes franceses. Algunos lograron constituirse en revistas cinematográficas, convirtiendo sus discusiones en publicaciones.

CÁMARA – STYLO (Alexandre Astruc, 1948)

En este artículo se postularon ideas clave:

• La vanguardia se aproxima.
• El cine es un medio de expresión como las otras artes, particularmente la literatura.
• El cine se apartará de la tiranía de lo visual.
• Pronto no habrá UN cine, sino cines.
• Desaparición del guionista.
• El cine no solo está ahí para narrar la historia, sino para hablar de cualquier cosa.

Revista “Cahiers du cinéma”

La revista más importante de los cine clubes. Fundada por André Bazin, Jacques Doniol-Valcroze y Joseph-Marie lo Duca en 1951. El más importante fue André Bazin, quien no fue cineasta sino crítico.

François Truffaut

De los articulistas de Cahiers, él fue el más importante. Habla de la importancia del autor y del cine de vanguardia. Al principio era muy radical con el cine que él quería que hicieran; pero de mayor dejó de ser tan radical.

• Les Quatre Cents Coups (Los 400 golpes) (1959): Primera película de la nueva ola francesa. Luego de criticar cine, decide implementar todo aquello que criticó.
• Jules et Jim (1962)
• Fahrenheit 451 (1966)

La Política de los Autores (1954)

Truffaut defendió que la obra de un director debe tener:

• Estilo único e individual.
• Puesta en escena distintiva.
• Obra netamente personal.
• Toda la obra debe ser considerada.
• La película es de un individuo, no de un estudio.
• El director hace la película, no porque el guionista lo escribió ni porque un productor lo pidió, sino porque es su pieza.
• No creen en obras menores. TODOS los autores deben tener la misma línea y el mismo sello.

Bazin dijo que esta política era radical y encerraba peligros, ya que implicaba que toda película que hiciera un autor era buena (lo cual no es necesariamente así) y que era grave subestimar películas porque no tenían el sello de un autor.

Fue una política muy radical, pero útil en su momento. Por ejemplo: se comenzó a tomar en cuenta el cine negro otra vez.

Jean-Luc Godard

Representante de la vanguardia con un estilo único e individual. Es la transgresión de todo lo clásico. Transgrede cada una de sus películas cada vez más, porque lo que hizo antes se vuelve clásico. Inicios del cine guerrilla prácticamente.

• Nace el Jumpcut: Tipo de montaje elíptico, donde en lugar de pasar de un plano a otro, simplemente se suprimen algunos de los fotogramas intermedios en una misma toma.
• A Bout de soufflé (Al final de la escapada) (1960): Primera película.
• Le Mépris (El desprecio) (1963)
• Bande À Part (Banda aparte) (1964)

*El cine clásico es aquel que sigue las convenciones cinematográficas clásicas. El cine moderno son películas de vanguardia, que no siguen lo clásico.*

Alain Resnais

Le importa más el recuerdo. Gira en torno a cómo la memoria nos engaña. Fue una de las principales figuras de la nueva ola del cine francés, que revolucionó el concepto del montaje y la fotografía.

• Hiroshima mon Amour (1959)
• L’ Année Derniere Á Marienbad (El año pasado en Marienbad) (1961)