Los Orígenes del Teatro Griego

1. Las Formas Pre-Teatrales

Los orígenes del teatro están vinculados a los ritos de magia y danzas miméticas que nacen con la propia humanidad. Es una forma de comunicarse / rogar con los espíritus y fuerzas ocultas de la naturaleza. Se manifiesta a través de:

• El trance
• La posesión
• El encantamiento
• La encarnación
• Danza fálica

En estas manifestaciones coexisten la danza, la música, el grito y los cantos. Es fundamental la participación de la comunidad, lo que refuerza los rasgos identitarios de la misma.

El Chamán es un individuo al que se le atribuye la capacidad de modificar la realidad o la percepción colectiva de esta. Su “poder” se manifiesta en la facultad de curar, de comunicarse con los espíritus y en la capacidad adivinatoria. Esta figura, con distintos nombres, aparece en las sociedades cazadoras y recolectoras de Asia, África, América y Oceanía. También aparecía en las culturas prehistóricas en Europa.

2. Concepto de Teatralidad

La Teatralidad existe como una especificidad de lo teatral, que tiene distintas definiciones según el autor:

• Roland Barthes la define como “el teatro sin el texto, es un espesor de signos y sensaciones que se edifica en la escena a partir del argumento escrito. La teatralidad debe estar presente desde el primer germen escrito de una obra, es un factor de creación, no de realización”. Esta definición se vuelca completamente en el acto performativo, dejando de lado los rasgos de teatralidad de la narrativa.
• Patrice Pavis, en su Diccionario del Teatro, la define como “lo que en la representación o en el texto dramático es específicamente teatral […] todo aquello que no obedece a la expresión de la palabra, o si se quiere, todo aquello que no cabe en el diálogo”.

La teatralidad puede entenderse como:

• Espesor de signos
• El teatro como lugar de la teatralidad
• Ilusión perfecta
• Interferencia y redundancia de varios códigos

Juan Villegas, en su artículo “De la teatralidad como estrategia multidisciplinaria”, se refiere al uso de este término en relación con la vida cotidiana y pública. Nombra un comportamiento que se realiza como si se estuviese en un escenario, donde los participantes adquieren el rol de actores y asumen un personaje.

Javier del Prado sitúa el origen de la teatralidad en el teatro, y ligada al acto de la mirada. Le define las siguientes características:

• Su naturaleza es artificial: vincula las nociones de ruptura, mímesis, montaje, juego, reglas de juego, rol, liturgia, espectáculo y catarsis.
• Su naturaleza es mimética: incluye las nociones de imitación y fingimiento (la paradoja del comediante).
• Su naturaleza es redundante: tanto a la mímesis como a la técnica (coexistencia de códigos, artificio, composición).
• Su naturaleza es especular: con nociones de desdoblamiento y duplicado (mirada real / imaginaria, escenario / sala, frontera real o imaginaria del espectáculo, etc.).
• Su naturaleza es presencial: impone la presencia como categoría física y el presente como categoría temporal.
• Su naturaleza es ritual: se repiten los gestos y las acciones, cada uno sabe cuál es su “obligación”.

3. Los Mitos y el Teatro

Dionisos, hijo de la mortal Semele y de Zeus, es el dios del vino, patrón de la agricultura y el teatro, inspirador de la locura ritual y el éxtasis. Su culto es de carácter mistérico, solo estaba permitido el acceso a los iniciados.

