La Era de las Grandes Orquestas

Durante el cambio del siglo XIX al XX, el modelo de creación y difusión musical, basado en la notación, alcanzó su máximo desarrollo. Además, la música centroeuropea ocupó un lugar central en la vida musical del mundo occidental.

Factores del Resurgimiento Sinfónico

El resurgimiento de la sinfonía en las últimas décadas del siglo XIX se debió a varios factores:

• Durante mucho tiempo, hubo dudas acerca de si los compositores contemporáneos podían igualar la grandeza de las obras maestras del Clasicismo vienés, especialmente las de Beethoven. Solo hacia finales del siglo XIX la sinfonía logró renovarse plenamente.
• Por otro lado, el refuerzo de la actividad concertística en las grandes ciudades permitió afianzar a un público entendido y preparado para el disfrute de la música.
• Tampoco cabe despreciar la influencia de los progresos en la técnica de la dirección de orquesta –especialmente a partir de Mendelssohn, Liszt y Wagner– que instauraron una disciplina de ensayo y unos estándares de calidad, dando lugar al nacimiento de un nuevo tipo de divo musical.

Nacimiento de Orquestas Emblemáticas

Cabe destacar que las grandes ciudades competirán entre sí por la calidad de sus agrupaciones sinfónicas, teniendo lugar el nacimiento de algunas de las importantes orquestas de nuestros tiempos como la Filarmónica de Viena (1842), la Filarmónica de Berlín o la de San Petersburgo.

Tensiones Culturales en Viena

A finales del siglo XIX, Viena se transformó en el centro de un intenso conflicto cultural en el mundo de la música. Este enfrentamiento oponía a los seguidores de Brahms y Bruckner, y reflejaba las profundas tensiones políticas y étnicas que atravesaban el Imperio austrohúngaro en esa época.

El Impresionismo Musical Francés

El final del siglo XIX asistió finalmente a la síntesis de una identidad musical francesa capaz de rivalizar en prestigio y modernidad con la tradición germánica poswagneriana sin imitarla. Esta síntesis –a la que se bautizó como Impresionismo– puso en entredicho algunas de las bases conceptuales (armonía, textura, forma musical, etc.) más firmes de la música occidental.

El Impresionismo musical es, en su sentido más restringido, el estilo musical sintetizado por Claude Debussy y amplificado por el cosmopolitismo musical del París de la época. Debussy cruzó las corrientes más avanzadas de la música francesa y rusa de su tiempo.

Características del Impresionismo

El Impresionismo musical se caracteriza por una sorprendente coherencia estilística pese a la diversidad de influencias. Esto se debe principalmente a la revolución armónica que reemplaza la tradicional relación por terceras con un enfoque acorde/escala, utilizando técnicas como polifonía y acordes paralelos.

En Debussy, esta innovación armónica se complementa con elementos estilísticos como:

• El ritmo armónico
• El sentido del ritmo
• El timbre
• La forma musical

Además, esta concepción integró diversas escalas –como modos gregorianos, pentatónica, de tonos enteros y andaluza–, lo que enriqueció la paleta sonora sin perder coherencia estilística. El Impresionismo se inscribe en un cambio de actitud menos reverencial hacia el pasado y más desacomplejada con respecto a la innovación (especialmente con respecto a la armonía).

Expresionismo Musical y Vanguardia Germánica

A principios del siglo XX, el Imperio Alemán y el Austrohúngaro dominaban la ciencia y la cultura europeas, marcando también la vida musical germánica con su rica tradición sinfónica.

Contexto y Figuras Clave

Richard Strauss alcanzó fama internacional con sus poemas sinfónicos, como Don Juan (1889), y su éxito en la ópera, iniciado con la provocadora Salomé (1905). Aunque el Expresionismo estaba al margen de la música germánica principal, influyó en compositores como Schönberg, quien en La noche transfigurada, op. 4 exploró los límites entre música de cámara y programática dentro de un lenguaje poswagneriano.

La Segunda Escuela de Viena

El círculo de Schönberg, conocido como la Segunda Escuela de Viena, ofrecía conciertos privados con obras íntimas y desafiantes para pequeñas agrupaciones. Frente a la catarsis colectiva de la música sinfónica tradicional, este movimiento expresionista buscaba experiencias más personales y perturbadoras.