En ciudades como Atenas, protagonizará distintas fiestas:

• Oscoforias: en octubre, un cortejo de adolescentes con ramas de vid cargadas de racimos las llevaban como ofrenda a su templo. Tras el sacrificio y la libación se realizaban danzas.
• Dionisias rurales: en diciembre, una procesión campestre portando solemnemente el falo tras una muchacha con una cesta con flores y frutas. Da lugar a distintas diversiones populares:
  • Coros cómicos (comoi) que recorren los caminos cantando, bailando y realizando bromas obscenas.
  • Representaciones dramáticas.
• Lenaia: en enero, fiesta de carácter orgiástico, donde las lenai danzaban en éxtasis de forma desenfrenada. También suponía representaciones líricas y dramáticas.
• Antesterias: entre el 11 y el 13 de febrero, se desarrollaban de la siguiente manera:
  • El día 1º se abrían los pithoi con la cosecha de vino del otoño y se hacía un concurso de bebedores.
  • El día 2º una procesión con Dionisos (encarnado por el arconte de la ciudad), acompañada por un cortejo de enmascarados.
  • El día 3º se dedicaba a los muertos, con un sacrificio a Hermes. Dionisos “muere” cada invierno y “renace” cada primavera.
• Dionisias urbanas: del 10 al 15 de marzo, celebraba el fin del invierno y la llegada de la primavera. Era la segunda temporada teatral tras las Lenaia, y en ella se representaban los ditirambos, las comedias, las trilogías trágicas y los dramas satíricos.

Las Dionisias urbanas las organiza un magistrado, el arconte epónimo. La organización de los festejos sigue el orden siguiente:

• Día 1º: Introducción mediante un cortejo en el que se hacían públicos los repartos.
• Día 2º: al mediodía se acude al teatro donde se hacen sacrificios a Dionisos en un altar en la orchestra. Se inicia el concurso de ditirambos.
• Día 3º al 5º: se representan 3 tragedias y un drama satírico por día, creadas por el mismo autor, y representadas por 2 actores, 15 coreutas y 2 músicos.
• Día 6º: se dedica al concurso de comedias (5 de la mañana a la noche), representadas por 5 actores, 24 coreutas y 5 músicos.
• Día 7º: se reúnen los jueces en sesión plenaria y deciden los premios.

Estos premios se decidían por sorteo el mismo día de la representación, y eran un total de 10 (no se tenía en cuenta su capacidad crítica o sentido literario). Se entregaba una corona de laurel al mejor autor, coreuta y actor. Todos los autores participantes recibían una cantidad de dinero en función del puesto que obtenían. Los protagonistas también recibían dinero para repartir con el resto de actores.

Al tratarse de una fiesta religiosa, todas las capas sociales acuden al teatro. Los precios de las entradas eran moderados. Tras Pericles se establece un fondo de caridad para que hasta los pobres pudieran entrar al teatro gratuitamente. Se calcula que asistían entre 17.000 y 30.000 espectadores al Teatro de Dionisos en Atenas.

En el Teatro de Dionisos (Atenas), los funcionarios, sacerdotes y el arconte epónimo se situaban en la primera fila de la grada, en unos asientos en forma de trono.

El Origen del Teatro: El Ditirambo

El Ditirambo (Dithyrambos) era una composición lírica dedicada a Dionisos. En su origen era una forma coral. Su desarrollo como género literario se debe al poeta Arión de Corinto a finales del siglo VII a.C. En el 509 a.C. se lleva a Atenas, y se convertirá en un elemento de competición en los festivales dedicados a Dionisos.

La narración juega un papel importante, y tienen más un carácter lírico que dramático. El elemento musical tenía gran importancia. El coro ditirámbico, integrado por unos 50 hombres o niños, cantaba en círculo en la orchestra y no llevaban máscaras.

La estructura del ditirambo está constituida por dos elementos:

• Exarconte o corifeo: encargado de guiar al coro y de entonar las estrofas del poema.
• Coro: intérpretes del ritornello o estribillo, que era realizado como un grito.

De estos elementos nacerá la tragedia, según Aristóteles. Introduce al primer actor o hipocrites, que dialoga con el corifeo, con lo que la representación pierde parte de su carácter recitativo. También se le atribuye la introducción de la máscara como elemento caracterizador del personaje.

Los Géneros Teatrales

Tragedia

La Tragedia es una forma dramática donde sus personajes protagonistas se ven enfrentados contra el destino o los dioses. Casi siempre se dirigen hacia un desenlace fatal, anunciado por los oráculos. El protagonista se muestra como un héroe frente a las adversidades, ganándose la admiración del espectador (por ej.: Antígona de Sófocles).

Etimológicamente deriva de la palabra griega tragos (τράγος), que significa “macho cabrío”, y alude a que los primeros actores usaban pieles y cuernos de cabra.

Esquilo establecerá sus reglas básicas e introducirá al antagonista, lo que permite la dramatización de un conflicto. Con la llegada de Sófocles se producirá una profunda reforma del género:

• Se introduce el trigonista y se aumenta el número de coreutas a 15.
• Aparecen dramas independientes.
• Aparecen los monólogos de los protagonistas, y el coro se convierte en espectador y comentarista de la escena.

Drama Satírico

El Drama satírico es un género estrechamente vinculado a la tragedia. Se representaba junto a las trilogías trágicas y por los mismos actores. Según la tradición, el inventor del género es Pratinas de Fliunte (S. VI a.C.). Su objetivo es conservar un lugar en el teatro para Dionisos y los sátiros, excluidos en la tragedia.

Su argumento es mitológico y las escenas transcurren en la naturaleza. Lo representan un coro de sátiros dirigido por Sileno, que se enfrentan a un héroe mitológico. Se conservan fragmentos de Los sabuesos de Sófocles y de El cíclope de Eurípides. En el siglo IV a.C. se independiza de la trilogía trágica y se constituye en una prueba independiente en las Dionisias.

Comedia

Los ejemplos más antiguos de Comedia que se conservan son del siglo V a.C. y son las 11 obras de Aristófanes. Su nombre deriva de la palabra griega komos (κομος), que es una procesión de comparsas que cantaban y bailaban durante las Dionisias de Atenas. De ahí viene komoidia (canto de un komos).

En ellas se da gran importancia al coro y se mantiene el elemento fálico, en relación con el culto a Dionisos. La indumentaria utilizada sirve para representar la desnudez de manera caricaturesca. Llevaban ropas con relleno que abultaba la barriga y las nalgas a los hombres y los pechos a las mujeres. También se colocaban órganos sexuales postizos.

Las comedias de Aristófanes contaban con los siguientes elementos:

• Prólogo: escena que abre la obra, de tipo expositivo, antes de la entrada del coro.
• Parodos: entrada del coro y presentación al público.
• Agôn: debate entre dos actores a favor y en contra del tema principal de la obra.
• Parábasis: o “marcha hacia delante”. Los personajes abandonan la escena, avanza el coro y el corifeo se dirige al público. No tiene relación con la obra.
• Epeisodia: episodios separados por breves cantos del coro que continúan con la trama principal. Ilustran la conclusión que se desprende del agôn.
• Exodos: escena final, con una fiesta, que puede concluir con una danza ritual o cordax.

Para ponerlas en escena hacían falta 3 ó 4 actores y 24 coreutas. Los vistosos trajes y danzas de estos proporcionaban el espectáculo. El humor era tosco y desinhibido; los chistes eran de carácter sexual o escatológico.

El Edificio Teatral

Los elementos más característicos del teatro griego son:

• Se suele utilizar la confluencia de dos colinas para colocar el auditorio o theatron. Su disposición favorece la colocación de un número elevado de espectadores (hasta 14.000 en el de Epidauro).
• Se cuida mucho el diseño acústico. Se aprovechan las gradas como reflectores del sonido. El sonido reflejado reforzaba el directo, llegándose a cuadruplicar la sonoridad del espacio.