Evolución Post-Guerra

Tras la derrota alemana en la Primera Guerra Mundial y la República de Weimar, surgió una segunda fase del Expresionismo. Algunos músicos de la primera ola, como Strauss, adoptaron el neorromanticismo, mientras que la Segunda Escuela de Viena estableció el dodecafonismo como un «clasicismo» de la atonalidad. Nuevos compositores, como Paul Hindemith y Ernst Krenek, mantuvieron viva la estética expresionista, aunque no siempre desde la atonalidad.

Verismo, Futurismo y Neoclasicismo Italiano

Tras la unificación italiana, el joven estado debió enfrentarse a una realidad de desigualdades territoriales y bajo una sociedad mayoritariamente agraria cuya alternativa a la pobreza consistió en emigrar masivamente al continente americano.

Contexto Italiano y Verismo

Es entonces cuando se dará paso a un movimiento literario de corte naturalista –el verismo– que denunciará la pobreza y el atraso del campesinado italiano.

La Ópera Verista

La ópera verista asumió la continuidad dramática y musical wagneriana, asimilando de forma progresiva un lenguaje armónico más próximo al Impresionismo francés. Con el agotamiento de la fórmula basada en la violencia y el arrebato pasional, los compositores veristas ampliaron su paleta incluyendo decorados históricos y exóticos, entre otros –como en Madama Butterfly [1905] de Giacomo Puccini–.

Neoclasicismo y Fascismo

El desarrollo del Neoclasicismo en Italia mantuvo conexiones difíciles de eludir con la ideología y el régimen fascista implantado en 1922 por Benito Mussolini. Por un lado, la reinterpretación del pasado musical italiano y las aspiraciones nacionalistas de los compositores de la generación del 80 conectaron con el nacionalismo fascista.

Nacionalismo y Modernismo Musical en el Siglo XX

Los Nacionalismos musicales de la primera mitad del siglo XX encontrarán dos rasgos que les diferenciaron de las escuelas nacionales del siglo anterior:

1. Partieron de un conocimiento más profundo y riguroso de las fuentes folclóricas originales.
2. La ruptura del sistema tonal tradicional –vía Impresionismo o Expresionismo– facilitó la adopción de una nueva actitud menos sumisa (obediente) ante las corrientes internacionales.

Integración Folclórica y Abstracción

La crisis del sistema tonal tradicional impulsó una revisión del Nacionalismo musical en el siglo XX. Esto permitió integrar elementos nacionales con mayor autenticidad. Además de citar melodías folclóricas, se buscó captar la sonoridad folclórica de manera más global mediante la armonía, instrumentación y ritmo. Así, el Nacionalismo musical se volvió más abstracto y ambicioso en sus objetivos.

Innovaciones Instrumentales

Por otro lado, en el ámbito instrumental, la música folclórica sugirió nuevas formas de producción del sonido en los instrumentos convencionales, que los compositores se esforzaron en llevar a las salas de concierto pese a las limitaciones impuestas por la notación.

Música y Política en el Periodo de Entreguerras

El Periodo de entreguerras (1918-1939) estuvo marcado en Europa por dos circunstancias políticas:

• Por un lado, una radical redefinición del mapa de Europa y Oriente Medio tras la I Guerra Mundial.
• Por otro, la radicalización extrema de la política en torno al bolchevismo prosoviético y a los diferentes movimientos fascistas surgidos con el propósito de combatirlo desde la violencia.

Reacción Estética y Nuevas Influencias

El estado de shock provocado por la I Guerra Mundial y la Revolución bolchevique, unido a la ola de prosperidad económica e innovación tecnológica proveniente de los Estados Unidos, propició una profunda reacción en contra de las sobrecargadas estéticas musicales del fin de siglo anterior. La nueva creación musical prefirió las pequeñas formaciones al gran formato sinfónico, del mismo modo que renegó de toda retórica en favor de mensajes más concretos y mundanos.

Futurismo, ruidismo, maquinismo, jazz, etc., hacen referencia a algunas de las materias primas fundamentales de los ecosistemas sonoros urbanos del Periodo de entreguerras. Su significado excederá a menudo el ámbito musical para extenderse a las artes plásticas, el cine, la ideología y la política.

El Neoclasicismo como Marco Dominante

Cabe destacar que el Neoclasicismo puede considerarse el marco estético hegemónico durante el Periodo de entreguerras.