Todos los teatros estaban formados por tres secciones:

1. Koilon: “lugar desde el que se mira” o conjunto de gradas que ocupaban los espectadores, asentadas sobre la ladera. De forma ultrasemicircular, estaba dividido en sectores (kerkis) mediante los pasillos (diazoma) y las escaleras (kimakes). La primera fila (prohedria), con asientos con respaldo, estaba destinada a los notables de la ciudad.
2. Orchestra: lugar original del teatro, donde se realizaban los coros y danzas rituales en honor a Dionisos. Tenía un altar (tymele) para los sacrificios rituales; con el tiempo se reduce de tamaño y tiende a desaparecer. Tiene forma circular, situada al pie de la ladera con un diámetro entre 20 y 24 m, y en ella se sitúa el coro. En sus laterales se situaban dos entradas para los actores y el coro (parodos).
3. Skené: con la aparición de los actores en las representaciones, es necesario que el teatro tenga un lugar específico para ellos. Se construye una plataforma alargada y elevada del suelo. Hacia el 425 a.C. se comienza a construir un muro posterior (paraskenia) con puertas que permitían la entrada de los actores desde los vestuarios. Se separa de la orchestra mediante el proskenion.

El espacio teatral se completa con el uso de diversos elementos:

• Mekhané: o “máquina voladora”. Mecanismo manipulado mediante un torno que permitía hacer aparecer/desaparecer a los dioses por la parte superior de la skené.
• Ekkiklema: o “máquina que se saca rodando”. Se cree que era una plataforma que se sacaba rodando por las puertas del paraskenia, y se suponía que el actor que aparecía en ella estaba representando una escena en el interior. Otras teorías apuntan a que se trataba de una plataforma giratoria.
• Skenographia: o “pintura del escenario”. El pintor Agatarco de Samos fue el primero que realizó paneles pintados en perspectiva para las obras de Esquilo y Sófocles (ca. 468-458 a.C.). Tenían carácter arquitectónico y se reutilizaban por su alto coste. Se colocaban sobre los periaktoi (prismas triangulares que giraban sobre un eje).

Los Actores y la Interpretación

En el teatro griego solo interpretaban los hombres. Utilizan diversos elementos para “crear” al personaje frente al público:

• Máscaras: su origen es ritual, siendo primero maquillajes que se convierten en algo más permanente. Su nombre griego es prosopon (πρόσωπον), que significa “cara”. Las primeras se hacían con materiales vegetales pintados (madera, lino), que no se conservan. Posteriormente, en época helenística se hacían con arcilla. Cubrían toda la cabeza y llevaban pelo, con dos agujeros para los ojos y otro para la boca. Su fabricación estaba a cargo del skeuopoios o “fabricante del equipamiento”. Además de servir para caracterizar al personaje, la abertura de la boca sirve como tornavoz. Su forma acampanada aumenta la resonancia y favorece la emisión clara del sonido. También permite que un mismo actor interprete varios personajes.
• Vestuario: era un elemento que también servía para caracterizar el género del personaje o su estatus social. Para representar mujeres se añadían postizos bajo el traje en el pecho y en las nalgas. Los vestidos usados en escena son los contemporáneos: el chiton, o túnica de lino, y el himation, o capa de lana que lo cubre. Se decoran según la ocasión, y más que en el vestuario normal. En los pies los actores y el coro llevaban un calzado ligero y con suela algo gruesa. En época helenística aparece el kothornoi, con suela muy gruesa para aumentar la altura del actor en la tragedia.
• La voz: es el elemento que capta al auditorio, y la adaptan a los distintos papeles, expresando el estado de ánimo de los personajes. Según Aristóteles, el actor debe dominar los elementos retóricos del discurso. Ha de ser fuerte, clara y con una pronunciación perfecta. Los actores se ejercitaban diariamente, al amanecer y en ayunas. Inventaron técnicas para mejorar la voz, y cobraban por transmitirlas.

A partir del siglo IV a.C. algunos actores se convierten en verdaderas estrellas. La profesión suele pasar de padres a hijos. Solo el protagonista es recordado y se menciona.

Era frecuente la falta de fidelidad a los textos, cambiándose amplios pasajes. El legislador ateniense Licurgo (396-323 a.C.) realiza una reforma teatral estableciendo una versión oficial de los repertorios. Por su habilidad oratoria, incluso eran enviados como embajadores.